Genio. Leggenda. Etichette che si consumano spesso quando vengono sbandierate. Ma mentre il 10 novembre 2015 potrebbe essere un normale martedì per molti, oggi è proprio il giorno giusto per onorare un artista che può a buon diritto rivendicare lo status di leggenda. Sto parlando di Ennio Morricone, alias il Maestro, come è noto e come verrà citato in questo articolo più di una dozzina di volte.
Questo maestro dell’arrangiamento musicale, del mixaggio del suono e della creatività d’avanguardia compie oggi 87 anni. Non mostra segni di rallentamento – ha date del tour europeo segnate per il 2016 e la sua attesissima prima colonna sonora originale per “The Hateful Eight” di Quentin Tarantino è in scatola e all’orizzonte – gli oltre 500 crediti cinematografici di Morricone attestano la sua forte etica del lavoro e la passione per la colonna sonora dei film. Così ho tentato l’impresa folle di tuffarmi nella sua discografia e scegliere 30 delle sue migliori colonne sonore cinematografiche.
Morricone vive ancora a Roma, la città in cui è nato e cresciuto, e notoriamente parla solo poche parole di inglese. Più italiano di così non si può, ma come dice l’adagio, la sua musica è un linguaggio universale. È più facilmente associato ai western di Sergio Leone, ma come questa lista spero dimostri, la sua gamma musicale si estende ben oltre il cinema di Leone. “Sono tutti figli miei… ogni colonna sonora che ho fatto”, dice spesso, il che ha influenzato una pletora di artisti attraverso i generi musicali: artisti come Yo-Yo Ma, Goldfrapp, Black Sabbath, DJ Premiere e Metallica hanno tutti reso omaggio a Morricone in un momento o nell’altro. È al di sopra di qualsiasi altro compositore cinematografico passato o presente, eccetto forse Bernard Herrmann, nel rivoluzionare il nostro modo di intendere la musica da film.
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Perciò, prendete una buona bottiglia di rosso italiano, e prestatemi i vostri occhi e le vostre orecchie mentre scorro i pezzi più memorabili e influenti dell’impressionante opera del Maestro.
“For A Few Dollars More” (1965)
Sembra ingiusto includere tutte e tre le partiture della “Trilogia del dollaro” in questa lista, specialmente considerando che lo strabiliante tema del titolo di “A Fistful of Dollars” mette in ombra tutto il resto in maniera così schiacciante. Se questa fosse stata una lista “Essenziale” e non una lista “Best Of”, “A Fistful Of Dollars” l’avrebbe probabilmente fatta invece, ma sono dell’idea che “For A Few Dollars More” sia il miglior rappresentante dei metodi rivoluzionari di Morricone per i western di Leone. Per i suoi ruggiti di ebrei, i riff di chitarra follemente orecchiabili, i fischi iconici, i rintocchi di campana, gli organi di chiesa e l’orologio da tasca musicale di El Indio (Gian Maria Volonte), che “trasferisce il tuo pensiero in un posto diverso” e dipinge il trucco psicologico del personaggio in modo così vivido, “For A Few Dollars More” è iconico quanto lo sguardo fisso di Clint Eastwood.
“The Battle Of Algiers” (1966)
Anche se è l’unica colonna sonora di questa lista che ha il nome di qualcun altro accanto a quello di Morricone nei crediti, tralasciare “The Battle Of Algiers” sarebbe più che blasfemo, grazie a quanto è diventato archetipo. A causa di obblighi contrattuali, il regista Gillo Pontecorvo doveva essere accreditato accanto a Morricone, e per “Ali’s Theme”, fu Pontecorvo a proporre le quattro note che “diventarono l’essenza del film” secondo Morricone. Ma è stato il Maestro stesso ad arrangiarle nella partitura. Con tutto il rispetto per Pontecorvo, che ha diretto un capolavoro, ha lavorato sotto gli auspici di un maestro arrangiatore, le cui permutazioni di tamburi militari, corni e pianoforti accendono la fiamma eterna dell’indipendenza rivoluzionaria del film.
