Génie. Légende. Des étiquettes qui s’usent fréquemment à force d’être brandies. Mais alors que le 10 novembre 2015 pourrait être un bon vieux mardi pour la plupart, il se trouve qu’aujourd’hui est un grand jour pour honorer un artiste qui peut légitimement prétendre au statut de légende. Je parle d’Ennio Morricone. alias le Maestro, comme il est connu et sera désigné dans cet article plus d’une douzaine de fois.
Ce maître de l’arrangement musical, du mixage sonore et de la créativité d’avant-garde fête aujourd’hui ses 87 ans. Ne montrant aucun signe de ralentissement -il a des dates de tournée européenne marquées pour 2016 et sa première partition originale très attendue pour « The Hateful Eight » de Quentin Tarantino est en boîte et à l’horizon- les plus de 500 crédits de films de Morricone attestent de sa forte éthique de travail et de sa passion pour la notation de films. J’ai donc tenté la gageure de me plonger dans sa discographie et de choisir 30 de ses toutes meilleures partitions cinématographiques.
Morricone vit toujours à Rome, la ville où il est né et a grandi, et il est célèbre pour ne parler que quelques mots d’anglais. On ne peut pas faire plus italien que cela, mais comme le dit l’adage, sa musique est un langage universel. On l’associe plus volontiers aux westerns de Sergio Leone, mais comme cette liste le montrera, sa palette musicale s’étend bien au-delà du cinéma de Leone. « Ce sont tous mes enfants… toutes les partitions que j’ai faites », dit-il souvent, ce qui a influencé une pléthore d’artistes dans tous les genres musicaux : des artistes comme Yo-Yo Ma, Goldfrapp, Black Sabbath, DJ Premiere et Metallica ont tous rendu hommage à Morricone à un moment ou à un autre. Il dépasse tous les autres compositeurs de films passés ou présents, à l’exception peut-être de Bernard Herrmann, en révolutionnant la façon dont nous comprenons la musique de film.
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Alors, prenez une bonne bouteille de rouge italien, et prêtez-moi vos yeux et vos oreilles pendant que je parcours les morceaux les plus mémorables et les plus influents de l’œuvre stupéfiante du Maestro.
« Pour quelques dollars de plus » (1965)
Il semble injuste d’inclure les trois partitions de la « Trilogie des dollars » dans cette liste, surtout si l’on considère que le thème-titre craquant de « Une poignée de dollars » éclipse tout le reste de manière si écrasante. S’il s’agissait d’une liste d' »Essentiels » et non de « Best Of », « Une Poignée de Dollars » y aurait probablement figuré, mais je suis d’avis que « Pour quelques Dollars de plus » est le meilleur représentant des méthodes révolutionnaires de Morricone pour les westerns de Leone. Pour ses guimbardes, ses riffs de guitare follement entraînants, ses sifflements iconiques, ses cloches, ses orgues d’église et la montre à gousset musicale d’El Indio (Gian Maria Volonte), qui « transfère votre pensée dans un endroit différent » et peint de façon si vivante la constitution psychologique du personnage, « Pour quelques dollars de plus » est aussi emblématique que le regard fixe de Clint Eastwood.
« The Battle Of Algiers » (1966)
Même si c’est la seule partition de cette liste dont le nom de quelqu’un d’autre figure à côté de celui de Morricone au générique, omettre « The Battle Of Algiers » serait plus que blasphématoire, tant elle est devenue archétypale. En raison d’obligations contractuelles, le réalisateur Gillo Pontecorvo a dû être crédité aux côtés de Morricone, et pour « Ali’s Theme », c’est Pontecorvo qui a trouvé les quatre notes qui, selon Morricone, « sont devenues l’essence du film ». Mais c’est le maestro lui-même qui les a arrangées dans la partition. Avec tout le respect dû à Pontecorvo, qui a réalisé un chef-d’œuvre, il a travaillé sous les auspices d’un maître arrangeur, dont les permutations de tambours militaires, de cors et de pianos allument la flamme éternelle d’indépendance révolutionnaire du film.
