Zseniális. Legenda. Címkék, amelyek gyakran elhasználódnak, ha szóba kerülnek. De míg 2015. november 10. a legtöbbek számára egy átlagos kedd lehet, a mai nap történetesen kiválóan alkalmas arra, hogy tisztelegjünk egy olyan művész előtt, aki joggal tarthat igényt a legendás státuszra. Ennio Morriconéról beszélek. más néven a Maestro, ahogyan őt ismerik, és ahogyan ebben a cikkben több mint egy tucatszor fogunk rá hivatkozni.
A zenei hangszerelés, a hangkeverés és az avantgárd kreativitás mestere ma tölti be élénk 87. életévét. Nem mutatja a lassulás jeleit – 2016-ra európai turnéidőpontokat jelölt ki, és Quentin Tarantino “The Hateful Eight” című filmjének várva várt első eredeti zenéje már a dobozban és a láthatáron van – Morricone több mint 500 filmes kreditje bizonyítja erős munkamorálját és a filmzenék iránti szenvedélyét. Ezért megkíséreltem azt a bolondos feladatot, hogy elmerüljek a diszkográfiájában, és kiválogassam 30 legjobb filmzenéjét.
Morricone még mindig Rómában él, a városban, ahol született és felnőtt, és híresen kevés szót beszél angolul. Ennél olaszabbat nem is lehetne mondani, de ahogy a mondás tartja, a zenéje egyetemes nyelv. Leginkább Sergio Leone westernjeihez kötik, de ahogy ez a lista remélhetőleg megmutatja, zenei skálája messze túlmutat Leone filmjein. “Ezek mind az én gyermekeim… minden filmzene, amit csináltam” – mondja gyakran, ami zenei műfajokon átívelő művészek sokaságára volt hatással: olyan előadók, mint Yo-Yo Ma, Goldfrapp, Black Sabbath, DJ Premiere és Metallica is tisztelegtek Morricone előtt valamikor. Minden más múltbeli vagy jelenlegi filmzeneszerzőt felülmúl, kivéve talán Bernard Herrmannt, abban, hogy forradalmasította a filmzene megértésének módját.”
Népszerű az IndieWire-en
Szóval, fogjatok egy jó üveg olasz vöröset, és kölcsönözzétek nekem a szemeteket és a fületeket, amikor végigveszem a Maestro elképesztő életművének legemlékezetesebb és legbefolyásosabb darabjait.
“For A Fistful of Dollars More” (1965)
A “Dollár-trilógia” mindhárom zenéjét szerepeltetni ezen a listán igazságtalannak tűnik, különösen, ha figyelembe vesszük, hogy az “Egy maréknyi dollár” ostorcsattogtató címadó témája minden mást olyan elsöprően háttérbe szorít. Ha ez egy “Essential” és nem egy “Best Of” lista lenne, akkor valószínűleg az “A Fistful Of Dollars” került volna fel helyette, de én úgy gondolom, hogy a “For Few Dollars More” jobban képviseli Morricone forradalmi módszereit Leone westernjeihez. A “For A Few Dollars More” a twangy zsidóharsogás, az őrülten fülbemászó gitárriffek, az ikonikus füttyszó, a harangzúgás, a templomi orgona és El Indio (Gian Maria Volonte) zenélő zsebórája miatt, amely “máshová viszi a gondolatokat”, és olyan élénken festi meg a karakter pszichológiai felépítését, olyan ikonikus, mint Clint Eastwood bámészkodása.
“Az algíri csata” (1966)
Noha ez az egyetlen olyan filmzene ezen a listán, amelynek a stáblistáján Morricone neve mellett valaki másé is szerepel, az “Algíri csata” kihagyása több mint blaszfémia lenne, köszönhetően annak, hogy mennyire archetipikussá vált. A szerződéses kötelezettségek miatt Gillo Pontecorvo rendezőt Morricone mellett kellett feltüntetni, és az “Ali’s Theme” esetében Pontecorvo volt az, aki kitalálta azt a négy hangot, amely Morricone véleménye szerint “a film lényegévé vált”. De maga a Maestro volt az, aki ezeket a zenébe illesztette. Minden tiszteletem Pontecorvoé, aki mesterművet rendezett, de egy mesterhangszerelő égisze alatt dolgozott, akinek a katonai dobok, kürtök és zongorák permutációi meggyújtják a kép forradalmi függetlenségének örök lángját.”