“The Good, The Bad, And The Ugly” (1966)
Aaah-eee-aaah-eee-Ahhh. Praticamente il jingle di compleanno di Morricone, questa è la sigla della OST di “Il buono, il brutto e il cattivo” di Leone. Le prime due voci della trilogia di “Dollars” hanno aperto la strada a questo nuovo suono, ma posso solo immaginare (e ribollire di eterna gelosia) come deve essere stato ascoltare i ritmi galoppanti, le armoniche, le trombe e “Ecstasy of Gold” – se ci fosse un laboratorio per queste cose, gli scienziati lo proverebbero come uno dei migliori pezzi di musica da film mai composti – alle nuove orecchie della fine degli anni ’60. Una qualche variazione di “OMFG come può qualcosa suonare così dannatamente figo? Morricone ha seguito il suo cuore avanguardista e ha usato suoni reali “per dare una sorta di nostalgia che il film doveva trasmettere”. Nel caso di “The Good, The Bad, And The Ugly”, questi erano principalmente suoni di animali, in particolare quello che è diventato noto come l’ululato del coyote – il genere western non è stato ufficialmente più lo stesso.
“Navajo Joe” (1966)
Che c’è, pensavate che Morricone avesse lasciato il meglio delle sue partiture western solo a Sergio Leone? Per favore. Ha riversato il suo genio unico su tutto il mixer per un altro Sergio, in questo caso Corbucci, e forse è stato il suo pseudonimo “Leo Nichols” a scatenare la bestia che si aggira nei suoni selvaggi di “Navajo Joe”. Tasti orecchiabili, un assaggio di folle avanguardia, accumuli emotivi che culminano in demenzialità che anticipano la sua propensione per l’horror (“A Silhouette Of Doom”); gli arrangiamenti con i melodiosi canti umani di “Navajo Joe, Navajo Joeee” -come l’inno del titolo, sentito una volta per tutte- sono alcuni dei pezzi più inventivi del Maestro nel genere. Di nuovo, possiamo ringraziare Quentin Tarantino per aver ricordato al grande pubblico la genialità di questa colonna sonora, perché ne ha riproposto una parte per “Kill Bill”, ma fareste bene a cercare l’originale.
“Once Upon A Time In The West” (1968)
In uno dei suoi anni più prolifici, Morricone continuò la sua collaborazione con Sergio Leone e compose quella che per molte orecchie è la più bella musica sentita in un film western. La cantante italiana Edda Dell’Orso avrebbe continuato a lavorare con Morricone in numerosi progetti, ben nella sua fase gialla, ma la sua voce avrebbe suonato angelica come in “Once Upon A Time In The West”, accompagnata dagli archi sensuali di Morricone. L’album vendette più di 10 milioni di copie in tutto il mondo, e quando si ascolta “The Man With The Harmonica” per la millesima volta, l’unica domanda che rimane è: come mai ha venduto così poco? I leitmotiv descrivevano i quattro personaggi principali in modi non dichiarati, spesso ripetuti ma mai migliorati, il che deve aver funzionato doppiamente forte, perché Leone suonava la musica di Morricone sul set per mettere gli attori nell’atmosfera. Uno dei più grandi esempi di western lirico, “C’era una volta il West” è saldamente situato nella più alta delle classifiche quando si tratta di un’unione cinematografica di immagine e colonna sonora.
“Escalation” (1968)
Questo è uno di quei casi, nella lunga storia di Morricone, in cui è giusto buttare via il bambino, purché si lasci l’acqua del bagno. Cioè, la commedia dark italiana di Roberto Faenza “Escalation” non è molto buona, ma Morricone stava sparando su tutti i cilindri in questo periodo, sfornando un’altra indimenticabile colonna sonora piena di pura gioia musicale. Tra i pezzi forti ci sono il funky “Dias Irae Psichedelico” (psichedelico è giusto) e il suo geniale momento di silenzio, e tutte le variazioni di “Funerale Nero”, in cui Morricone scava nelle sue radici jazz con trombe che vi faranno venire la febbre da ballo. Gli intrugli sognanti suonano come se l’intera orchestra fosse sotto l’effetto dell’LSD, mentre il funk ricorda agli ascoltatori quanto fosse ampia la rete musicale di Morricone.
