Genialität. Legende. Etiketten, die häufig abgenutzt sind, wenn sie in den Mund genommen werden. Aber während der 10. November 2015 für die meisten ein ganz normaler Dienstag sein mag, ist heute zufällig ein großartiger Tag, um einen Künstler zu ehren, der zu Recht den Status einer Legende beanspruchen kann. Die Rede ist von Ennio Morricone, auch bekannt als „der Maestro“, wie er in diesem Artikel mehr als ein Dutzend Mal genannt wird.
Dieser Meister des musikalischen Arrangements, der Tonmischung und der avantgardistischen Kreativität wird heute rüstige 87 Jahre alt. Es gibt keine Anzeichen dafür, dass er langsamer wird – für 2016 sind bereits Termine für eine Europatournee geplant, und seine mit Spannung erwartete erste Filmmusik für Quentin Tarantinos „The Hateful Eight“ ist bereits im Kasten und am Horizont zu sehen – Morricones mehr als 500 Filmcredits zeugen von seiner hohen Arbeitsmoral und seiner Leidenschaft für Filmmusik. Deshalb habe ich mich an die Aufgabe gewagt, seine Diskografie zu durchforsten und 30 seiner besten Filmmusiken herauszusuchen.
Morricone lebt immer noch in Rom, der Stadt, in der er geboren und aufgewachsen ist, und spricht bekanntlich nur ein paar Worte Englisch. Mehr Italienisch geht nicht, aber seine Musik ist eine universelle Sprache, wie das Sprichwort sagt. Am ehesten wird er mit den Western von Sergio Leone in Verbindung gebracht, aber wie diese Liste hoffentlich zeigen wird, reicht seine musikalische Bandbreite weit über Leones Kino hinaus. „Sie sind alle meine Kinder… jede Filmmusik, die ich gemacht habe“, sagt er oft, was eine Vielzahl von Künstlern aus allen Musikrichtungen beeinflusst hat: Künstler wie Yo-Yo Ma, Goldfrapp, Black Sabbath, DJ Premiere und Metallica haben Morricone alle schon einmal gehuldigt. Er übertrifft jeden anderen Filmkomponisten der Vergangenheit oder Gegenwart, außer vielleicht Bernard Herrmann, indem er die Art und Weise, wie wir Filmmusik verstehen, revolutioniert hat.
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Schnappen Sie sich also eine gute Flasche italienischen Rotwein und leihen Sie mir Ihre Augen und Ohren, während ich die denkwürdigsten und einflussreichsten Stücke aus dem überwältigenden Oeuvre des Maestros aufzähle.
„For A Few Dollars More“ (1965)
Es scheint unfair, alle drei Filmmusiken der „Dollars-Trilogie“ in diese Liste aufzunehmen, vor allem, wenn man bedenkt, dass das peitschenknallende Titelthema aus „A Fistful of Dollars“ alles andere als solches so überwältigend überschattet. Wäre dies eine „Essential“- und keine „Best Of“-Liste, hätte es „Eine Handvoll Dollar“ wahrscheinlich stattdessen auf diese Liste geschafft, aber ich bin der Meinung, dass „Für ein paar Dollar mehr“ der bessere Vertreter von Morricones revolutionären Methoden für Leones Western ist. Mit seinen schrillen Juwelen-Harps, den wahnsinnig eingängigen Gitarrenriffs, dem ikonischen Pfeifen, den Glockenschlägen, der Kirchenorgel und der musikalischen Taschenuhr von El Indio (Gian Maria Volonte), die „deine Gedanken an einen anderen Ort versetzt“ und die psychologische Verfassung des Charakters so anschaulich darstellt, ist „For Few Dollars More“ so ikonisch wie Clint Eastwoods Staredown.
„The Battle Of Algiers“ (1966)
Auch wenn es die einzige Filmmusik auf dieser Liste ist, die im Abspann neben Morricones Namen den eines anderen Komponisten trägt, wäre es doch mehr als blasphemisch, „The Battle Of Algiers“ wegzulassen, da sie so archetypisch geworden ist. Aufgrund vertraglicher Verpflichtungen musste der Regisseur Gillo Pontecorvo neben Morricone genannt werden, und für „Ali’s Theme“ war es Pontecorvo, der die vier Noten komponierte, die nach Morricones Meinung „zur Essenz des Films wurden“. Aber es war der Maestro selbst, der sie in der Partitur arrangierte. Bei allem Respekt vor Pontecorvo, der ein Meisterwerk inszenierte, arbeitete er unter der Ägide eines Meisterarrangeurs, dessen Permutationen von militärischem Schlagzeug, Hörnern und Klavieren die ewige Flamme der revolutionären Unabhängigkeit des Films entzünden.
