巨人。 レジェンドです。 噂によれば、頻繁に使い古されるラベル。 しかし、2015年11月10日はほとんどの人にとって普通の火曜日かもしれませんが、今日は偶然にも、伝説的な地位を正当に主張できるアーティストに敬意を表する素晴らしい日なのです。
この編曲、サウンドミキシング、前衛的な創造性の巨匠は、今日、87歳を迎えました。
この編曲、音響、ミキシング、前衛的な創造性の巨匠は、本日87歳を迎えましたが、衰える気配はなく、2016年にはヨーロッパツアーが予定されており、クエンティン・タランティーノの「The Hateful Eight」では待望の初のオリジナル楽曲が実現し、目前に控えています。
モリコーネは今でも生まれ育ったローマに住んでおり、有名な話ですが、英語はほんの数語しか話せません。
モリコーネは現在も生まれ育ったローマに住み、英語は数語しか話せないことで有名です。 彼はセルジオ・レオーネの西部劇と最もよく結びついているが、このリストが示すように、彼の音楽の幅はレオーネの映画の枠をはるかに超えている。 「ヨーヨー・マ、ゴールドフラップ、ブラック・サバス、DJプルミエール、メタリカなど、多くのアーティストがモリコーネにオマージュを捧げ、音楽ジャンルを超えて多くのアーティストに影響を与えた。
インディーズワイヤーでの人気
そこで、イタリアの赤ワインを片手に、マエストロの驚異的な作品群の中から最も印象的で影響力のある作品を紹介しますので、目と耳を貸してください。
“For A Few Dollars More” (1965)
このリストに「ドル三部作」からの3曲すべてを含めるのは不公平に思えますが、特に「A Fistful of Dollars」のムチムチのタイトルテーマが他のすべてに圧倒的に影を落としていることを考慮すると、このようなリストとなります。 もしこれが「ベスト盤」ではなく「エッセンシャル盤」であったなら、「A Fistful Of Dollars」が代わりに選ばれていたかもしれませんが、私は「For A Few Dollars More」の方がレオーネの西部劇に対するモリコーネの革命的手法をよりよく表していると考えています。 ジュウタンを思わせるハープ、めちゃくちゃキャッチーなギターリフ、象徴的な口笛、鐘の音、教会のオルガン、そして「思考を別の場所に移す」エル・インディオ（ジャン・マリア・ボロンテ）の懐中時計が、キャラクターの心理描写を鮮やかに描き出す「For A Few Dollars More」は、クリント・イーストウッドのにらめっこと同じくらい象徴的な作品だと思うんです。
『アルジェの戦い』（1966）
このリストでモリコーネの次に他の人の名前がクレジットされているのはこの曲だけですが、この曲がいかに原型になっているかを考えれば、『アルジェの戦い』を外すのは少しばかり冒涜的なことでしょう。 契約上、監督のジロ・ポンテコーヴァはモリコーネと並んでクレジットされなければならず、「アリのテーマ」については、モリコーネが「この映画のエッセンスとなった」4音を思いついたのはポンテコーヴァであったという。 しかし、それを楽譜に編曲したのはマエストロ自身である。 この映画では、”ヴォーカル “と “ドラム “の2つの楽器が、”ドラム “と “ホーン”、”ピアノ “と “ピアノ “の3つの楽器で構成され、その組み合わせが、映画の革命的独立の永遠の灯火をともします。 実質的にモリコーネの誕生日ジングルであり、レオーネ監督の「The Good, The Bad, And The Ugly」の全面的かつ大仰な破壊的OSTのテーマ曲です。 ドル」三部作の最初の2作品は、この新しいサウンドへの道を開いたが、疾走するリズム、ハーモニカ、トランペット、そして「黄金のエクスタシー」–こんなものを作る研究所があったら、科学者たちはこの曲が映画音楽史上最高の作品のひとつだと証明するだろう–を聞くことが、60年代末の新しい耳にどんなふうに響いたか、僕は想像するしかない（そして永遠の嫉妬にかられるだろう）。 おそらく、「なんてこった、どうしてこんなにかっこいい音が出るんだ！」と思ったことだろう。 モリコーネは、自分の前衛的な心に従って、「映画が伝えなければならない一種のノスタルジアを与えるために」本物の音を使ったのだ。 The Good, The Bad, And The Ugly」の場合、それらは主に動物の鳴き声、つまりコヨーテの遠吠えとして知られるもので、西部劇というジャンルは、公式に二度と同じものではなくなったのである。
『ナバホ・ジョー』（1966）