“Come Play With Me” (1968)
Meglio conosciuto come “Gracie Zia”, il primo film di Salvatorre Samperi è ormai quasi dimenticato. I suoi resti positivi sono per lo più emblematici nella colonna sonora ridicolmente divertente di Morricone, che inizia con “Guerra E Pace, Pollo E Brace” e la combinazione di percussioni ritmiche con quello che sembra un intero coro di bambini. “Infliggere piacere” era parte del linguaggio di marketing del film -la storia tratta di una relazione incestuosa tra una zia e suo nipote- che descrive perfettamente il medley principale di Morricone simile a un’antifona. E aspettate di rifarvi le orecchie con “Shake Introspettivo”; con il suo synth serpeggiante, il vostro pulsante di ripetizione sarà abusato come non mai. “Come Play With Me” è anche una fantastica introduzione iniziale al lato giallo di Morricone, in particolare con il suo uso di ninnananne inquietanti.
“Il mercenario” (1968)
Il secondo western non di Sergio Leone che deve essere menzionato è un altro film di Sergio Corbucci, e il compito di scegliere tra questo e “Il grande silenzio”, l’altro western di Corbucci uscito nello stesso anno, mi ha tenuto sveglio alcune notti. Dopo alcuni ascolti completi, ho deciso per “Il mercenario”, soprattutto perché il suo fischio d’autore è il più grande fischio di sempre. Con l’aiuto del collaboratore di lunga data Bruno Nicolai, Morricone ha trasformato il tema de “Il Mercenario” – specialmente la variazione sonora “L’Arena” che Tarantino ha riproposto – in una delle sue più grandi composizioni western. Provate ad ascoltare quella chitarra romanticamente malinconica in “Liberta” senza avere la pelle d’oca.
“Il Clan Siciliano” (1969)
Prima di “C’era una volta in America” e “Gli Intoccabili”, Morricone ha impresso la sua geniale inclinazione per i film polizieschi melodiosi in “Il Clan Siciliano” di Henri Verneuil. Il film che ha ispirato uno dei pezzi più riconoscibili di Morricone, molto probabilmente dal suo intimidatorio trio di soavi poster-boys: Alain Delon, Jean Gabin e Lino Ventura. I fischi e le sibilanti si sposano con il mood di un western di Morricone, ma con solo qualche grazioso jazz (“Snack Bar”) come interludio, l’inimitabile musica per “The Sicilian Clan” prospera in pezzi dal ritmo irrequieto come “Tema Per Le Gofi” e, naturalmente, l’ostinato principale che gocciola di sensuale nostalgia e cool elettrico. Impossibile non canticchiare per ore e ore dopo averlo ascoltato.
“Burn! (1969)
Sia che lo conosciate con il suo nome italiano, “Queimada” o con il suo meraviglioso titolo inglese, sapete che questo film di Gillo Pontecorvo, oltre a una delle più incredibili interpretazioni di Marlon Brando, ha la colonna sonora più emozionante di Ennio Morricone. Il canto iniziale di “Abolisson, abolisson!” fa venire in mente lo spirito libero e rivoluzionario che Morricone aveva un’incredibile capacità di tradurre in musica – più cresce il volume, più si drizzano i capelli. Come per la maggior parte delle cose che ha diretto in questo periodo, Morricone ha catturato l’essenza di un film in note, armonie e arrangiamenti. Il suo tema ‘Jose Dolores’ è uno dei migliori esempi di semplici accordi condotti in qualcosa di completamente profondo.