“The Good, The Bad, And The Ugly” (1966)
Aaah-eee-aaah-eee-eee-Ahhh. Gyakorlatilag Morricone születésnapi dallama, ez a Leone “The Good, The Bad, And The Ugly” című filmjének teljes szívvel, bombasztikusan szubverzív OST-jének főcímdala. A “Dollárok” trilógia első két darabja egyengette az utat ennek az új hangzásnak, de csak elképzelni tudom (és örök irigységtől forrongok), hogy a galoppozó ritmusokat, a harmonikákat, a trombitákat és az “Ecstasy of Gold”-ot – ha létezne labor az ilyesmire, a tudósok bizonyítani tudnák, hogy ez a valaha komponált egyik legjobb filmzene – milyen lehetett a 60-as évek végén friss füleknek hallgatni. Valószínűleg az “OMFG, hogy hangozhat valami ennyire istenverte menőnek?” valamilyen változata. Morricone követte avantgárd szívét, és valódi hangokat használt, “hogy egyfajta nosztalgiát adjon, amit a filmnek közvetítenie kellett”. A “The Good, The Bad, And The Ugly” esetében ezek főként állati hangok voltak, nevezetesen a prérifarkasüvöltésként ismertté vált hangok – a western műfaja hivatalosan soha többé nem volt a régi.
“Navajo Joe” (1966)
Mi, azt hitted, Morricone csak a legjobb westernzenéit hagyta Sergio Leone-ra? Per favore. Egyedülálló zsenialitását egy másik Sergio, jelen esetben Corbucci számára szórta szét a keverőpulton, és talán éppen a “Leo Nichols” álnévre keresztelt “Navajo Joe” vad hangjai körül bolyongó fenevadat szabadította el. Fülbemászó billentyűk, egy kis ízelítő az őrült avantgárdból, demenciában csúcsosodó érzelmi építkezések, amelyek előrevetítik a horrorra való hajlamát (“A Silhouette Of Doom”); a “Navajo Joe, Navajo Joeee” dallamos emberi énekeivel -mint az egyszer hallott, örökké emlékezetes címadó himnusz- ellátott feldolgozások a Maestro legötletesebb darabjai közé tartoznak a műfajban. Ismét Quentin Tarantinónak köszönhetjük, hogy emlékeztette a nagyközönséget ennek a soundtracknek a zsenialitására, mert a “Kill Bill” számára újrahasznosította egy részét, de jól tesszük, ha megkeressük az eredetit.
“Once Upon A Time In The West” (1968)
Morricone egyik legtermékenyebb évében folytatta együttműködését Sergio Leone-val, és sokak szerint a westernfilmekben hallható legcsodálatosabb zenét komponálta. Edda Dell’Orso olasz énekesnő a későbbiekben számos projektben dolgozott együtt Morriconéval, még a giallo fázisában is, de a hangja olyan angyali hangon szólalt meg, mint a “Once Upon A Time In The West”-ben, Morricone érzéki vonósok kíséretében. Az album több mint 10 millió példányban kelt el világszerte, és amikor a “The Man With The Harmonica”-t 1000. alkalommal hallod, már csak az a kérdés marad: hogy lehet, hogy ilyen keveset adtak el belőle? A vezérmotívumok a négy főszereplőt írták le hirdetés nélküli, sokszor ismételt, de soha jobbat nem mutató módon, ami duplán erős lehetett, mert Leone Morricone zenéjét játszotta a forgatáson, hogy a színészeket ráhangolja a hangulatra. A Volt egyszer egy Vadnyugat egyik legnagyobb példája, a “Volt egyszer egy Vadnyugat” szilárdan a legmagasabb ranglétrán helyezkedik el, ha a kép és a filmzene filmes egyesüléséről van szó.
“Eszkaláció” (1968)
Ez egyike azoknak az eseteknek Morricone hosszú, munkamániás történetében, amikor nem baj, ha kidobjuk a gyereket, amíg a fürdővizet meghagyjuk. Vagyis Roberto Faenza olasz sötét komédiája, az “Escalation” nem túl jó, de Morricone ekkoriban minden hengeren tüzelt, és egy újabb felejthetetlen, tiszta zenei élménnyel teli filmzenét készített. Kiemelkedik a funky “Dias Irae Psichedelico” (pszichedelikus) és a csend zseniális pillanata, valamint a “Funerale Nero” összes variációja, amelyben Morricone a jazz gyökereihez nyúl a táncos lázat kiváltó trombitákkal. Az álomszerű főzetek úgy hangzanak, mintha az egész zenekar LSD-n bukdácsolna, a funkosság pedig arra emlékezteti a hallgatót, hogy Morricone zenei hálója milyen széles volt.