„The Good, The Bad, And The Ugly“ (1966)
Aaah-eee-aaah-eee-Ahhh. Praktisch Morricones Geburtstagsjingle, das ist der Titelsong des von ganzem Herzen bombastisch subversiven OST zu Leones „The Good, The Bad, And The Ugly“. Die ersten beiden Teile der „Dollars“-Trilogie ebneten den Weg für diesen neuen Sound, aber ich kann mir nur vorstellen (und bin ewig neidisch), wie die galoppierenden Rhythmen, Mundharmonikas, Trompeten und „Ecstasy of Gold“ – wenn es ein Labor für solche Dinge gäbe, würden Wissenschaftler beweisen, dass es eines der besten Stücke Filmmusik ist, das je komponiert wurde – für frische Ohren in den späten 60er Jahren geklungen haben müssen. Wahrscheinlich eine Variation von „OMFG, wie kann etwas so verdammt cool klingen?“. Morricone folgte seinem avantgardistischen Herzen und verwendete reale Klänge, „um eine Art Nostalgie zu erzeugen, die der Film vermitteln sollte“. Im Fall von „The Good, The Bad, And The Ugly“ waren das vor allem Tiergeräusche, nämlich das, was als Kojotengeheul bekannt geworden ist – das Western-Genre war offiziell nie wieder dasselbe.
„Navajo Joe“ (1966)
Was, Sie dachten, Morricone hätte die besten seiner Western-Scores nur Sergio Leone überlassen? Per favore. Für einen anderen Sergio, in diesem Fall Corbucci, hat er sein einzigartiges Genie am Mischpult ausgeschüttet, und vielleicht war es sein Pseudonym „Leo Nichols“, der die Bestie entfesselt hat, die in den wilden Klängen von „Navajo Joe“ herumstreift. Eingängige Keys, ein Hauch von verrückter Avantgarde, emotionale Aufschwünge, die in einer Demenz gipfeln, die seine Vorliebe für Horror vorwegnimmt („A Silhouette Of Doom“); die Arrangements mit den melodiösen menschlichen Gesängen von „Navajo Joe, Navajo Joeee“ – wie die einmal gehörte und für immer in Erinnerung gebliebene Titelhymne – gehören zu den einfallsreichsten Stücken des Maestro in diesem Genre. Auch hier können wir Quentin Tarantino dafür danken, dass er die breite Öffentlichkeit an die Brillanz dieses Soundtracks erinnert hat, denn er hat einiges davon für „Kill Bill“ wiederverwendet, aber man tut gut daran, sich das Original zu besorgen.
„Once Upon A Time In The West“ (1968)
In einem seiner produktivsten Jahre setzte Morricone seine Zusammenarbeit mit Sergio Leone fort und komponierte die in vielen Ohren großartigste Musik, die in einem Western zu hören ist. Die italienische Sängerin Edda Dell’Orso arbeitete bis weit in seine Giallo-Phase hinein bei zahlreichen Projekten mit Morricone zusammen, aber ihre Stimme klingt so engelsgleich wie in „Once Upon A Time In The West“, begleitet von Morricones sinnlichen Streichern. Das Album verkaufte sich weltweit über 10 Millionen Mal, und wenn man „The Man With The Harmonica“ zum tausendsten Mal hört, bleibt nur die Frage: Warum hat es sich so wenig verkauft? Die Leitmotive beschrieben die vier Hauptcharaktere auf unausgesprochene, oft wiederholte, aber nie überbotene Weise, was doppelt stark gewirkt haben muss, denn Leone spielte Morricones Musik am Set, um die Schauspieler in Stimmung zu bringen. Als eines der großartigsten Beispiele für den opernhaften Western gehört „Once Upon A Time In The West“ zur absoluten Weltspitze, wenn es um die filmische Verbindung von Bild und Musik geht.
„Escalation“ (1968)
Dies ist einer der Fälle in Morricones langer, arbeitswütiger Geschichte, in denen es in Ordnung ist, das Kind auszuschütten, solange man das Badewasser stehen lässt. Das heißt, Roberto Faenzas italienische dunkle Komödie „Escalation“ ist nicht besonders gut, aber Morricone war zu dieser Zeit in Hochform und lieferte einen weiteren unvergesslichen Score voller purer musikalischer Freude ab. Besonders hervorzuheben sind das funkige „Dias Irae Psichedelico“ (psychedelisch ist richtig) und sein genialer Moment der Stille sowie alle „Funerale Nero“-Variationen, bei denen Morricone seine Jazz-Wurzeln mit Trompeten, die Sie ins Tanzfieber versetzen werden, wieder aufleben lässt. Die verträumten Kompositionen klingen, als wäre das gesamte Orchester auf LSD, während die Funkigkeit daran erinnert, wie weit Morricones musikalisches Netz war.