“The Bird With The Crystal Plumage” (1970)
All’inizio degli anni ’70, gli schermi cinematografici italiani iniziarono a sanguinare giallo horror, e chi c’era per iniettare il terrore nell’immaginario della gente in modo più minaccioso della collezione di bambole di porcellana del tuo inquietante vicino? Solo il più onnipresente compositore cinematografico italiano in circolazione, l’uomo che in quel periodo lavorava a un ritmo impressionante di 12-13 partiture all’anno. Il primo degli indimenticabili contributi di Morricone al genere arrivò per il primo film di Dario Argento (e uno dei suoi migliori) “The Bird With The Crystal Plumage”. Più probabilmente Morricone si è ispirato alla composizione della ninna nanna di Krzysztof Komeda in “Rosemary’s Baby” quando ha elaborato per Argento la sua filastrocca la-la-la, inquietantemente sublime, condita da trombe e xilofoni paranoici, cristallizzando la sensazione che qualcuno con intenzioni malvagie sia proprio dietro di te.
“Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto” (1970)
Tricchiante, scaltra, leggermente perversa ed eternamente in punta di piedi al di sopra di ogni sospetto, la partitura di Morricone per la satira di Elio Petri premiata con l’Oscar è una delle sue melodie più contagiose. “Dovevo scrivere un tipo di musica per il grottesco con un tocco folkloristico”, spiega Morricone in questo articolo di Criterion, e le sue combinazioni di mandolino e arpa ebrea con i tipici strumenti orchestrali sono seconde a nessuno in termini di instillare un senso di divertimento diabolico. Sempre l’artista avanguardista e sperimentatore che era durante questo picco iniziale della sua carriera, la creatività di Morricone con i suoni del sintetizzatore e il suo orecchio soprannaturale nel ricavare ganci musicali fanno di “Investigation Of A Citizen Above Suspicion” uno dei suoi brani più popolari, spesso ascoltato nei suoi concerti dal vivo.
“Maddalena” (1971)
Morricone sfornava colonne sonore come un pipistrello fuori dall’inferno nei primi anni ’70, così spesso la maestosità della sua musica era anni luce avanti rispetto al film per cui l’aveva composta. Questo non è mai stato così evidente come con “Maddalena” di Jerzy Kawalerowicz, un film usa e getta su una donna che cerca l’amore e lo trova in un prete. Sono passati più di 40 anni, quindi è giusto ammettere che l’unica cosa veramente grande che è venuta fuori dall’intera faccenda è la partitura eloquente e sinfonica di Morricone. Riunito con Edda Dell’Orso per la gloriosa apertura di 9 minuti “Come Maddalena”, e componendo “Chi Mai” (che sarebbe poi stata resa ancora più popolare dalla BBC in “The Life And Times Of David Lloyd George”), Morricone ha punteggiato quello che è forse il suo anno più prolifico con la sua caratteristica fusione di jazz, inni corali e polifonie risonanti senza fine.
“Lizard In A Woman’s Skin” (1971)
La paranoia è centrale nelle tinte barocche che permeano la colonna sonora del giallo di Morricone per “Lizard In A Woman’s Skin”, ristampato l’anno scorso dalla casa discografica Death Waltz con una copertina dal design appropriato. Questo incubo cinematografico di Lucio Fulci ha ispirato una delle più grandiose composizioni di Morricone; una bellissima cacofonia di jazz, funk, organi da chiesa, cornamuse, fischietti e la voce di Edda Dell’Orso. Questi sono elementi che sono stati parte integrante di molte partiture di Morricone prima di questa, ma attraverso il suo arrangiamento chirurgico, si sentono inesauribilmente freschi e seducenti. Che siano i flauti di “La Lucertola”, la chitarra surf di “Notte di giorno” o il tuffo sognante nella tana del coniglio di Fulci di “Spiriti”, questa è un’altra partitura di Morricone che vi farà pensare che il vostro stereo sia posseduto da qualche demone che ha davvero, davvero, un gran gusto per la musica.
