Il termine cubismo analitico definisce la prima fase del cubismo e descrive le innovazioni e le sperimentazioni dei due artisti, Pablo Picasso e Georges Braque. Considerati come padri del movimento cubista, i due pittori hanno rivoluzionato il volto dell’arte. Durate dal 1909 al 1912, le immagini del cubismo analitico sono caratterizzate da un aspetto frammentario, dalla costruzione lineare, dalla riduzione del colore a una tavolozza di colori quasi monocromatica, dalla comprensione degli oggetti come forme geometriche di base e dall’uso di punti di vista multipli. A differenza di altre immagini d’avanguardia prodotte dai futuristi italiani, da Piet Mondrian o dal pioniere dell’arte astratta Wassily Kandinsky, le immagini del cubismo analitico erano lasciate aperte all’interpretazione e non erano accompagnate da un manifesto dell’artista. Per anni storici dell’arte e critici hanno analizzato e tentato di venire a patti con il cubismo analitico, e di dare un senso alle sue forme frammentate, superfici poco profonde e pesantemente lavorate.
L’inizio del cubismo analitico – Cosa ha spinto al nuovo?
Sfidando i canoni della creatività, gli artisti cubisti miravano a rivitalizzare l’arte affinché fosse più in sintonia con le innovazioni e la nascita dell’era moderna. Al volgere del XX secolo, gli artisti si trovarono nel mezzo di un grande cambiamento. I progressi tecnologici, i drammatici cambiamenti politici e sociali avvenivano in questo periodo. La nascita della fotografia ha trasformato per sempre il ruolo e la necessità dell’arte visiva, poiché è stata usata per documentare i cambiamenti che avvenivano nel mondo. Per molti pittori e artisti, la creatività doveva riflettere queste esplosioni di nuove energie e idee. I due autori Picasso e Braque, ispirati dall’artista post-impressionista Paul Cezanne, rifiutarono la regola della tridimensionalità e della prospettiva nell’arte e cominciarono a sperimentare con superfici piatte, riduzione di forma e colore, e la comprensione della natura in forme di forme geometriche di base. Tentando di creare un senso di totalità che rifletteva il bisogno di novità, i due artisti collaboravano, comunicavano quotidianamente e sperimentavano con lo spazio, il tempo e la rappresentazione del mondo.
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Lo stile del cubismo analitico
Come forma particolarmente rigida di arte d’avanguardia, il cubismo analitico fu la fase più intellettuale e senza compromessi del movimento cubista. Chiamato in questo modo, rifletteva il passaggio dalle precedenti immagini più brillanti per un approccio più analitico verso il soggetto. La dissezione strutturata del soggetto, punto di vista per punto di vista, ha portato all’immagine frammentaria e ai piani sovrapposti. Durante il 1910 – 1912, Picasso e Braque astraggono le loro opere al punto da ridurle a un mero gioco di piani e sfaccettature. Il risultato prodotto è meglio descritto come un collage di vari punti di vista che sono incollati di nuovo insieme per formare un quadro totale. Riducendo il colore alle tonalità quasi monocromatiche di grigio, marrone e nero, l’attenzione rimaneva sulla struttura della forma e la densità dell’immagine al centro della tela. I motivi preferiti erano di solito la natura morta con uno strumento musicale, bottiglie, brocche, bicchieri, giornali, e il volto umano e le figure. Le immagini di paesaggio erano rare.
Continuando con la ricerca della superficie bidimensionale e il rifiuto della prospettiva a punto singolo, le immagini del cubismo analitico erano oggetti a sé stanti. Questa comprensione delle opere d’arte cubiste fu avanzata dal critico Clement Greenberg che definì le immagini come costruzioni di varie parti che rappresentano e sono allo stesso tempo nuove comprensioni della realtà.
L’importanza del cubismo analitico e delle sue immagini
Il dipinto Ritratto di Ambroise Vollard è considerato l’immagine che definisce lo stile del cubismo analitico. In quest’opera, Pablo Picasso ha smontato una figura umana in una serie di lastre geometriche piatte e trasparenti. Il primo stile pittorico cubista, con la sua attenzione alle immagini cubiche, è scomparso e al suo posto ci viene offerta un’immagine che celebra i piani. La qualità complessiva della decostruzione e poi la creazione dell’immagine aiutata dalle disposizioni multistrato di piani sovrapposti è uno degli elementi chiave del nuovo stile artistico.
L’importanza del Cubismo Analitico si vede nella sua messa in discussione dei canoni artistici tradizionali. Il rifiuto della tridimensionalità e la riduzione della forma all’idea base di una superficie piatta impressionò non solo i pittori, ma segnò anche la nuova comprensione della scultura e dell’architettura. Il cubismo analitico finì nel 1912 e al suo posto i due artisti offrirono il cubismo sintetico, uno stile altrettanto rivoluzionario di creatività che incorporava oggetti e materiali trovati oltre alla pittura e alla tela. Questi due stili definirono il movimento cubista che per molti è considerato come il momento che segnò la nascita dell’arte non rappresentativa.
Esplorando la fase cardine dell’arte moderna, il cubismo analitico culminò durante un periodo di due anni, tra il 1910 – 1912. Lo scambio creativo dei due maestri, Pablo Picasso e Georges Braque, produsse il movimento cubista che è considerato come uno dei periodi più rivoluzionari dell’arte. Il libro è la prima pubblicazione che approfondisce questi due intensi anni di produttività, rivelando l’intrigante gioco pittorico tra questi due grandi artisti. Saggi di importanti curatori e storici offrono letture sostenute di dipinti, disegni e stampe in termini di impegno con questioni di genere, formato, mezzo e processo artistico. Capire il gioco tra i due autori significa capire il cubismo e comprendere appieno la sua importanza per i successivi sviluppi della storia dell’arte.