„Come Play With Me“ (1968)
Besser bekannt als „Gracie Zia“ ist Salvatorre Samperis Spielfilmdebüt heute so gut wie vergessen. Seine positiven Überreste sind vor allem in Morricones lächerlich spaßigem Soundtrack zu finden, der mit „Guerra E Pace, Pollo E Brace“ und der Kombination von rhythmischer Perkussion mit dem Klang eines ganzen Kinderchors beginnt. Die Geschichte handelt von einer inzestuösen Beziehung zwischen einer Tante und ihrem Neffen, was Morricones hymnenartiges Medley perfekt umschreibt: „Inflicting pleasure“. Und warten Sie, bis Sie sich an „Shake Introspettivo“ laben; mit seinem schlangenartigen Synthesizer wird Ihre Repeat-Taste wie nie zuvor missbraucht werden. „Come Play With Me“ ist auch eine fantastische frühe Einführung in die Giallo-Seite von Morricone, insbesondere mit seinem Einsatz von verstörenden Schlafliedern.
„The Mercenary“ (1968)
Der zweite nicht von Sergio Leone stammende Western, den es zu erwähnen gilt, ist ein weiterer Film von Sergio Corbucci, und die Aufgabe, mich zwischen diesem und „The Great Silence“, Corbuccis anderem Western aus demselben Jahr, zu entscheiden, hielt mich einige Nächte wach. Nach mehrmaligem Anhören entschied ich mich für „Der Söldner“, vor allem, weil das charakteristische Pfeifen des Films das beste Pfeifen aller Zeiten ist. Mit Hilfe seines langjährigen Mitarbeiters Bruno Nicolai hat Morricone das Thema von „Il Mercenario“ – insbesondere die klangvolle „L’Arena“-Variation, die Tarantino wiederverwendet hat – in eine seiner größten Westernkompositionen verwandelt. Versuchen Sie einmal, die romantisch-melancholische Gitarre in „Liberta“ zu hören, ohne eine Gänsehaut zu bekommen.
„Der Sizilianer-Clan“ (1969)
Vor „Es war einmal in Amerika“ und „Die Unbestechlichen“ prägte Morricone seine geniale Vorliebe für melodiöse Kriminalfilme in Henri Verneuils „Der Sizilianer-Clan“. Der Film, der zu einem von Morricones bekanntesten Stücken inspiriert hat, wahrscheinlich wegen seines einschüchternden Trios von selbstgefälligen Posterboys: Alain Delon, Jean Gabin und Lino Ventura. Die jüdischen Töne und Pfiffe verbinden diesen Krimi mit der Stimmung eines von Morricones Western, aber mit nur etwas anmutigem Jazz („Snack Bar“), der als Zwischenspiel fungiert, gedeiht die unnachahmliche Musik für „The Sicilian Clan“ in rastlos voranschreitenden Stücken wie „Tema Per Le Gofi“ und natürlich dem Haupt-Ostinato, das vor sinnlicher Nostalgie und elektrischer Coolness trieft. Unmöglich, nicht stundenlang mitzusummen, nachdem man es gehört hat.
„Burn!“ (1969)
Ob man den Film nun unter seinem italienischen Namen „Queimada“ oder dem wunderbar auf den Punkt gebrachten englischen Titel kennt, man weiß, dass dieser Film von Gillo Pontecorvo neben einer der unglaublichsten Marlon Brando-Darbietungen den emotional mitreißendsten Soundtrack von Ennio Morricone enthält. Der Eröffnungsgesang „Abolisson, abolisson!“ erinnert an den revolutionären Freigeist, den Morricone mit unglaublichem Geschick in Musik umzusetzen wusste – je lauter er wird, desto nachdrücklicher stellen sich die Haare auf. Wie bei fast allem, was er in dieser Zeit dirigierte, hat Morricone die Essenz eines Films in Noten, Harmonien und Arrangements eingefangen. Sein „Jose Dolores“-Thema ist eines der besten Beispiele dafür, wie einfache Akkorde zu etwas ganz Tiefgründigem geführt werden.