“Cold Eyes Of Fear” (1971)
Se avete voglia del lato più avanguardista di Morricone, quello che fa sembrare Buddy Holly i suoni più dissonanti di un film di David Lynch, non cercate oltre “Cold Eyes Of Fear”.” Il thriller di Enzo Castellari regge una candela traballante rispetto agli altri gialli del suo tempo, ma questa colonna sonora mercuriale e acid-jazzy del Maestro si insinuerà sotto la vostra pelle e vi farà camminare sulle spine per ore e ore, con gli accordi di violoncello e le trombe che si ripresenteranno in molti incubi a venire. A mani basse la più volutamente disarmonica delle partiture di Morricone, “Cold Eyes Of Fear” è fissare l’abisso cinematografico per mezzo di suoni e rintocchi. È anche uno dei punti salienti della carriera del compositore in arrangiamento giallo, che ricorda nettamente i suoi primi giorni come improvvisatore d’avanguardia nel Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza.
“Cat O’ Nine Tales” (1971)
In diretto contrasto con “Cold Eyes Of Fear”, le composizioni di Morricone per “Cat O’ Nine Tails,il secondo film di Dario Argento, sono piene di armonie bellissime, quasi soul, caratterizzate dal tema principale di “Ninna Nanna”, dove ancora una volta usa la bravura vocale di Dell’Orso per effetti altamente ipnotici. Probabilmente riconoscerete la spaventosa “Paranoia Prima” perché è stata riappropriata da Tarantino in “Kill Bill Vol. 1”, mentre il resto della colonna sonora è disseminata di profonde note di violoncello basso e il tipo di rumore di fondo che dipinge mille immagini oscure. A questo punto -e no, non è un refuso, siamo ancora nel 1971- era chiaro che Morricone non solo padroneggiava e possedeva il genere western, ma anche i suoni primordiali dei film slasher italiani.
“Duck, You Sucker!” (1971)
Non è che nel ’71 fosse tutto un giallos, però. Morricone si dedicava a tutto ciò che poteva inserire nella sua agenda ridicolmente condensata. Questo includeva un’altra partitura virtuosa per un western di Sergio Leone, in questo caso “Duck, You Sucker! (a.k.a. “A Fistful of Dynamite”). Potrebbe benissimo essere la più capricciosa delle partiture di Morricone per Leone, con la sua indimenticabile miscela di commedia e opera che fa miracoli, come si sente immediatamente nel “Main Theme” del film. Gli archi svenevoli che prendono il sopravvento a un certo punto ti trasportano nel magico mondo dei film, prima che il mezzosoprano lirico di Dell’Orso aggiunga uno strato inaspettato. Il compositore stesso ha descritto questo film in un’intervista a Quietus, sopra ogni altro, come un grande esempio della sua “mescolanza di musica tonale e musica d’avanguardia.”
“What Have You Done To Solange? (1972)
Ahhh, quel pianoforte. Aggiungi un’altra collaborazione vincente con Edda Dell’Orso in un film giallo che vale il coraggio di una colonna sonora di Morricone. What Have You Done To Solange?” di Massimo Dallamano è intriso di mistero, brividi genuini, e un tipo di paranoia che è più stretta della corda del pianoforte. Dal tema iniziale del titolo, attraverso gli ambienti jazz di “Una Tromba E La Sua Notte” e i suoni da carosello di “Fragile Organetto”, la colonna sonora è un altro pezzo di musica da film sottilmente disarticolato e provocatorio che proietterà istantaneamente le immagini del prete assassino di Fabio Testi e della Elisabetta di Cristina Galbo per coloro che hanno visto il film, mentre invita coloro che non l’hanno visto a cercarlo. La colonna sonora di Morricone è qui così paralizzante che non permette nemmeno di ridere del poco delicato lavoro di doppiaggio.