“Come Play With Me” (1968)
A “Gracie Zia” néven ismertebb Salvatorre Samperi debütáló filmje mára szinte teljesen feledésbe merült. Pozitív maradványai leginkább Morricone nevetségesen mókásan vidám filmzenéjében jelképesek, amely a “Guerra E Pace, Pollo E Brace” és a ritmikus ütőhangszerek kombinációjával indul, ami úgy hangzik, mint egy egész gyerekkórus. Az “Inflicting pleasure” a film marketingnyelvezetének része volt -a történet egy nagynéni és az unokaöccse közötti vérfertőző kapcsolatról szól-, ami tökéletesen leírja Morricone fő antiphon-szerű medley-jét. És várd ki, amíg a “Shake Introspettivo”-n lakmározol a füleddel; a kígyószerű szintetizátorral a repeat gombodat úgy kihasználják majd, mint még soha. A “Come Play With Me” szintén egy fantasztikus korai bevezető Morricone giallo oldalához, különösen a nyugtalanító altatódalok használatával.
“A zsoldos” (1968)
A második nem Sergio Leone western, amit meg kell említeni, egy másik Sergio Corbucci-film, és a feladat, hogy válasszak e film és “A nagy csend”, Corbucci másik, ugyanabban az évben megjelent westernje között, néhány éjszakán át nem tudtam aludni. Néhány teljes meghallgatás után a “Zsoldos” mellett döntöttem, főleg azért, mert a film jellegzetes sípja a valaha volt legjobb síp. Régi munkatársa, Bruno Nicolai segítségével Morricone az “Il Mercenario” témáját – különösen a hangzatos “L’Arena” variációt, amelyet Tarantino újrahasznosított – az egyik legnagyobb westernkompozíciójává tette. Próbáljuk csak meghallgatni a “Liberta” romantikusan melankolikus gitárját anélkül, hogy ne lenne libabőrös.
“A szicíliai klán” (1969)
A “Volt egyszer egy Amerika” és az “Érinthetetlenek” előtt Morricone Henri Verneuil “A szicíliai klán” című filmjében nyomta rá bélyegét a dallamos bűnügyi filmek iránti zseniális hajlamára. A film, amely Morricone egyik legfelismerhetőbb darabját ihlette, valószínűleg a megfélemlítő triójú, nyájas plakátfiúkról: Alain Delon, Jean Gabin és Lino Ventura. A zsidóharsogások és füttyök Morricone egyik westernjének hangulatával házasítják ezt a bűnügyi kalandfilmet, de csak némi kecses jazz (“Snack Bar”) működik közjátékként, a “Szicíliai klán” utánozhatatlan zenéje olyan nyughatatlan tempójú darabokban virágzik, mint a “Tema Per Le Gofi”, és persze a fő ostinato, amely csöpög az érzéki nosztalgiától és az elektromos hűvösségtől. Lehetetlen nem dúdolni órákig a hallgatása után.
“Burn!” (1969)
Függetlenül attól, hogy olasz nevén, “Queimada”, vagy a csodálatosan lényegre törő angol címen ismered, tudod, hogy ami ebben a Gillo Pontecorvo-filmben az egyik legelképesztőbb Marlon Brando-előadáson kívül van, az Ennio Morricone legérzelmesebb, legmegindítóbb filmzenéje. Az “Abolisson, abolisson!” nyitó éneke a forradalmi szabad szellemet juttatja eszünkbe, amit Morricone hihetetlenül jól tudott zenébe átültetni – minél hangosabban szól, annál hangsúlyosabban áll fel a hajunk. Mint szinte minden, amit ebben az időszakban vezényelt, Morricone a mozgókép lényegét ragadta meg hangjegyekben, harmóniákban és hangszerelésben. A “Jose Dolores” témája az egyik legjobb példa arra, hogy egyszerű akkordokat vezényel valami egészen mélyrehatóvá.