„The Bird With The Crystal Plumage“ (1970)
Anfang der 70er Jahre begann der Giallo-Horror auf den italienischen Kinoleinwänden zu bluten, und wer konnte den Spuk bedrohlicher in die Vorstellungswelt der Menschen bringen als die Porzellanpuppensammlung des gruseligen Nachbarn? Nur der allgegenwärtigste italienische Filmkomponist, der in dieser Zeit mit einem atemberaubenden Tempo von 12-13 Filmmusiken pro Jahr arbeitete. Der erste von Morricones unvergesslichen Beiträgen zum Genre war Dario Argentos Debütfilm (und einer seiner besten) „The Bird With The Crystal Plumage“. Wahrscheinlich ließ sich Morricone von Krzysztof Komedas Schlafliedkomposition in „Rosemary’s Baby“ inspirieren, als er für Argento sein eigenes unheimlich subtiles La-La-La-Kinderlied komponierte, gespickt mit paranoiden Trompeten und Xylophonen, die das Gefühl kristallisieren, dass jemand mit bösen Absichten direkt hinter einem steht.
„Investigation Of A Citizen Above Suspicion“ (1970)
Trickreich, raffiniert, leicht pervers und ewig auf Zehenspitzen über jeden Verdacht erhaben, ist Morricones Partitur für Elio Petris oscarprämierte Satire eine seiner mitreißendsten Melodien. „Ich musste eine Art Musik für die Groteske schreiben, die etwas Folkloristisches hat“, erklärt Morricone in diesem Criterion-Feature, und seine Kombination von Mandoline und Maultrommel mit typischen Orchesterinstrumenten ist unübertroffen, wenn es darum geht, ein Gefühl von teuflischem Spaß zu vermitteln. Als experimentierfreudiger Avantgarde-Künstler, der er auf dem frühen Höhepunkt seiner Karriere war, machen Morricones Kreativität im Umgang mit Synthesizerklängen und sein übernatürliches Gespür für musikalische Aufhänger „Investigation Of A Citizen Above Suspicion“ zu einem seiner beliebtesten Stücke, das häufig in seinen Live-Konzerten zu hören ist.
„Maddalena“ (1971)
Morricone lieferte in den frühen 70er Jahren Filmmusiken wie eine Fledermaus aus der Hölle, so dass die Erhabenheit seiner Musik dem eigentlichen Film, für den er sie komponierte, oft um Lichtjahre voraus war. Das wird nie deutlicher als bei Jerzy Kawalerowicz‘ „Maddalena“, einem Eintagsfliegenfilm über eine Frau, die nach Liebe sucht und sie in einem Priester findet. Es ist mehr als 40 Jahre her, also ist es in Ordnung zuzugeben, dass das einzig wirklich Großartige an der ganzen Angelegenheit Morricones eloquente und symphonische Filmmusik ist. Indem er sich mit Edda Dell’Orso für den glorreichen 9-minütigen Opener „Come Maddalena“ zusammentat und „Chi Mai“ komponierte (das später von der BBC in „The Life And Times Of David Lloyd George“ noch populärer gemacht wurde), unterstrich Morricone sein vielleicht erfolgreichstes Jahr mit seiner charakteristischen Mischung aus Jazz, Chorgesängen und endlos klingender Polyphonie.
„Lizard In A Woman’s Skin“ (1971)
Es ist die Paranoia, die im Mittelpunkt der barocken Farben steht, die Morricones Giallo-Score für „Lizard In A Woman’s Skin“ durchdringen, der letztes Jahr von der Plattenfirma Death Waltz mit einem angemessen beeindruckenden Coverdesign wiederveröffentlicht wurde. Dieser filmische Albtraum von Lucio Fulci inspirierte Morricone zu einer seiner großartigsten Kompositionen, einer wunderschönen Kakophonie aus Jazz, Funk, Kirchenorgeln, Blasinstrumenten, Pfeifen und Edda Dell’Orsos Stimme. Dies sind Elemente, die schon in so vielen Morricone-Kompositionen enthalten waren, doch durch sein chirurgisches Arrangement wirken sie unendlich frisch und verführerisch. Ob mit den Flöten von „La Lucertola“, der Surf-Gitarre von „Notte di giorno“ oder dem verträumten Abtauchen in den Fulci-Kaninchenbau von „Spiriti“, dies ist ein weiterer Morricone-Score, der Sie glauben lässt, Ihre Stereoanlage sei von einem Dämon besessen, der einen wirklich, wirklich guten Musikgeschmack hat.