え、モリコーネはセルジオ・レオーネにしか西部劇音楽を残さないと思っていたのでしょうか？ そうではありません。 この「ナバホ・ジョー」では、彼のペンネームである「レオ・ニコルズ」によって、野性味あふれるサウンドが生み出されたのでしょう。 キャッチーな鍵盤、狂気のアヴァンギャルドの味わい、ホラー（「A Silhouette Of Doom」）の性癖を先取りした認知症でクライマックスを迎える感情の高まり、一度聴いたら忘れないタイトルアンセムのように「Navajo Joe, Navajo Joeee」というメロディアスな人間のチャントによるアレンジは、マエストロのジャンルの中でも最も工夫された作品である。 また、クエンティン・タランティーノが『キル・ビル』でこのサウンドトラックの一部を再利用したことで、一般大衆にその素晴らしさを再認識させることができましたが、オリジナルを探すのが良いでしょう。
『Once Upon A Time In The West』（1968）
最も多作の年のひとつに、モリコーネはセルジオ・レオーネとのパートナーシップを続け、多くの耳にとって西洋映画で聴かれる最も豪華な音楽を作曲しました。 イタリア人歌手エダ・デッロルソは、ジャイロ時代にもモリコーネと数々の仕事をするが、彼女の声は、モリコーネの官能的なストリングスにのって、「Once Upon A Time In The West」のように天使のように響くのである。 このアルバムは全世界で1000万枚以上売れた。1000回目に「ハーモニカを持つ男」を聴くと、残る疑問は「どうしてこんなに売れなかったのだろう」ということである。 ライトモチーフは、4人の主要な登場人物を、前人未到の、何度も繰り返されるけれども、決して劣らない方法で描写しており、レオーネが俳優の気分を盛り上げるためにセットでモリコーネの音楽を流したので、二重に強く作用したのだろう。 オペラティック・ウェスタンの最も偉大な例の1つである「Once Upon A Time In The West」は、イメージとスコアの映画的結合といえば、最高峰に位置するものである。
『エスカレーション』（1968）
モリコーネの長い仕事人間の歴史の中で、風呂敷を広げておけば、赤ちゃんを放り出してもいいという事例の一つである。
この作品は、モリコーネの長い仕事中毒の歴史の中で、風呂敷を広げれば赤ん坊は捨ててもいいという事例のひとつです。つまり、ロベルト・ファエンツァ監督のイタリアのダークコメディ「エスカレーション」はあまりよくありませんが、モリコーネはこのとき全開で、音楽の喜びに満ちた忘れられないスコアを生み出しています。 ファンキーな「Dias Irae Psichedelico」（サイケデリックが正しい）とその天才的な沈黙の瞬間、そしてモリコーネのジャズのルーツを掘り下げる「Funerale Nero」のすべてのバリエーションは、あなたにダンス熱を与えてくれるでしょう。 オーケストラがLSDでトリップしているかのようなドリーミーな曲もあれば、ファンキーな曲もあり、モリコーネの音楽的網の目の広さを思い知らされます。
『一緒に遊ぼう』（1968）
『グラシエ・ジア』として知られるサルバトーレ・サンペリのデビュー作は、今やすっかり忘れ去られています。 その好例がモリコーネのバカバカしいほど楽しいサウンドトラックで、「Guerra E Pace, Pollo E Brace」で始まり、リズミカルなパーカッションと子供たちの合唱のような音の組み合わせに象徴されています。 叔母と甥の近親相姦を扱った物語で、「快楽を与える」というのがこの映画の売り文句だったが、モリコーネのアンティフォンのようなメドレーは、それを完璧に表現している。 また、「Shake Introspettivo」は、蛇のようなシンセサイザーが特徴で、リピートボタンがかつてないほど乱用されることだろう。 また、「Come Play With Me」は、モリコーネのジャイロ的な側面、特に不穏な子守唄の使い方を紹介する素晴らしい初期の作品である。
『傭兵』（1968）
セルジオ・レオーネ以外の西部劇で特筆すべきは、やはりセルジオ・コルブッチ作品で、これと、同年にコルブッチ監督が発表した他の西部劇『大停電』を選ぶ作業で数日間夜が明けないことがありました。 何度か聴き直した後、「傭兵」を選んだ。その理由は、この映画の特徴である口笛が、史上最高の口笛だからだ。 モリコーネは、長年のコラボレーターであるブルーノ・ニコライの助けを借りて、「イル・マーセナリオ」のテーマ、特にタランティーノが再利用した「ラレーナ」のバリエーションを、彼の最高の西部劇音楽のひとつに仕上げたのだ。