“A kristályszilvás madár” (1970)
A ’70-es évek elején az olasz mozivásznakon elkezdett vérezni a giallo horror, és ki volt, aki fenyegetőbb módon oltotta volna be a kísértetet az emberek képzeletébe, mint a hátborzongató szomszéd porcelánbaba-gyűjteménye? Csak a mindenütt jelenlévő olasz filmzeneszerző, aki ebben az időben elképesztő tempóban, évi 12-13 filmzenét készített. Morricone első felejthetetlen hozzájárulása a műfajhoz Dario Argento debütáló (és egyik legjobb) játékfilmjéhez, “A kristályszilvás madárhoz” készült. Morricone-t valószínűleg Krzysztof Komeda altatódal-kompozíciója ihlette a “Rosemary’s Baby”-ben, amikor Argento számára elkészítette saját hátborzongatóan magasztos la-la-la gyermekdalát, amelyet paranoiás trombiták és xilofonok fűszereznek, kikristályosítva azt az érzést, hogy valaki gonosz szándékkal áll mögöttünk.
“Egy gyanú felett álló polgár nyomozása” (1970)
Trükkös, ravasz, kissé perverz és örökké a gyanú felett lábujjhegyen járó Morricone zenéje Elio Petri Oscar-díjas szatírájához az egyik legfertőzőbb dallama. “Egyfajta groteszk zenét kellett írnom a groteszkhez, népies hangulattal” – magyarázza Morricone ebben a Criterion-játékfilmben, és a mandolin és a zsidóhárfa tipikus zenekari hangszerekkel való kombinációja felülmúlhatatlan az ördögi móka érzetének keltésében. Morricone mindig is kísérletező avantgárd művész volt karrierje e korai csúcspontján, a szintetizátorhangokkal való kreativitása és a zenei horgok kitalálásához való természetfeletti érzéke miatt a “Investigation Of A Citizen Above Suspicion” az egyik legnépszerűbb dallama, amelyet gyakran hallhatunk élő koncertjein.
“Maddalena” (1971)
Morricone a ’70-es évek elején úgy ontotta magából a filmzenéket, mint a denevér a pokolból, így zenéjének fenségessége gyakran fényévekkel megelőzte a filmet, amelyhez komponálta. Ez soha nem volt nyilvánvalóbb, mint Jerzy Kawalerowicz “Maddalena” című filmjénél, amely egy eldobható film egy szerelmet kereső nőről, aki egy papban találja meg a szerelmet. Több mint 40 év telt el, így nyugodtan bevallhatjuk, hogy az egyetlen igazán nagyszerű dolog, ami az egész ügyből kijött, Morricone ékesszóló és szimfonikus zenéje. Morricone újra összeállt Edda Dell’Orsóval a pompás 9 perces nyitó “Come Maddalena” című dalhoz, és megkomponálta a “Chi Mai”-t (amelyet később a BBC még tovább népszerűsített a “The Life And Times Of David Lloyd George” című filmben), és a jazz, a kórushimnuszok és a végtelenül rezonáns polifóniák jellegzetes fúziójával tarkította a talán legjelentősebb évét.
“Lizard In A Woman’s Skin” (1971)
A paranoia központi szerepet játszik Morricone “Lizard In A Woman’s Skin” című giallo-zenéjének barokkos árnyalataiban, amelyet tavaly a Death Waltz lemezkiadó adott ki újra, megfelelően lenyűgöző borítóval. Ez a Lucio Fulci-féle filmes rémálom ihlette Morricone egyik legnagyszerűbb kompozícióját; a jazz, a funk, a templomi orgonák, a fúvósípok, a sípok és Edda Dell’Orso hangjának gyönyörű kakofóniája. Ezek olyan elemek, amelyek már oly sok Morricone-zene szerves részét képezték előtte, de Morricone sebészi áthangszerelésével mégis kimeríthetetlenül frissnek és csábítónak hatnak. Legyen szó a “La Lucertola” fuvoláiról, a “Notte di giorno” szörf-gitárjáról vagy a “Spiriti” Fulci-nyúlüregbe való álmodozásáról, ez egy újabb olyan Morricone-zene, amelytől azt fogod hinni, hogy a sztereódat megszállta valami démon, akinek nagyon-nagyon jó ízlése van a zenében.