„Cold Eyes Of Fear“ (1971)
Wenn Sie in der Stimmung für Morricones avantgardistischste Seite sind, die Seite, die die dissonantesten Klänge in einem David Lynch-Film wie Buddy Holly klingen lässt, dann suchen Sie nicht weiter als „Cold Eyes Of Fear“.“ Enzo Castellaris Thriller steht den anderen Giallos seiner Zeit in nichts nach, aber dieser quecksilbrige Acid-Jazz-Soundtrack des Maestro wird Ihnen unter die Haut kriechen und Sie stundenlang auf Nadeln laufen lassen, wobei die Cello-Akkorde und Trompeten in so manchem kommenden Albtraum wiederkehren. Cold Eyes Of Fear“ ist zweifelsohne die am stärksten disharmonische von Morricones Partituren und starrt mit seinen Klängen und Glockenspielen in den filmischen Abgrund. Es ist auch einer der Karrierehöhepunkte des Komponisten im Giallo-Arrangement, der stark an seine frühen Tage als Avantgarde-Improvisator in der Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza erinnert.
„Cat O‘ Nine Tales“ (1971)
Im direkten Gegensatz zu „Cold Eyes Of Fear“ stehen Morricones Kompositionen für „Cat O‘ Nine Tails,“, dem zweiten Film von Dario Argento, mit wunderschönen, fast gefühlvollen Harmonien, die durch das „Ninna Nanna“-Hauptthema verkörpert werden, bei dem Morricone erneut Dell’Orsos stimmliche Fähigkeiten mit höchst hypnotischer Wirkung einsetzt. Das furchteinflößende „Paranoia Prima“ wird Ihnen wahrscheinlich bekannt vorkommen, da es von Tarantino in „Kill Bill Vol. 1“ wiederverwendet wurde, während der Rest der Partitur mit tiefen Bass-Cello-Tönen und der Art von Hintergrundgeräuschen gespickt ist, die tausend dunkle Bilder malen. Zu diesem Zeitpunkt – und nein, das ist kein Tippfehler, wir befinden uns immer noch im Jahr 1971 – war klar, dass Morricone nicht nur das Western-Genre beherrschte, sondern auch die Urklänge italienischer Slasherfilme.
„Duck, You Sucker!“ (1971)
Es ist allerdings nicht so, dass es ihm ’71 nur um Giallos ging. Morricone beschäftigte sich mit allem, was er in seinen lächerlich knappen Zeitplan einbauen konnte. Dazu gehörte eine weitere virtuose Filmmusik für einen Sergio Leone-Western, in diesem Fall „Duck, You Sucker!“ (auch bekannt als „A Fistful of Dynamite“). Es könnte durchaus die kapriziöseste von Morricones Leone-Partituren sein, mit ihrer unvergesslichen Mischung aus Komik und Oper, die Wunder wirkt, wie man gleich im „Main Theme“ des Films hört. Die schwelgerischen Streicher, die an einer Stelle die Oberhand gewinnen, entführen in die magische Welt des Films, bevor Dell’Orsos opernhafter Mezzosopran eine unerwartete Ebene hinzufügt. Der Komponist selbst beschrieb diesen Film in einem Quietus-Interview vor allem als ein großartiges Beispiel für seine „Vermischung von tonaler Musik und Avantgarde-Musik“
„What Have You Done To Solange?“ (1972)
Ahhh, dieses Klavier. Eine weitere erfolgreiche Zusammenarbeit mit Edda Dell’Orso in einem Giallo-Film, der einem Morricone-Score in nichts nachsteht. Massimo Dallamanos „What Have You Done To Solange?“ ist durchdrungen von Geheimnissen, echtem Nervenkitzel und einer Art Paranoia, die fester ist als Klavierdraht. Vom einleitenden Titelthema über die jazzigen Milieus von „Una Tromba E La Sua Notte“ bis hin zu den Karussellklängen von „Fragile Organetto“ ist die Partitur ein weiteres subtil zusammenhangloses und provokantes Stück Filmmusik, das bei denjenigen, die den Film gesehen haben, sofort Bilder von Fabio Testis mörderischem Priester und Cristina Galbos Elizabeth hervorruft, während es diejenigen, die den Film nicht gesehen haben, dazu auffordert, ihn zu suchen. Morricones Filmmusik ist hier so lähmend gut, dass man nicht einmal über die unsubtile Synchronisation lachen kann.