« Le bon, la brute et le truand » (1966)
Aaah-eee-aaah-eee-Ahhhh. Pratiquement le jingle d’anniversaire de Morricone, c’est la chanson thème de l’OST tout à fait, bombastiquement subversive pour « The Good, The Bad, And The Ugly » de Leone. Les deux premiers opus de la trilogie « Dollars » ont ouvert la voie à ce nouveau son, mais je ne peux qu’imaginer (et bouillonner d’une éternelle jalousie) ce que l’écoute des rythmes galopants, des harmonicas, des trompettes et de « Ecstasy of Gold » – si un laboratoire existait pour ce genre de choses, les scientifiques prouveraient qu’il s’agit de l’un des meilleurs morceaux de musique de film jamais composés – devait donner à de nouvelles oreilles à la fin des années 60. Une variation de « OMFG comment quelque chose peut sonner aussi cool ? » probablement. Morricone a suivi son cœur d’avant-garde et a utilisé des sons réels « pour donner une sorte de nostalgie que le film devait transmettre ». Dans le cas de « The Good, The Bad, And The Ugly », il s’agissait principalement de sons d’animaux, à savoir ce qui est devenu connu sous le nom de hurlement du coyote – le genre western n’a officiellement plus jamais été le même.
« Navajo Joe » (1966)
Quoi, vous pensiez que Morricone ne laissait le meilleur de ses partitions de western qu’à Sergio Leone ? Per favore. Il a déversé son génie unique sur la table de mixage d’un autre Sergio, en l’occurrence Corbucci, et c’est peut-être son pseudonyme « Leo Nichols » qui a libéré la bête qui rôde autour des sons sauvages de « Navajo Joe ». Des touches accrocheuses, un goût pour l’avant-garde folle, des montées émotionnelles culminant dans une démence qui anticipe sa propension à l’horreur (« A Silhouette Of Doom ») ; les arrangements avec les chants humains mélodieux de « Navajo Joe, Navajo Joeee » – comme l’hymne du titre, entendu une fois pour toutes – sont parmi les morceaux les plus inventifs du Maestro dans le genre. Encore une fois, nous pouvons remercier Quentin Tarantino d’avoir rappelé au grand public le brio de cette bande originale, car il en a réutilisé une partie pour « Kill Bill », mais vous feriez bien de chercher l’original.
« Il était une fois dans l’Ouest » (1968)
Dans l’une de ses années les plus prolifiques, Morricone a poursuivi son partenariat avec Sergio Leone et a composé ce qui, à de nombreuses oreilles, est la plus magnifique musique entendue dans un film de western. La chanteuse italienne Edda Dell’Orso travaillera avec Morricone sur de nombreux projets, bien dans sa phase giallo, mais sa voix sonnera aussi angélique que dans « Once Upon A Time In The West », accompagnée par les cordes sensuelles de Morricone. L’album s’est vendu à plus de 10 millions d’exemplaires dans le monde, et quand on écoute « The Man With The Harmonica » pour la 1000e fois, la seule question qui reste est : comment se fait-il qu’il se soit si peu vendu ? Les leitmotivs décrivaient les quatre personnages principaux de manière inédite, souvent répétée mais jamais améliorée, ce qui a dû fonctionner doublement, car Leone a joué la musique de Morricone sur le plateau pour mettre les acteurs dans l’ambiance. L’un des plus grands exemples de western opératique, « Il était une fois dans l’Ouest » est fermement situé dans le plus haut des échelons quand il s’agit d’une union cinématographique de l’image et de la partition.
« Escalation » (1968)
C’est l’un de ces cas dans la longue histoire de Morricone, qui est un bourreau de travail, où il est acceptable de jeter le bébé tant que vous laissez l’eau du bain. En d’autres termes, la comédie noire italienne « Escalation » de Roberto Faenza n’est pas très bonne, mais Morricone fait feu de tout bois à cette époque, débitant une autre partition inoubliable pleine de pure joie musicale. Parmi les morceaux les plus marquants, citons le funky « Dias Irae Psichedelico » (psychédélique, c’est bien cela) et son génial moment de silence, ainsi que toutes les variations de « Funerale Nero », où Morricone puise dans ses racines jazz avec des trompettes qui vous feront danser. Les concoctions rêveuses sonnent comme si tout l’orchestre trippait sur le LSD, tandis que la funkité rappelle aux auditeurs à quel point le filet musical de Morricone était large.