“Cold Eyes Of Fear” (1971)
Ha Morricone legavantgárdabb oldalához van kedved, ahhoz, amitől egy David Lynch-film legdiszonánsabb hangjai Buddy Hollynak tűnnek, akkor ne keress tovább a “Cold Eyes Of Fear”-nél.” Enzo Castellari thrillere gyengén tartja magát korának többi giallójához képest, de a Maestro higanyos, acid-jazzes hangsávja a bőröd alá kúszik, és órákon át tűkön ülve járat, a csellóakkordok és a trombiták pedig sok-sok rémálomban visszatérnek majd. A “Cold Eyes Of Fear” Morricone zenéi közül kétségkívül a legcélravezetőbb diszharmonikus, a hangok és harangjátékok útján a filmes szakadékba mered. Ez egyben a zeneszerző karrierjének egyik csúcspontja a giallo hangszerelésben, amely erősen emlékeztet a Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza avantgárd improvizátorként töltött korai napjaira.
“Cat O’ Nine Tales” (1971)
A “Cold Eyes Of Fear”-rel szöges ellentétben Morricone kompozíciói a “Cat O’ Nine Tails,” Dario Argento második filmjéhez, tele van gyönyörű, szinte lélekkel teli harmóniákkal, amelyek jellemzője a “Ninna Nanna” főtéma, ahol ismét Dell’Orso vokális képességeit használja fel rendkívül hipnotikus hatásra. A félelemkeltő “Paranoia Prima” valószínűleg felismerhető, mivel Tarantino a “Kill Bill Vol. 1”-ben újra kisajátította, míg a score többi része mély basszus csellóhangokkal és olyan háttérzajokkal van tele, amelyek ezernyi sötét képet festenek. Ekkorra -és nem, ez nem elírás, még mindig 1971-ben járunk- világossá vált, hogy Morricone nemcsak a western műfaját, hanem az olasz slasherfilmek ősi hangjait is uralja és birtokolja.
“Duck, You Sucker!” (1971)
Nem mintha ’71-ben csak a giallókról szólt volna. Morricone mindenben benne volt, ami csak belefért a nevetségesen sűrített időbeosztásába. Ebbe beletartozott egy újabb virtuóz filmzene egy Sergio Leone-westernhez, ez esetben a “Duck, You Sucker!”. (más néven “Egy maréknyi dinamit”). Morricone Leone zenéi közül talán ez a legszeszélyesebb, a komikum és az operett felejthetetlen keveredése csodákat művel, amint az a film “Main Theme”-jében azonnal hallható. Az ájult vonósok, amelyek egy ponton átveszik az irányítást, elrepítenek a filmek varázslatos világába, mielőtt Dell’Orso operai mezzoszopránja egy váratlan réteget ad hozzá. Maga a zeneszerző egy Quietus-interjúban ezt a filmet mindenekelőtt úgy jellemezte, mint “a tonális zene és az avantgárd zene keveredésének nagyszerű példáját.”
“What Have You Done To Solange?”. (1972)
Ahhh, az a zongora. Tegyünk hozzá egy újabb győztes együttműködést Edda Dell’Orsóval egy olyan giallo filmben, amely felér egy Morricone-muzsikával. Massimo Dallamano “What Have You Done To Solange?” című filmjét átitatja a titokzatosság, a valódi borzongás és a zongorahúznál is feszesebb paranoia. A nyitótémától kezdve az “Una Tromba E La Sua Notte” jazzes miliőjén át a “Fragile Organetto” körhintahangjaiig a filmzene egy újabb finoman széttartó és provokatív filmzene, amely azonnal Fabio Testi gyilkos papjának és Cristina Galbo Elizabeth-jének képét vetíti előre azok számára, akik látták a filmet, miközben azokat, akik még nem, arra inti, hogy keressék meg. Morricone filmzenéje itt olyan bénítóan jó, hogy még azt sem engedi, hogy nevessünk az ízléstelen szinkronizáláson.