„Revolver“ (1973)
Das ist ein weiterer Fall, in dem Morricones weniger bekannte Musik von Tarantino wiederverwendet wurde (diesmal in „Inglourious Basterds“), und wenn Sie jetzt denken: „Haben Sie gerade alles, was QT wiederverwendet hat, in diese Liste aufgenommen?“, dann ist die Antwort: fast, aber nicht, weil ich es vorhatte. Tarantinos Musikgeschmack ist beeindruckend, unabhängig davon, was man von seiner Arbeit oder der Größe seines Egos hält, und bei der Durchsicht von Morricones umfangreichem Schaffen ist das, was heraussticht, meistens das, was Tarantino selbst aufgefallen ist. Wenn es bei Sergio Sollimas „Revolver“ allerdings nur um die emotionalen Streicher von „Un Amico“ gegangen wäre, hätte er es wahrscheinlich nicht in die Auswahl geschafft. Der 12-minütige Titeltrack hat mit seinen geschichteten Bläsern einen bemerkenswerten Drive, und „Quasi Vivaldi“ ist ein angenehmer kleiner Stupser an den berühmten Komponisten.
„Spasmo“ (1974)
Das letzte der Giallos auf dieser Liste, „Spasmo“, hebt sich mit seinen wunderschönen „Bambole“- und „Spasmo“-Sätzen von den anderen ab. 1974 hatte Morricone dank seiner Arbeit mit Argento und Dallamano die Giallo-Scores offensichtlich gemeistert, aber er hatte immer noch eine umwerfend sensationelle Filmmusik für Umberto Lenzi in petto. Die furchtbar romantischen und emotionalen Arrangements aus Synthesizermelodien, menschlichem Summen und Blasinstrumenten klingen weit über das Gerät hinaus, das die Musik abspielt (oder auch über den Bildschirm). Die Vermischung des Fantastischen mit dem Realen, wie es der Tradition des Giallo entspricht, steht in Morricones Partitur in „Spasmo“ im Vordergrund, wahrscheinlich eine der schönsten Partituren, die je für einen Horrorfilm komponiert wurden.
„Der Exorzist II: Der Ketzer“ (1977)
Vom Schönen zum absolut Wahnsinnigen, aber immer noch im selben Sandkasten spielend. „Der Exorzist II“ ist ein komplettes Desaster von einem Film, ein Sequel des armen Mannes von dem ansonsten großartigen John Boorman. Aber wie bei einigen anderen Filmen auf dieser Liste steht hinter einem schrecklichen Film manchmal eine unglaublich gute Filmmusik, was Morricone, mehr als jeder andere Filmkomponist, immer wieder mit glänzenden Beispielen wie diesem bewiesen hat. Der Film fängt schön an mit „Regan’s Theme“, aber es dauert nicht lange, bis „Exorcist II“ mit den Gesängen von „Pazuz“ und den weiblichen Schreien von „Little Afro-Flemish Mass“ in den Wahnsinn abdriftet. Sobald man bei dem verrückten „Magic And Ecstasy“ ankommt, wird einem klar: Das ist das Verrückteste, was wir je von Morricone gehört haben. Und es ist erstaunlich.
„Days Of Heaven“ (1978)
Morricones erste von fünf Oscar-Nominierungen (die er am Ende alle verlieren wird: Schade!), „Days Of Heaven“ ist eine dieser Traum-Kollaborationen zwischen Regisseur und Komponist. Morricone arbeitete zum ersten Mal mit Terrence Malick zusammen und schuf eine seiner besten amerikanischen Filmmusiken, die perfekt zu Malicks tief empfundenen thematischen Tendenzen und Nestor Almendros‘ erhabener Kinematographie passt. Der verträumte Opener „Aquarium“ ist zwar kein Original von Morricone, setzt aber den Ton für den ikonischen Titelsong voller nostalgischer Sehnsucht, die beschwingten Flöten von „Happiness“ und das windige Wiegen der Streicher in „Harvest“. Alles zusammen ergibt eine Komposition, die den Stoff für Filmmusik-Magie liefert. Und hier noch etwas, um Ihre Vorfreude zu schüren: Morricone und Malick werden für die lang erwartete „Voyage Of Time“-Dokumentation des Regisseurs wieder zusammenarbeiten.
„The Thing“ (1982)
Ich weiß, dass diese Filmmusik für einen Razzie nominiert war, okay? Aber scheiß drauf, denn „The Thing“ ist im Laufe der Zeit und mit gesundem Menschenverstand als eines der schaurigsten Stücke von Ennio Morricone anerkannt worden. John Carpenter beschloss bekanntlich, diesen Film nicht selbst zu vertonen, sondern beauftragte stattdessen den Maestro mit der Arbeit (offensichtlich als Fan der Giallo-Arbeiten des Italieners). Obwohl die Legende besagt, dass Carpenter mit Morricones Arbeit nicht ganz zufrieden war und nur Bruchstücke davon im endgültigen Film verwendete, enthält der ursprünglich veröffentlichte OST Tracks, die Morricone selbst ausgewählt hat. Befreien Sie Ihren Geist von den Hintergrundgeräuschen, die die Veröffentlichung umgeben, und genießen Sie eine von Morricones stimmungsvollsten Partituren, die die winterliche Abgeschiedenheit der Filmkulisse und die phantasmagorische Spannung, die im Film vorherrscht, wunderbar wiedergeben. Empfohlen mit Kopfhörern und ausgeschaltetem Licht.