« Come Play With Me » (1968)
Plus connu sous le nom de « Gracie Zia », le premier long métrage de Salvatorre Samperi est aujourd’hui quasiment oublié. Ses vestiges positifs sont surtout emblématiques dans la bande-son ridiculement amusante de Morricone, qui démarre avec le « Guerra E Pace, Pollo E Brace » et la combinaison de percussions rythmées avec ce qui ressemble à un chœur entier d’enfants. « Infliger du plaisir » faisait partie du langage marketing du film – l’histoire traite d’une relation incestueuse entre une tante et son neveu – qui décrit parfaitement le pot-pourri principal de Morricone, semblable à une antienne. Et attendez de vous délecter de « Shake Introspettivo » ; avec son synthétiseur en forme de serpent, votre bouton de répétition va être abusé comme jamais auparavant. » Come Play With Me » est également une fantastique introduction précoce au côté giallo de Morricone, notamment avec son utilisation de berceuses inquiétantes.
« Le Mercenaire » (1968)
Le deuxième western non-Sergio Leone qu’il faut mentionner est un autre film de Sergio Corbucci, et la tâche de choisir entre celui-ci et « Le Grand Silence », l’autre western de Corbucci sorti la même année, m’a tenu éveillé quelques nuits. Après quelques écoutes complètes, j’ai opté pour « The Mercenary », principalement parce que son sifflement caractéristique est le meilleur sifflement qui soit. Avec l’aide de son collaborateur de longue date Bruno Nicolai, Morricone a transformé le thème de « Il Mercenario » – en particulier la variation sonore de « L’Arena » que Tarantino a réutilisée – en l’une de ses plus grandes compositions de western. Essayez simplement d’écouter cette guitare romantiquement mélancolique dans « Liberta » sans avoir la chair de poule.
« Le Clan sicilien » (1969)
Avant « Il était une fois en Amérique » et « Les Incorruptibles », Morricone a imprimé son penchant ingénieux pour les films policiers mélodieux dans « Le Clan sicilien » d’Henri Verneuil. Le film qui a inspiré l’un des morceaux les plus reconnaissables de Morricone, probablement en raison de son trio intimidant de garçons d’affiche suaves : Alain Delon, Jean Gabin et Lino Ventura. Les guimbardes et les sifflets marient cette série de crimes à l’ambiance d’un western de Morricone, mais avec seulement un jazz gracieux (« Snack Bar ») comme interlude, la musique inimitable du « Clan sicilien » s’épanouit dans des morceaux au rythme effréné comme « Tema Per Le Gofi » et, bien sûr, l’ostinato principal qui dégouline de nostalgie sensuelle et de fraîcheur électrique. Impossible de ne pas fredonner pendant des heures après l’avoir écouté.
« Burn ! » (1969)
Que vous le connaissiez par son nom italien, « Queimada », ou par son titre anglais merveilleusement parlant, vous savez que ce que ce film de Gillo Pontecorvo a en plus de l’une des plus incroyables performances de Marlon Brando, c’est la bande-son la plus émotionnellement entraînante d’Ennio Morricone. Le chant d’ouverture « Abolisson, abolisson ! » évoque l’esprit libre révolutionnaire que Morricone avait le don incroyable de traduire en musique – plus il est fort, plus vos poils se dressent avec emphase. Comme pour presque tout ce qu’il a dirigé à cette époque, Morricone a capturé l’essence d’un film en notes, harmonies et arrangements. Son thème ‘Jose Dolores’ est l’un des meilleurs exemples d’accords simples conduits en quelque chose de totalement profond.