『シシリー家の一族』（1969）
『Once Upon A Time In America』や『The Untouchables』の前に、モリコーネはHenri Verneuil監督の『Sicilian Clan』でメロディック犯罪映画への彼の巧妙な傾倒を刻印しています。 この映画は、モリコーネの最もよく知られた作品の1つで、おそらく威圧的な3人の広告塔からインスピレーションを得たのだろう。 アラン・ドロン、ジャン・ギャバン、リノ・ヴァンチュラ。 しかし、間奏の優雅なジャズ（「スナックバー」）だけで、「シシリアン・クラン」の独特の音楽は、「Tema Per Le Gofi」のような落ち着かないテンポの曲や、もちろん、官能的なノスタルジーと電気的なクールさが漂うメイン・オスティナートで繁栄しています。
“Burn!”です。 (1969)
イタリア語の「Queimada」という名前でも、素晴らしく的を射た英語のタイトルでも、このジロ・ポンテコーヴォの映画が、より素晴らしいマーロン・ブランドの演技以外に持っているのは、エンニオ・モリコーネの最も感情移入できるサウンドトラックだということを知っているはずです。 冒頭の “アボリソン、アボリソン！”のカントは、モリコーネの革命的な自由精神を音楽化する素晴らしい才能を思い起こさせるもので、音量が大きくなればなるほど、より強く身の毛がよだつ。 この時期の指揮のほとんどがそうだが、モリコーネは映画のエッセンスを音符、ハーモニー、アレンジで表現している。 彼の「ホセ・ドロレス」のテーマは、シンプルな和音が深遠なものへと導かれている最良の例のひとつである。
『The Bird With The Crystal Plumage』（1970）
70年代初頭、イタリア映画のスクリーンはジャイロホラーに染まり始め、不気味な隣人の磁器人形コレクションほど、人々の想像に脅威を注入するものはなかったのでしょう。 この時期、年間12～13曲という驚異的なペースで作品を発表していたのが、イタリアで最も有名な映画音楽家である。 モリコーネがこのジャンルに忘れがたい貢献をした最初の作品は、ダリオ・アルジェントのデビュー作（そして彼の最高傑作のひとつ）『The Bird With The Crystal Plumage』であった。 また、「ローズマリーの赤ちゃん」でコメダが作曲した子守唄に触発されたのか、アルジェントのために不気味なラララ童謡を作曲し、偏執的なトランペットと木琴をちりばめ、悪意を持った誰かがすぐ後ろに立っているという感覚を結晶化させたのである。
“Investigation Of A Citizen Above Suspicion” (1970)
トリッキーで巧妙、少し変態で永遠に疑いの上につま先立ちのエリオ・ペトリのアカデミー賞風刺のためのモリコーネの音楽は彼の最も感染性のメロディの一つである。 「マンドリンやジュウタンを典型的なオーケストラ楽器と組み合わせることで、悪魔のような楽しさを表現している。 シンセサイザーの音色を自在に操り、超自然的な耳で音楽のフックを抽出するモリコーネの前衛芸術家としての試みは、彼のライブコンサートでも頻繁に聴かれ、最も人気のある曲のひとつとなっています。
『Maddalena』（1971）
モリコーネは70年代前半に地獄のような音楽を提供しており、しばしば彼の音楽の威容は、それを作曲した実際の映画より数年先を行っていたのです。 このことは、Jerzy Kawalerowiczの『Maddalena』ほど明白である。この作品は、愛を求める女性が神父に愛を見出すという、投げやりな作品である。 もう40年以上も前のことだから、この作品から生まれた本当に素晴らしいものは、モリコーネの雄弁でシンフォニックなスコアだけだと認めてもいい。 エッダ・デッロルソと組み、9分のオープニング「Come Maddalena」を作曲し、「Chi Mai」（これは後にBBCの「The Life And Times Of David Lloyd George」でさらに普及する）を作曲したモリコーネは、ジャズ、コーラス賛歌、無限に響くポリフォニーの彼特有のフュージョンで、おそらく彼の最も輝かしい1年間を飾ったのである。
『女陰の蜥蜴』（1971）