„Once Upon A Time In America“ (1984)
Was schließlich die letzte Zusammenarbeit zwischen zwei Giganten des Kinos des 21. Jahrhunderts und guten Freunden war, „Once Upon A Time In America“ zählt zu Morricones größten Hits. Es ist eines der wenigen Beispiele dafür, dass man jedes beliebige Stück sofort als die Musik erkennen kann, die Morricone für Leones Meisterwerk geschaffen hat; so emotional episch wie der Film selbst, ist es der ikonische Einsatz der Haupt-Panflöte (hören Sie sich den Anfang von „Childhood Memories“ als besonders eindringliches Beispiel an) und „Deborah’s Theme“, die die Partitur unsterblich machen. Genau wie bei „West“ spielte Leone Morricones Partitur am Set, um die Schauspieler in die Stimmung des Films zu versetzen, was Morricone gewissermaßen zu einem Co-Regisseur macht. Ein schöner Gedanke für ein atemberaubendes Filmerlebnis.
„The Mission“ (1986)
„Ich hatte auf jeden Fall das Gefühl, dass ich für ‚The Mission‘ hätte gewinnen sollen“, sagte ein möglicherweise mürrischer Morricone 2001 in einem Interview mit The Guardian. Und natürlich hätte er den Oscar für diese ausdrucksstarke und opernhafte Filmmusik gewinnen sollen. „Gabriel’s Oboe“ ist eine zweieinhalbminütige Entdeckung, wie der Himmel klingen muss, während sein Gespür für die Schaffung von unvergesslichen Titelthemen mit „The Mission“ weitergeht, einem so schönen musikalischen Arrangement, wie er es nie zuvor oder danach gemacht hat. Man erzählt sich, dass Morricone in einem seltenen Moment des Selbstzweifels die Bilder von Roland Joffe zu kraftvoll fand und dachte, dass seine Musik ihnen nicht gerecht werden würde. Sehen Sie? Selbst Genies können sich irren.
„Die Unbestechlichen“ (1987)
Brian De Palma und Ennio Morricone verstanden sich prächtig und arbeiteten 1989 für „Casualties Of War“ erneut erfolgreich zusammen, aber die Oscar-nominierte Filmmusik für „Die Unbestechlichen“ war die saftigste Frucht ihrer Partnerschaft. Nach 1985 ließ Morricone mit Filmmusiken nach und konzentrierte sich stattdessen auf Live-Konzerte, aber wie bei den übrigen Soundtracks auf der Liste war er immer noch ganz in seinem Element, wenn es darum ging, ein bewegtes Bild mit Musik zu unterlegen. Das mitreißende, siegreiche „Untouchables“-Thema klingt zu gut, sobald das Crescendo der Trompeten einsetzt, um jemals kitschig zu sein, während das Thema von „Al Capone“ wie ein Handschuh zu Robert De Niros brillanter komischer Darstellung passt.
„Cinema Paradiso“ (1988)
Morricones Name wird meist mit Krimi-Epen, Western und Giallos in Verbindung gebracht, aber es sind Partituren wie die, die er für „Cinema Paradiso“ komponierte und orchestrierte, die einen einen Schritt zurücktreten lassen und erkennen lassen, dass es eigentlich nichts gibt, bei dem dieser Maestro nicht den Taktstock schwingen könnte. Es war seine erste Filmmusik für Giuseppe Tornatore, eine Zusammenarbeit, aus der noch einige weitere unvergessliche Partituren hervorgehen sollten, und ähnlich wie der Film selbst sind alle Stücke Ausdruck einer unerschöpflichen Liebe für die mitreißende Kraft des Kinos selbst. Die Streicher-Permutationen, die den Zuhörer mit umfassender Wärme umhüllen, wie sie im „Title Theme“ und „Love Theme“ zu hören sind, werden Sie in die Stille versetzen.