« L’oiseau au plumage de cristal » (1970)
Au début des années 70, les écrans de cinéma italiens ont commencé à saigner l’horreur giallo, et qui était là pour injecter l’épouvante dans l’imagination des gens de manière plus menaçante que la collection de poupées en porcelaine de votre voisin effrayant ? Seul le compositeur de films italien le plus omniprésent, l’homme qui, à cette époque, travaillait à un rythme stupéfiant de 12 à 13 partitions par an. La première des contributions inoubliables de Morricone au genre a été réalisée pour le premier film de Dario Argento (et l’un de ses meilleurs), « L’oiseau au plumage de cristal ». Il est plus probable qu’improbable que Morricone se soit inspiré de la composition de la berceuse de Krzysztof Komeda dans « Rosemary’s Baby » lorsqu’il a tourné sa propre comptine la-la-la sinistrement sublime pour Argento, poivrée de trompettes et de xylophones paranoïaques, cristallisant la sensation qu’une personne aux intentions maléfiques se tient juste derrière vous.
« Enquête d’un citoyen au-dessus de tout soupçon » (1970)
Tricky, lisse, légèrement perverse et éternellement au-dessus de tout soupçon, la partition de Morricone pour la satire oscarisée d’Elio Petri est l’une de ses mélodies les plus contagieuses. « Je devais écrire une sorte de musique pour le grotesque avec une touche folklorique « , explique Morricone dans ce film Criterion, et ses combinaisons de mandoline et de guimbarde avec des instruments orchestraux typiques n’ont pas leur pareil pour insuffler un sentiment de plaisir diabolique. Toujours l’artiste d’avant-garde expérimentateur qu’il était durant ce premier sommet de sa carrière, la créativité de Morricone avec les sons de synthétiseurs et son oreille surnaturelle pour tailler des accroches musicales font de « Investigation Of A Citizen Above Suspicion » l’un de ses airs les plus populaires, entendu lors de ses concerts live.
« Maddalena » (1971)
Morricone servait des partitions comme une chauve-souris au début des années 70, si bien que souvent la majesté de sa musique était à des années-lumière du film réel pour lequel il l’avait composée. Cela n’a jamais été aussi évident qu’avec « Maddalena » de Jerzy Kawalerowicz, un film sans intérêt sur une femme qui cherche l’amour et le trouve chez un prêtre. Cela fait plus de 40 ans, alors il est normal d’admettre que la seule chose vraiment formidable qui ressort de cette affaire est la partition éloquente et symphonique de Morricone. Rejoignant Edda Dell’Orso pour la glorieuse ouverture de 9 minutes « Come Maddalena », et composant « Chi Mai » (qui sera plus tard popularisé encore plus par la BBC dans « The Life And Times Of David Lloyd George »), Morricone a ponctué ce qui est peut-être son unique année la plus prolifique avec sa signature de fusion de jazz, d’hymnes choraux et de polyphonies résonnantes sans fin.
« Lézard dans la peau d’une femme » (1971)
C’est la paranoïa qui est au centre des teintes baroques qui imprègnent la partition giallo de Morricone pour « Lézard dans la peau d’une femme », qui a été réédité l’an dernier par la maison de disques Death Waltz avec un design de couverture proprement stupéfiant. Ce cauchemar cinématographique de Lucio Fulci a inspiré l’une des plus grandes compositions de Morricone, une magnifique cacophonie de jazz, de funk, d’orgues d’église, de cornemuses, de sifflets et de la voix d’Edda Dell’Orso. Ce sont des éléments qui ont fait partie intégrante de tant de partitions de Morricone avant lui, mais grâce à son arrangement chirurgical, ils semblent inépuisablement frais et séduisants. Que ce soit par les flûtes de » La Lucertola « , la guitare surf de » Notte di giorno » ou la plongée rêveuse dans le terrier du lapin Fulci de » Spiriti « , voici une autre partition de Morricone qui vous fera penser que votre chaîne stéréo est possédée par un démon qui a vraiment, vraiment, de très bons goûts musicaux.