“Revolver” (1973)
Questo è un altro caso in cui la musica meno conosciuta di Morricone è stata riproposta da Tarantino (questa volta in “Inglourious Basterds”) e se state pensando, “Hai appena incluso tutto ciò che QT ha riproposto in questa lista? Il gusto di Tarantino in fatto di musica è formidabile, a prescindere da quello che si pensa del suo lavoro o dalle dimensioni del suo ego, e mentre si passa in rassegna la vasta produzione di Morricone, la roba che salta all’occhio è il più delle volte quella che salta all’occhio a Tarantino stesso. Anche se se “Revolver” di Sergio Sollima fosse stato tutto sugli archi emotivamente esplosivi di “Un Amico”, è probabile che non avrebbe fatto il taglio. La title-track di 12 minuti ha una spinta notevole, con i suoi fiati stratificati e “Quasi Vivaldi” è una piacevole piccola spinta verso il famoso compositore.
“Spasmo” (1974)
L’ultimo dei gialli a comparire in questa lista, “Spasmo” si distingue dal resto con i suoi bei movimenti “Bambole” e “Spasmo”. Nel 1974, Morricone aveva ovviamente padroneggiato le colonne sonore dei gialli, grazie al suo lavoro con Argento e Dallamano, ma aveva ancora una sensazione sbalorditiva di una colonna sonora per Umberto Lenzi. Terribilmente romantico ed emotivo, gli arrangiamenti di melodie di sintetizzatori, ronzii umani e strumenti a fiato risuonano ben oltre il dispositivo che sta suonando la musica (o, in effetti, lo schermo). Mescolando il fantastico con il reale, come è nella tradizione del giallo, la miscela del sintetizzato e del naturale nella colonna sonora di Morricone è in primo piano in “Spasmo”, probabilmente una delle più belle colonne sonore mai composte per un film horror.
“Exorcist II: The Heretic” (1977)
Dal bello all’assolutamente demenziale, pur giocando nella stessa scatola di sabbia. “L’esorcista II” è un disastro assoluto di un film, un sequel dei poveri dell’altrimenti grande John Boorman. Ma come nel caso di alcuni altri in questa lista, dietro un film terribile c’è a volte una colonna sonora tremendamente buona, che Morricone, più di ogni altro compositore di film, ha dimostrato più e più volte, con esempi brillanti come questo. Iniziando bello e piacevole con “Regan’s Theme”, non passa molto tempo prima che “Exorcist II” degeneri nella follia con i canti di “Pazuz” e i lamenti femminili di “Little Afro-Flemish Mass”. Una volta arrivati alla pazzesca “Magic And Ecstasy”, ti colpisce: questo è il più pazzo che abbiamo mai sentito Morricone. Ed è incredibile.
“Days Of Heaven” (1978)
La prima delle cinque nomination di Morricone all’Oscar (che finirà per perdere tutte e cinque: che vergogna!), “Days Of Heaven” è una di quelle collaborazioni regista-compositore da sogno. Lavorando per la prima volta con Terrence Malick, Morricone ha prodotto una delle sue più grandi colonne sonore americane, che completa perfettamente le tendenze tematiche profondamente sentite di Malick e la sublime fotografia di Nestor Almendros. L’apertura sognante “Aquarium” non è un originale di Morricone, ma stabilisce il tono meravigliosamente per l’iconica title track piena di nostalgica nostalgia, i flauti danzanti di “Happiness” e l’ondeggiare degli archi come il vento in “Harvest”. Il tutto creando una composizione che è la materia della magia della musica da film. Ed ecco qualcosa per alimentare la tua attesa: Morricone e Malick sono pronti a collaborare nuovamente per l’atteso documentario del regista “Voyage Of Time”.
“The Thing” (1982)
So che questa colonna sonora è stata nominata per un Razzie, ok? Ma al diavolo, perché “The Thing” è stato riconosciuto nel tempo e nel buon senso come uno dei pezzi più misteriosi di Ennio Morricone. John Carpenter decise notoriamente di non scrivere la colonna sonora di questo particolare film, commissionando invece il lavoro al Maestro (chiaramente come fan del lavoro giallo dell’italiano). Anche se la leggenda dice che Carpenter non fu molto contento del lavoro di Morricone, usandone solo alcuni pezzi nel film finale, la OST originariamente pubblicata contiene tracce selezionate dallo stesso Morricone. Liberate la vostra mente dal rumore di fondo che circonda l’uscita e godetevi una delle partiture più oscure di Morricone, che evoca meravigliosamente l’isolamento invernale dell’ambientazione del film e la suspense fantasmagorica prevalente in tutto il film. Raccomandato con le cuffie e le luci spente.