„Frantic“ (1988)
Roman Polanskis „Frantic“ wird oft vergessen, wenn man die größten Filme des Regisseurs aufzählt, aber er hat einen besonderen Platz in meinem Herzen. Als ich mir Morricones Filmmusik wieder ansah (leider das einzige Mal, dass die beiden zusammenarbeiteten), wurde ich sofort an das Geheimnis und die Paranoia von Harrison Fords verwirrtem Arzt erinnert. Es handelt sich um eines der subtilsten Werke des Maestro: Es ist meisterhaft stimmungsvoll, mit einem absolut unglaublichen Einsatz von Akkordeonklängen, die immer wieder auftauchen und von den hoch gespannten Streichern übertönt werden. Es ist eine Verschmelzung von Giallo-Sensibilitäten, die er in den 70er Jahren beherrschte, mit der eher klassischen Orchesterarbeit, die er zu dieser Zeit machte, und das Ergebnis ist eine weitere wunderbare Partitur, in der man sich völlig verlieren kann.
„Legend Of 1900“ (1998)
Als die 90er Jahre anbrachen, war Morricone nicht mehr annähernd so produktiv wie in der Vergangenheit, und obwohl er die meisten Hollywood-Komponisten immer noch wie Kinder aussehen ließ, die auf Töpfe und Pfannen klopfen, ist es klar, dass der Höhepunkt seiner Karriere hinter ihm lag (der wahrscheinlich in „Once Upon A Time In America“ erreicht wurde, wenn man ihn nachverfolgen wollte). Dennoch ließ er sich immer noch dazu inspirieren, für seinen guten Freund Giuseppe Tornatore einige großartige Musikstücke zu komponieren, die klassischer denn je waren. Für die „Legende von 1900“, seinen zweiten Golden-Globe-Gewinn, glänzte er mit leidenschaftlichen Klavierkompositionen und wehmütigen Streichern, die den Geist des musikalischen Wunderkinds im Mittelpunkt wunderbar einfingen.
„Malena“ (2000)
Seine fünfte und letzte Oscar-Nominierung, bevor die Wähler erkannten, dass ein Ehren-Oscar die einzige Möglichkeit war, das Gesicht zu wahren, ist „Malena“ das größte Werk, das Morricone im Herbst seiner Karriere komponierte. Er fand einen Weg, die Verführungskraft von Monica Bellucci, die eine sinnliche Frau in einer kleinen, rückständigen italienischen Stadt spielt, musikalisch zu beschreiben. Die emotionale Achterbahnfahrt, die der Film darstellt – sowohl eine Coming-of-Age-Geschichte als auch ein sozialer Kommentar zur Intoleranz engstirniger Gemeinschaften – entblößt ihre Seele und Essenz in Morricones Musik. Der Komponist kramt in seinem Arsenal an Instrumentalarrangements und schafft etwas Heiteres, Unnachahmliches und Erhabenes.
Da diese Liste aus mehr als 500 Filmkompositionen zusammengestellt wurde, könnte man leicht noch 30 weitere Ennio Morricone-Musiken hinzufügen und es würde immer noch etwas fehlen. So sehr ich mich auch bemühte, seinem furiosen Schaffen gerecht zu werden, musste ich doch schweren Herzens einige seiner Werke aus den 60er und 70er Jahren ausschließen, einer Periode, in der er wenig falsch gemacht hat. Dazu gehören „A Fistful Of Dollars“, das ansteckend poppige „Slalom“, „Death Rides A Horse“ (ein weiteres Westernjuwel, von dem Tarantino Anleihen genommen hat), „The Five Man Army“, das schräge und verrückte „Danger: Diabolik“, Corbuccis „Das große Schweigen“ und Pier Paolo Pasolinis „Die Falken und die Spatzen“ stechen hervor.
In den 70er Jahren verpassten „Violent City“, „Two Mules For Sister Sara“, „The Forbidden Photos Of A Lady Above Suspicion“, „The Fifth Cord“, „Vamos a Matar, Compañeros“, „Working Class Goes To Heaven“ und „Who Saw Her Die?“ die Aufnahme in die Liste nur um Haaresbreite. Seine 1971 entstandenen Filmmusiken für „Veruschka“ und „Sacco e Vanzetti“ sind bei eingefleischten Fans sehr beliebt, aber so gut sie auch sein mögen, ich fand, dass ich sie durch keine der anderen ersetzen konnte. Hatte ich Unrecht? Sagen Sie es mir!
Morricones 80er und 90er Jahre sind zwar nicht annähernd so produktiv wie die ersten beiden Jahrzehnte, aber dennoch gehören „White Dog“, „Red Sonja“, „Casualties of War“, „Bugsy“ (die einzige Oscar-Nominierung, die nicht in der Hauptliste enthalten ist), „Hamlet“, „Wolf“ und „Lolita“ zu den Filmen, die ernsthaft für den Haupteintrag in Betracht gezogen wurden.