« Cold Eyes Of Fear » (1971)
Si vous êtes d’humeur à découvrir le côté le plus avant-gardiste de Morricone, celui qui fait passer les sons les plus dissonants d’un film de David Lynch pour du Buddy Holly, ne cherchez pas plus loin que « Cold Eyes Of Fear ». » Le thriller d’Enzo Castellari n’arrive pas à la cheville des autres giallos de l’époque, mais cette bande-son mercurielle et acidulée du maestro vous fera ramper sous la peau et vous fera marcher sur des charbons ardents pendant des heures, les accords de violoncelle et les trompettes revenant dans de nombreux cauchemars à venir. Sans conteste la plus délibérément disharmonieuse des partitions de Morricone, « Cold Eyes Of Fear » est un regard vers l’abîme cinématographique par le biais de sons et de carillons. C’est également l’un des points forts de la carrière du compositeur en matière d’arrangement giallo, rappelant fortement ses débuts en tant qu’improvisateur d’avant-garde au sein du Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza.
« Cat O’ Nine Tales » (1971)
En contraste direct avec « Cold Eyes Of Fear », les compositions de Morricone pour « Cat O’ Nine Tails,le deuxième film de Dario Argento, sont remplies d’harmonies magnifiques, presque soul, caractérisées par le thème principal de » Ninna Nanna « , où il utilise à nouveau les prouesses vocales de Dell’Orso pour obtenir des effets hautement hypnotiques. Vous reconnaîtrez probablement l’effrayant « Paranoia Prima », réapproprié par Tarantino dans « Kill Bill Vol. 1 », tandis que le reste de la partition est parsemé de notes de basse profondes au violoncelle et du genre de bruit de fond qui peint mille images sombres. À cette époque -et, non, ce n’est pas une faute de frappe, nous sommes toujours en 1971- il est clair que Morricone ne maîtrise et ne possède pas seulement le genre western, mais aussi les sons primordiaux des films slasher italiens.
« Duck, You Sucker ! » (1971)
Ce n’est pas comme s’il n’avait que des giallos en 71, pourtant. Morricone était à fond dans tout ce qu’il pouvait caser dans son emploi du temps ridiculement condensé. Cela incluait une autre partition virtuose pour un western de Sergio Leone, en l’occurrence « Duck, You Sucker ! » (alias « A Fistful of Dynamite »). Il pourrait bien s’agir de la plus capricieuse des partitions de Morricone pour Leone, avec son mélange inoubliable de comique et d’opéra qui fait des merveilles, comme on l’entend immédiatement dans le « Main Theme » du film. Les cordes qui prennent le relais à un moment donné vous entraînent dans le monde magique du cinéma, avant que la mezzo-soprano de Dell’Orso n’ajoute une couche inattendue. Le compositeur lui-même a décrit ce film dans une interview au Quietus, plus que tout autre, comme un excellent exemple de son « mélange de musique tonale et de musique d’avant-garde. »
« Qu’as-tu fait à Solange ? » (1972)
Ahhh, ce piano. Ajoutez une autre collaboration gagnante avec Edda Dell’Orso dans un film giallo qui vaut la peine d’une partition de Morricone. « What Have You Done To Solange ? » de Massimo Dallamano est imprégné de mystère, de frissons authentiques et d’une sorte de paranoïa plus tendue qu’une corde à piano. Depuis le thème d’ouverture, en passant par les milieux jazzy de « Una Tromba E La Sua Notte » et les sons de carrousel de « Fragile Organetto », la partition est un autre morceau de musique de film subtilement décousu et provocateur qui projettera instantanément des images du prêtre tueur de Fabio Testi et de l’Elizabeth de Cristina Galbo pour ceux qui ont vu le film, tout en invitant ceux qui ne l’ont pas vu à le rechercher. La partition de Morricone est ici si paralysante qu’elle ne permet même pas de rire du travail de doublage peu subtil.