“Revolver” (1973)
Ez egy újabb eset, amikor Morricone kevésbé ismert zenéjét Tarantino újrahasznosította (ezúttal az “Inglourious Basterds”-ben), és ha arra gondolsz, hogy “Csak nem minden QT által újrahasznosított zenét vettél fel erre a listára?”, a válasz majdnem az, de nem azért, mert ezt tűztem ki célul. Tarantino zenei ízlése félelmetes, függetlenül attól, hogy mit gondolsz a munkásságáról vagy az egója nagyságáról, és Morricone hatalmas termését végigböngészve, a legtöbbször az tűnik fel, ami magának Tarantinónak is feltűnt. Bár ha Sergio Sollima “Revolver”-je csak az “Un Amico” érzelmileg felrobbanó vonószámairól szólna, jó eséllyel nem került volna be a válogatásba. A 12 perces címadó szám figyelemre méltó lendülettel rendelkezik, rétegzett kürtjeivel, a “Quasi Vivaldi” pedig egy kellemes kis lökés a híres zeneszerzőnek.
“Spasmo” (1974)
A listán szereplő giallók közül az utolsó, “Spasmo” a gyönyörű “Bambole” és “Spasmo” tételekkel emelkedik ki a többi közül. 1974-re Morricone nyilvánvalóan elsajátította a giallo filmzenéket, köszönhetően az Argentóval és Dallamanóval végzett munkájának, de még mindig maradt benne egy észbontóan szenzációs filmzene Umberto Lenzi számára. Rettenetesen romantikus és érzelmes, a szintetizátoros dallamok, emberi dúdolások és fúvós hangszerek hangszerelései messze túlvisszhangzanak a zenét (vagy éppenséggel a képernyőt) lejátszó eszközön. A fantasztikus és a valóságos keveredése, ahogyan az a giallo hagyománya, a szintetizált és a természetes keveredése Morricone zenéjében a “Spasmo”-ban kerül előtérbe, amely valószínűleg az egyik legszebb filmzene, amit valaha horrorfilmhez komponáltak.
“Ördögűző II: Az eretnek” (1977)
A gyönyörűtől a teljesen őrültig, miközben ugyanabban a homokozóban játszik. Az “Ördögűző II” egy felhőtlen katasztrófa film, az egyébként nagyszerű John Boorman szegény ember folytatása. De mint a listán szereplő néhány más film esetében is, egy borzalmas film mögött néha egy borzasztóan jó filmzene áll, amit Morricone, minden más filmzeneszerzőnél jobban, újra és újra bebizonyított, ilyen ragyogó példákkal, mint ez. Szépen és szépen indul a “Regan’s Theme”, de nem telik el sok idő, mire az “Exorcist II” őrületbe torkollik a “Pazuz”‘ kántálásával és a “Little Afro-Flemish Mass” női jajgatásával. Amint eljutunk az őrült “Magic And Ecstasy”-hoz, rádöbbenünk: ez a legőrültebb, amit valaha is hallottunk Morricone-tól. És ez elképesztő.
“Days Of Heaven” (1978)
Morricone öt Oscar-jelölése közül az első (mind az ötöt végül elveszíti: szégyen!), a “Days Of Heaven” egyike azoknak az álomrendező-zeneszerző együttműködéseknek. Morricone először dolgozott együtt Terrence Malickkal, és az egyik legjobb amerikai zenéjét hozta létre, amely tökéletesen kiegészíti Malick mélyen átélt tematikus tendenciáit és Nestor Almendros fenséges operatőri munkáját. Az álmodozó nyitó “Aquarium” nem Morricone eredetije, de gyönyörűen adja meg az alaphangot a nosztalgikus vágyakozással teli, ikonikus címadó dalnak, a “Happiness” dallamos fuvoláinak és a “Harvest” vonósok szélszerű ringatásának. Mindezek olyan kompozíciót alkotnak, amely a filmzenék varázslatos anyagából áll. És itt van valami, ami táplálja a várakozásodat: Morricone és Malick újra összeállnak a rendező régóta várt “Voyage Of Time” című dokumentumfilmjéhez.
“The Thing” (1982)
Tudom, hogy ezt a zenét Razzie-ra jelölték, oké? De csessze meg, mert “A dolog” az idő és a józan ész révén Ennio Morricone egyik leghátborzongatóbb darabjaként vált elismertté. John Carpenter híresen úgy döntött, hogy nem ő fogja megzenésíteni ezt a filmet, helyette a Maestrót bízta meg a munkával (nyilván az olasz giallo munkásságának rajongójaként). Bár a legenda szerint Carpenter nem volt túlságosan elégedett Morricone munkájával, és a végső filmben csak részleteket használt fel belőle, az eredetileg kiadott OST-n olyan számok szerepelnek, amelyeket maga Morricone választott ki. Tisztítsa meg elméjét a megjelenést övező háttérzajoktól, és élvezze Morricone egyik leghangulatosabb zenéjét, amely gyönyörűen idézi fel a film helyszínének téli elszigeteltségét és az egész filmben uralkodó fantasztikumos feszültséget. Fejhallgatóval és kikapcsolt fényekkel ajánlott.