“Once Upon A Time In America” (1984)
Quella che finì per essere l’ultima collaborazione tra due giganti del cinema del XXI secolo e cari amici, “Once Upon A Time In America” si colloca molto in alto tra i grandi successi di Morricone. È uno dei pochi esempi in cui si può mischiare a caso qualsiasi traccia e sarà immediatamente riconoscibile come la musica creata da Morricone per il capolavoro di Leone; emotivamente epico come il film stesso, è l’uso iconico del flauto di pan principale (ascoltate l’apertura di “Childhood Memories” per un esempio particolarmente penetrante) e “Deborah’s Theme” che immortala la colonna sonora. Proprio come fece con “West”, Leone suonò la colonna sonora di Morricone sul set per far entrare gli attori nell’atmosfera del film, il che rende Morricone una sorta di co-regista. Un bel pensiero per un’esperienza cinematografica mozzafiato.
“The Mission” (1986)
“Sentivo decisamente che avrei dovuto vincere per ‘The Mission'”, è quello che un Morricone forse irascibile disse al Guardian in un’intervista del 2001. E, naturalmente, avrebbe dovuto vincere l’Oscar per questa partitura espressiva e lirica. “Gabriel’s Oboe” è una scoperta di 2 minuti e mezzo su come deve essere il suono del paradiso, mentre la sua sensibilità nel creare temi per titoli indimenticabili continua con “The Mission”, un arrangiamento musicale così bello come non ne ha mai fatti prima o dopo. Si racconta che, in un raro momento di dubbio, Morricone trovò le immagini di Roland Joffe troppo potenti e che pensò che la sua musica non avrebbe reso loro giustizia. Vedete? Anche i geni possono sbagliare.
“The Untouchables” (1987)
Brian De Palma ed Ennio Morricone andavano d’accordo, e collaborarono di nuovo con successo per “Casualties Of War” nel 1989, ma è la colonna sonora nominata all’Oscar per “The Untouchables” che ha dato il frutto più succoso della loro collaborazione. Morricone ha iniziato a rallentare con le colonne sonore dei film dopo il 1985, concentrandosi invece sui concerti dal vivo, ma come per le rimanenti colonne sonore della lista, era ancora molto nel suo elemento quando doveva aggiungere musica di accompagnamento a un’immagine in movimento. Il tema di “Untouchables”, così vittorioso e commovente, suona troppo bene una volta che le trombe in crescendo suonano per essere di cattivo gusto, mentre il tema di “Al Capone” si adatta alla brillante performance comica di Robert De Niro come un guanto.
“Cinema Paradiso” (1988)
Il nome di Morricone è per lo più associato a film epici, western e gialli, ma sono partiture come quella che ha composto e orchestrato per “Cinema Paradiso” che ci fanno fare un passo indietro e capire che in realtà non c’era nulla su cui il Maestro non potesse oscillare la sua bacchetta. Fu la sua prima partitura per Giuseppe Tornatore, una partnership collaborativa che avrebbe prodotto un paio di altre partiture indimenticabili in futuro, e proprio come il film stesso, tutti i pezzi sono il riflesso di un amore senza fondo per i poteri travolgenti del cinema stesso. Le permutazioni degli archi che avvolgono l’ascoltatore con un calore avvolgente, come si sente nel “Title Theme” e nel “Love Theme”, vi stordiranno nel silenzio.