« Revolver » (1973)
Voici un autre cas où la musique moins connue de Morricone a été réadaptée par Tarantino (cette fois dans « Inglourious Basterds ») et si vous vous dites : « Est-ce que vous venez d’inclure tout ce que QT a réadapté dans cette liste ? », la réponse est presque, mais pas parce que j’ai cherché à le faire. Le goût de Tarantino en matière de musique est formidable, indépendamment de ce que vous pensez de son travail ou de la taille de son ego, et en parcourant la vaste production de Morricone, les morceaux qui ressortent sont le plus souvent ceux qui ont retenu l’attention de Tarantino lui-même. Mais si « Revolver » de Sergio Sollima n’était constitué que des cordes émotionnelles de « Un Amico », il est fort probable qu’il n’aurait pas été retenu. La piste-titre de 12 minutes possède un dynamisme remarquable, avec ses cornes étagées, et » Quasi Vivaldi » est un agréable petit coup de pouce au célèbre compositeur.
« Spasmo » (1974)
Le dernier des giallos à figurer dans cette liste, » Spasmo » se distingue des autres par ses magnifiques mouvements » Bambole » et » Spasmo « . En 1974, Morricone avait manifestement maîtrisé les partitions de giallo, grâce à son travail avec Argento et Dallamano, mais il lui restait encore une partition époustouflante de sensation pour Umberto Lenzi. D’un romantisme et d’une émotion redoutables, les arrangements de mélodies de synthétiseurs, de bourdonnements humains et d’instruments à vent résonnent bien au-delà de l’appareil qui joue la musique (ou, en fait, de l’écran). Mêlant le fantastique au réel, comme le veut la tradition du giallo, le mélange du synthétique et du naturel dans la partition de Morricone occupe le devant de la scène dans « Spasmo », probablement l’une des plus belles partitions jamais composées pour un film d’horreur.
« Exorcist II : The Heretic » (1977)
De la beauté à la démence absolue, tout en jouant dans le même bac à sable. « L’Exorciste II » est un désastre absolu, une suite du pauvre par le grand John Boorman. Mais comme c’est le cas pour quelques autres films de cette liste, derrière un film terrible, il y a parfois une partition extraordinairement bonne, ce que Morricone, plus que tout autre compositeur de films, a prouvé à maintes reprises, avec des exemples brillants comme celui-ci. L’Exorciste II commence par une belle musique avec « Regan’s Theme », mais il ne faut pas longtemps pour que l’Exorciste II dégénère en folie avec les chants de « Pazuz » et les gémissements féminins de « Little Afro-Flemish Mass ». Une fois que vous arrivez au bonkers « Magic And Ecstasy », ça vous frappe : c’est le plus fou que nous ayons jamais entendu Morricone. Et c’est incroyable.
« Days Of Heaven » (1978)
Première des cinq nominations de Morricone aux Oscars (les cinq qu’il finira par perdre : quelle honte !), « Days Of Heaven » est l’une de ces collaborations réalisateur-compositeur de rêve. En travaillant pour la première fois avec Terrence Malick, Morricone a produit l’une de ses plus grandes partitions américaines, qui complète parfaitement les tendances thématiques profondes de Malick et la sublime cinématographie de Nestor Almendros. L’ouverture rêveuse « Aquarium » n’est pas une œuvre originale de Morricone, mais elle donne le ton à la chanson-titre emblématique, pleine de nostalgie, aux flûtes chantantes de « Happiness » et au balancement éolien des cordes de « Harvest ». Tout cela crée une composition qui relève de la magie de la musique de film. Et voici de quoi nourrir votre impatience : Morricone et Malick doivent refaire équipe pour le documentaire tant attendu du réalisateur, « Voyage Of Time ».
« The Thing » (1982)
Je sais que cette partition a été nominée pour un Razzie, ok ? Mais on s’en fout, parce que « The Thing » a, avec le temps et le bon sens, été reconnu comme l’une des pièces les plus sinistres d’Ennio Morricone. John Carpenter a décidé de ne pas composer la musique de ce film, mais de la confier au Maestro (en tant que fan des films giallo de l’Italien). Même si la légende veut que Carpenter n’ait pas été très satisfait du travail de Morricone et qu’il n’en ait utilisé que des morceaux dans le film final, la BO originale contient des morceaux choisis par Morricone lui-même. Débarrassez-vous du bruit de fond qui entoure la sortie du film et appréciez l’une des partitions les plus sombres de Morricone, qui évoque à merveille l’isolement hivernal du décor du film et le suspense fantasmagorique qui prévaut tout au long du film. Recommandé avec un casque sur les oreilles et les lumières éteintes.