“Volt egyszer egy Amerika” (1984)
A “Volt egyszer egy Amerika”, amely végül a 21. századi filmművészet két óriása és kedves barátja utolsó együttműködésének bizonyult, igen magasan szerepel Morricone legnagyobb slágerei között. Azon kevés példák egyike, ahol véletlenszerűen bármelyik zeneszámra rátekerhetsz, és azonnal felismerhető lesz, hogy Morricone Leone remekművéhez készített zenét; amilyen érzelmileg epikus, mint maga a film, a fő pánsíp ikonikus használata (hallgasd meg a “Childhood Memories” kezdetét egy különösen átható példaért) és a “Deborah’s Theme” az, ami halhatatlanná teszi a zenét. Akárcsak a “Nyugat” esetében, Leone is Morricone zenéjét játszotta a forgatáson, hogy a színészek ráhangolódjanak a film hangulatára, ami Morricone-t mintegy társrendezővé teszi. Szép gondolat egy lélegzetelállító filmes élményhez.
“A küldetés” (1986)
“Határozottan úgy éreztem, hogy a “Küldetés”-ért nekem kellett volna nyernem” – mondta egy 2001-es interjúban a The Guardian című lapnak a valószínűleg mogorva Morricone. És persze, hogy meg kellett volna nyernie az Oscar-díjat ezért a kifejező és operai zenéért. A “Gabriel’s Oboe” egy 2 és fél perces felfedezés arról, hogyan hangozhat a mennyország, míg az örökké emlékezetes címadó témák megalkotására való érzékenysége a “The Mission”-nel folytatódik, amely olyan szép zenei feldolgozás, amilyet sem előtte, sem azóta nem készített. A történet szerint egy ritka önbizalomhiányos pillanatában Morricone túl erősnek találta Roland Joffe képeit, és úgy gondolta, hogy a zenéje nem tudna igazságot szolgáltatni nekik. Látod? Még a zsenik is tévedhetnek.
“Az érinthetetlenek” (1987)
Brian De Palma és Ennio Morricone remekül kijöttek egymással, és 1989-ben a “Casualties Of War” című filmhez ismét sikeresen együttműködtek, de a “The Untouchables” Oscar-jelölt zenéje volt az, ami a legzamatosabb gyümölcsöt hozta a partnerségükből. Morricone 1985 után kezdett visszavenni a filmzenékből, és inkább az élő koncertekre koncentrált, de ahogy a listán szereplő többi filmzene esetében is, még mindig nagyon elemében volt, amikor mozgóképhez kellett kísérőzenét adnia. Az “Érinthetetlenek” felkavaróan győzedelmes témája túl jól hangzik, amint a crescendo trombiták felcsendülnek, hogy valaha is giccses legyen, míg az “Al Capone” témája úgy illik Robert De Niro briliáns komikus alakításához, mint egy kesztyű.
“Cinema Paradiso” (1988)
Morricone nevéhez leginkább krimieposzok, westernek és giallók fűződnek, de az olyan zenék, mint amilyeneket a “Cinema Paradiso”-hoz komponált és hangszerelt, arra késztetik az embert, hogy egy lépést hátralépjen, és rájöjjön, hogy valójában nincs semmi, amihez ez a Maestro ne tudná megpendíteni a pálcáját. Ez volt az első zenéje Giuseppe Tornatore számára, egy olyan együttműködés, amely még néhány felejthetetlen zenét eredményezett, és akárcsak maga a film, minden darabja a mozi elsöprő ereje iránti feneketlen szeretetét tükrözi. A vonós permutációk, amelyek átölelő melegséggel burkolják be a hallgatót, ahogyan a “Title Theme”-ben és a “Love Theme”-ben hallható, elkábítják az embert.