“Frantic” (1988)
“Frantic” di Roman Polanski è spesso dimenticato quando si elencano i più grandi film del regista, ma occupa un posto speciale nel mio cuore. Quando ho rivisto la colonna sonora di Morricone (purtroppo, l’unica volta che i due hanno lavorato insieme), mi sono subito ricordato del mistero e della paranoia vissuta dal medico imbambolato di Harrison Ford. È una delle opere più profondamente sottili del Maestro: è sapientemente lunatica, con un uso assolutamente incredibile di suoni di fisarmonica che entrano ed escono, annegati dagli archi acuti. È una fusione della sensibilità del giallo che aveva imparato negli anni ’70 con il lavoro orchestrale più classico che stava facendo all’epoca, e il risultato è un’altra meravigliosa colonna sonora in cui ci si può perdere completamente.
“Legend Of 1900” (1998)
Nel periodo degli anni ’90, Morricone non era così prolifico come lo era stato in passato, e mentre faceva ancora sembrare la maggior parte dei compositori di Hollywood dei bambini che sbattevano su pentole e padelle, è chiaro che l’apice della sua carriera era alle spalle (probabilmente raggiunto, se si dovesse risalire ad esso, in “Once Upon A Time In America”). Detto questo, era ancora ispirato a produrre alcuni splendidi pezzi di musica, più classici che mai, per il suo buon amico Giuseppe Tornatore. Per la “Leggenda del 1900”, il suo secondo Golden Globe, ha abbagliato con composizioni appassionate di pianoforte e archi dolenti che hanno meravigliosamente catturato lo spirito del prodigio musicale al suo centro.
“Malena” (2000)
La sua quinta e ultima nomination all’Oscar prima che gli elettori capissero che un Oscar onorario era l’unico modo per salvare la faccia, “Malena” è il più grande lavoro che Morricone ha composto nella parte autunnale della sua carriera. Ha trovato un modo per descrivere musicalmente i poteri seduttivi di Monica Bellucci, che interpreta una donna sensuale in una piccola città italiana arretrata. La montagna russa emotiva che è il film – sia un racconto di formazione che un commento sociale sull’intolleranza di comunità ristrette – mette a nudo la sua anima ed essenza nella musica di Morricone. Il compositore scava nel suo arsenale di arrangiamenti strumentali e crea qualcosa di gioviale, inimitabile e sublime.
Siccome questa lista è stata estratta da più di 500 composizioni di film, si potrebbero facilmente aggiungere altre 30 partiture di Ennio Morricone e qualcosa mancherebbe ancora. Per quanto possa provare a fare giustizia considerando la sua furiosa produzione, è stato con un cuore incredibilmente pesante che ho dovuto escludere alcune delle sue cose degli anni ’60 e ’70, un periodo in cui ha fatto poco male. Di questi, “A Fistful Of Dollars”, il contagiosamente poppeggiante “Slalom”, “Death Rides A Horse” (un altro gioiello western da cui Tarantino ha preso in prestito), “The Five Man Army”, l’eccentrico e stravagante “Danger: Diabolik”, “Il grande silenzio” di Corbucci e “I falchi e i passeri” di Pier Paolo Pasolini.
Negli anni ’70, ci sono “Violent City”, “Two Mules For Sister Sara”, “The Forbidden Photos Of A Lady Above Suspicion”, “The Fifth Cord”, “Vamos a Matar, Compañeros”, “Working Class Goes To Heaven” e “Who Saw Her Die? Le sue partiture del 1971 per “Veruschka” e “Sacco e Vanzetti” sono popolari tra gli irriducibili, ma per quanto siano davvero buone, ho scoperto che non potrei sostituirle con nessuna delle altre. Mi sono sbagliato? Ditemelo voi!
Gli anni ’80 e ’90 di Morricone, anche se non così prolifici come i primi due decenni, hanno ancora “White Dog”, “Red Sonja”, “Casualties of War”, “Bugsy” (l’unica nomination all’Oscar non inclusa nella lista principale), “Hamlet”, “Wolf” e “Lolita” come alcune delle cose che sono state seriamente considerate per la voce principale.