« Once Upon A Time In America » (1984)
Ce qui a fini par être la dernière collaboration entre deux géants du cinéma du XXIe siècle et chers amis, « Once Upon A Time In America » se classe très haut parmi les plus grands succès de Morricone. C’est l’un des rares exemples où vous pouvez écouter n’importe quel morceau au hasard et vous reconnaîtrez instantanément la musique que Morricone a créée pour le chef-d’œuvre de Leone ; aussi épique sur le plan émotionnel que le film lui-même, c’est l’utilisation iconique de la flûte de pan principale (écoutez l’ouverture de « Childhood Memories » pour un exemple particulièrement perçant) et le « Deborah’s Theme » qui immortalisent la partition. Comme il l’a fait pour « West », Leone a joué la partition de Morricone sur le plateau de tournage afin de mettre les acteurs dans l’ambiance du film, ce qui fait en quelque sorte de Morricone un co-réalisateur. Une jolie pensée pour une expérience cinématographique à couper le souffle.
« The Mission » (1986)
« J’ai définitivement senti que j’aurais dû gagner pour ‘The Mission' », voilà ce qu’un Morricone peut-être acariâtre a déclaré au Guardian dans une interview de 2001. Et, bien sûr, il aurait dû gagner l’Oscar pour cette partition expressive et opératique. Le « Gabriel’s Oboe » est une découverte de deux minutes et quelques de ce que doit être le son du paradis, tandis que sa sensibilité à créer des thèmes de titre inoubliables se poursuit avec « The Mission », un arrangement musical aussi beau que celui qu’il a réalisé auparavant ou depuis. L’histoire raconte que, dans un rare moment de doute, Morricone a trouvé les images de Roland Joffe trop puissantes et qu’il pensait que sa musique ne leur rendrait pas justice. Vous voyez ? Même les génies peuvent se tromper.
« Les Incorruptibles » (1987)
Brian De Palma et Ennio Morricone s’entendaient à merveille, et collaborèrent à nouveau avec succès pour « Casualties Of War » en 1989, mais c’est la partition nommée aux Oscars pour « Les Incorruptibles » qui a porté les fruits les plus juteux de leur partenariat. Morricone a commencé à ralentir ses activités de compositeur de musique de film après 1985, se concentrant plutôt sur les concertos en direct, mais comme pour les autres bandes originales de cette liste, il était toujours dans son élément lorsqu’il s’agissait d’accompagner une image en mouvement. Le thème victorieux et remuant d' » Intouchables » sonne trop bien une fois que les trompettes crescendo ont retenti pour être jamais ringard, tandis que le thème d' » Al Capone » s’adapte comme un gant à la brillante performance comique de Robert De Niro.
« Cinema Paradiso » (1988)
Le nom de Morricone est surtout associé aux épopées policières, aux westerns et aux giallos, mais ce sont des partitions comme celle qu’il a composée et orchestrée pour « Cinema Paradiso » qui font prendre du recul et réaliser qu’en fait il n’y avait rien que ce Maestro ne puisse balancer avec sa baguette. Il s’agissait de sa première partition pour Giuseppe Tornatore, une collaboration qui allait donner lieu à quelques autres partitions inoubliables, et, à l’instar du film lui-même, tous les morceaux sont le reflet d’un amour sans bornes pour les pouvoirs de balayage du cinéma. Les permutations de cordes qui enveloppent l’auditeur d’une chaleur englobante, comme on l’entend dans le « Title Theme » et le « Love Theme », vous assommeront jusqu’au silence.