“Frantic” (1988)
Roman Polanski “Frantic”-ját gyakran elfelejtik, amikor a rendező legnagyobb filmjeit sorolják, de az én szívemben különleges helyet foglal el. Amikor újra meghallgattam Morricone zenéjét (sajnos ez volt az egyetlen alkalom, amikor ketten együtt dolgoztak), azonnal eszembe jutott a titokzatosság és a paranoia, amit Harrison Ford megzavart orvosa él át. Ez a Maestro egyik legmélyebben kifinomult műve: szakszerűen hangulatteremtő, a harmonikahangok egészen hihetetlen használatával, amelyek ki-be járkálnak, és a magasan húzott vonósokba fulladnak. A ’70-es években elsajátított giallo-érzékenység és a klasszikusabb zenekari munkák ötvözése, és az eredmény egy újabb csodálatos filmzene, amelyben teljesen el lehet veszni.
“Legend Of 1900” (1998)
A ’90-es évekre Morricone már közel sem volt olyan termékeny, mint korábban, és bár a hollywoodi zeneszerzők többségét még mindig úgy állította be, mint a fazekat és serpenyőket püfölő gyerekeket, egyértelmű, hogy karrierje csúcsát már maga mögött hagyta (valószínűleg a “Once Upon A Time In America”-ban érte el, ha nyomon kellene követni). Mindezek után még mindig ihletet kapott arra, hogy jó barátja, Giuseppe Tornatore számára néhány pompás, minden korábbinál klasszikusabb zenét alkosson. Az “1900-as legenda”, a második Golden Globe-díjátadójához szenvedélyes zongorakompozíciókkal és siralmas vonósokkal kápráztatott el, amelyek gyönyörűen érzékeltették a középpontban álló zenei csodagyerek szellemét.
“Malena” (2000)
Az ötödik és egyben utolsó Oscar-jelölése, mielőtt a szavazók rájöttek, hogy a tiszteletbeli Oscar az egyetlen módja az arcuk megmentésének, a “Malena” Morricone legnagyobb alkotása, amelyet karrierje őszi szakaszában komponált. Megtalálta a módját, hogy zeneileg leírja Monica Bellucci csábító erejét, aki egy érzéki nőt játszik egy elmaradott olasz kisvárosban. Az érzelmi hullámvasút, ami a film – egyszerre egy felnőtté válási történet és egy társadalmi kommentár a szűklátókörű közösségek intoleranciájáról – Morricone zenéjében leplezi le lelkét és lényegét. A zeneszerző előássa hangszereléseinek arzenálját, és valami joviális, utánozhatatlan és fenséges alkotást hoz létre.
Mivel ezt a listát több mint 500 filmzenekompozícióból csikarták ki, könnyen lehet még 30 Ennio Morricone-muzsikát hozzáadni, és még mindig úgy éreznénk, hogy valami hiányzik. Bármennyire is igyekeztem igazságot tenni, figyelembe véve dühöngő termését, hihetetlenül nehéz szívvel kellett kizárnom néhány anyagát a ’60-as és ’70-es évekből, egy olyan időszakból, amelyben kevés rosszat tett. Ezek közül az “A Fistful Of Dollars”, a ragadósan popos “Slalom”, a “Death Rides A Horse” (egy másik western gyöngyszem, amelyből Tarantino kölcsönzött), a “The Five Man Army”, a szokatlan és furcsa “Danger”: Diabolik”, Corbucci “A nagy csend” és Pier Paolo Pasolini “A sólymok és a verebek” című filmje.
A ’70-es évekből ott van az “Erőszakos város”, a “Két öszvér Sara nővérnek”, a “Egy gyanú felett álló hölgy tiltott fotói”, az “Ötödik zsinór”, a “Vamos a Matar, Compañeros”, a “A munkásosztály a mennybe megy” és a “Ki látta őt meghalni?”, amelyek mind egy macskahajszállal maradtak le a bejutásról. A “Veruschka” és a “Sacco e Vanzetti” 1971-es filmzenéi népszerűek a diehardok körében, de bármennyire is jók, én úgy találtam, hogy nem tudnám őket pótolni a többiekkel. Tévedtem? Mondd meg te!
Morricone ’80-as és ’90-es évei, bár közel sem olyan termékenyek, mint az első két évtized, mégis a “Fehér kutya”, a “Vörös szonja”, a “Háborús veszteségek”, a “Bugsy” (az egyetlen Oscar-jelölés, amely nem szerepel a főlistán), a “Hamlet”, a “Farkas” és a “Lolita” azok közé tartoznak, amelyeket komolyan fontolóra vettek a főlistán.