« Frantic » (1988)
Le « Frantic » de Roman Polanski est souvent oublié lorsqu’on énumère les plus grands films du réalisateur, mais il occupe une place spéciale dans mon cœur. Lorsque j’ai revu la partition de Morricone (malheureusement, la seule fois où les deux ont travaillé ensemble), le mystère et la paranoïa vécus par le médecin embobiné d’Harrison Ford m’ont immédiatement rappelé. Il s’agit de l’une des œuvres les plus subtiles du maestro : c’est une musique d’ambiance experte, avec une utilisation absolument incroyable de sons d’accordéon qui entrent et sortent, noyés dans les cordes aiguës. C’est une fusion des sensibilités giallo qu’il avait maîtrisées dans les années 70 avec le travail orchestral plus classique qu’il faisait à l’époque, et le résultat est une autre partition merveilleuse dans laquelle on peut se perdre complètement.
« Legend Of 1900 » (1998)
Au moment de l’arrivée des années 90, Morricone était loin d’être aussi prolifique que par le passé, et s’il faisait toujours passer la majorité des compositeurs d’Hollywood pour des enfants tapant sur des casseroles, il est clair que l’apogée de sa carrière était derrière lui (probablement atteint, si on devait le retracer, dans « Once Upon A Time In America »). Cela dit, il a quand même été inspiré pour produire de magnifiques morceaux de musique, plus classiques que jamais, pour son bon ami Giuseppe Tornatore. Pour la « Légende de 1900 », son deuxième Golden Globe, il a ébloui avec des compositions passionnées au piano et des cordes tristes qui ont magnifiquement capturé l’esprit du prodige musical en son centre.
« Malena » (2000)
Sa cinquième et dernière nomination aux Oscars avant que les électeurs ne réalisent qu’un Oscar honorifique était le seul moyen de sauver la face, « Malena » est la plus grande œuvre que Morricone ait composée dans la partie automnale de sa carrière. Il a trouvé le moyen de décrire musicalement le pouvoir de séduction de Monica Bellucci, qui incarne une femme sensuelle dans une petite ville italienne reculée. Les montagnes russes émotionnelles que constitue le film – à la fois un récit sur le passage à l’âge adulte et un commentaire social sur l’intolérance des communautés étroites d’esprit – trouvent leur âme et leur essence dans la musique de Morricone. Le compositeur pioche dans son arsenal d’arrangements instrumentaux et crée quelque chose de jovial, d’inimitable et de sublime.
Comme cette liste a été arrachée à plus de 500 compositions de films, on peut facilement ajouter 30 autres partitions d’Ennio Morricone et quelque chose semblerait encore manquer. J’ai essayé de rendre justice à sa furieuse production, mais c’est avec un cœur incroyablement lourd que j’ai dû exclure certaines de ses œuvres des années 60 et 70, une période où il n’a pas fait grand-chose de mal. Parmi ces films, « Une poignée de dollars », « Slalom », « La mort chevauche un cheval » (autre joyau du western auquel Tarantino a emprunté), « L’armée des cinq », le décalé et loufoque « Danger : Diabolik », « Le grand silence » de Corbucci et « Les faucons et les moineaux » de Pier Paolo Pasolini se distinguent.
Dans les années 70, il y a « Violent City », « Two Mules For Sister Sara », « The Forbidden Photos Of A Lady Above Suspicion », « The Fifth Cord », « Vamos a Matar, Compañeros », « Working Class Goes To Heaven » et « Who Saw Her Die ? » qui ont tous manqué les entrées d’un cheveu de chat. Ses partitions de 1971 pour « Veruschka » et « Sacco e Vanzetti » sont populaires parmi les irréductibles, mais aussi bonnes soient-elles, j’ai trouvé que je ne pouvais les remplacer par aucune des autres. Avais-je tort ? À vous de me le dire !
Les années 80 et 90 de Morricone, bien qu’elles ne soient pas aussi prolifiques que les deux premières décennies, comptent tout de même « White Dog », « Red Sonja », « Casualties of War », « Bugsy » (la seule nomination aux Oscars qui ne figure pas dans la liste principale), « Hamlet », « Wolf » et « Lolita » parmi les choses qui ont été sérieusement considérées pour l’entrée principale.