モリコーネのギアロ音楽『女陰の蜥蜴』はバロック調で、パラノイアが中心となっています。 ジャズ、ファンク、チャーチ・オルガン、ウィンドパイプ、ホイッスル、そしてエダ・デッロルソの歌声が美しい不協和音を奏でる。 これらはモリコーネの作品に共通する要素だが、彼の外科的なアレンジによって、限りなく新鮮で魅惑的なものに感じられる。 また、”La Lucertola “のフルート、”Notte di giorno “のサーフギター、”Spiriti “のFulciのウサギの穴への夢想的転落、これは、あなたのステレオが本当に、本当に、音楽の趣味の良い悪魔に取り憑かれていると思わせるモリコーネのスコアである。
“Cold Eyes Of Fear” (1971)
モリコーネの最もアバンギャルドな面、デヴィッド・リンチの映画で最も不協和音がバディー・ホリーのように聞こえる面、そんな気分なら「恐怖の瞳」以外にはないでしょう。” エンツォ・カステラーリ監督のスリラー映画は、当時の他のジャイロ作品と比較すると、その完成度は低い。しかし、マエストロが手がけたこのメランコリックでアシッドジャジーなサウンドトラックは、何時間でもあなたの肌を這わせ、ピンと張らせ、チェロとトランペットは、これから起こる多くの悪夢に再び登場させることだろう。 モリコーネのスコアの中で最もわざとらしく不調和な「Cold Eyes Of Fear」は、音とチャイムによって映画の奈落を見つめているようだ。 また、この曲は作曲家のキャリアの中でもハイライトとなるジャロ・アレンジで、Gruppo di Improvisazione Nuova Consonanzaで前衛的な即興演奏をしていた初期の頃をはっきりと思い起こさせるものである。
「キャット・オー・ナイン・テイルズ」（1971）
「恐怖の冷めた目」とは対照的に、モリコーネが作曲したのが「キャット・オー・ナイン・テイルズ」である。ダリオ・アルジェント監督の2作目は、メインテーマ「Ninna Nanna」に代表されるように、ソウルフルで美しいハーモニーに満ちており、ここでもデッルソの歌唱力が高い催眠効果を発揮している。 恐怖心を煽る「パラノイア・プリマ」は、タランティーノが「キル・ビル Vol.1」で再利用しているのでお分かりだろう。その他のスコアには、重低音のチェロの音や、千の暗い絵を描くようなバックグラウンドノイズが散見される。
『ダック、ユー・サッカー！』。 (1971)
71年の彼がジャイロ一辺倒だったかというと、そうではありません。
しかし、71年の彼はジャイロ一辺倒だったわけではありません。 その中には、セルジオ・レオーネ監督の西部劇、「ダック、ユー・サッカー！」の名作も含まれていました。 (別名「A Fistful of Dynamite」)である。 この作品は、モリコーネのレオーネ・スコアの中で最も気まぐれな作品といえるだろう。コミカルとオペラの融合は、映画の「メインテーマ」ですぐにわかるように、忘れがたい驚きを与えてくれる。 この曲は、映画のメインテーマで聴くことができる。うっとりするような弦楽器の響きにつられて、映画の世界に入り込んでしまいそうだが、デッロルソのオペラティックなメゾ・ソプラノが予想外のレイヤーを加えている。 作曲者自身がQuietusのインタビューで、他のどの作品よりもこの作品を「調性音楽と前衛音楽の混合」の素晴らしい例として紹介しています。
“What Have You Done To Solange?” (ソランジュに何をした) (1972)
あぁ、あのピアノだ。 モリコーネのスコアの気概にふさわしいジャイロ映画で、エダ・デッロルソとの勝利のコラボレーションをもうひとつ加えてください。 マッシモ・ダラマーノの「ソランジュに何をした？」は、謎と本物のスリルと、ピアノ線より堅い一種のパラノイアに満ちている。 オープニングのタイトルテーマから、「Una Tromba E La Sua Notte」のジャジーな旋律、「Fragile Organetto」のカルーセルサウンドまで、このスコアも微妙にバラバラで挑発的な映画音楽で、映画を見た人にはファビオ・テスティの殺人神父とクリスティーナ・ガルボのエリザベートのイメージが瞬時に映り、見ていない人には手招きするように、この作品を求めるように呼びかけているのです。 モリコーネのスコアは、この作品では麻痺するほど素晴らしく、微妙な吹き替えの仕事を笑うことさえ許さないのである。
『リボルバー』（1973）
これはモリコーネのあまり知られていない音楽がタランティーノによって再利用された別のケースです（今回は『イングルリアス・バスターズ』）。もしあなたが「このリストに、QTが再利用したものを全部入れたのか」と思っているなら、答えはほとんどそうですが、そうしようとしたわけでもないのです。 タランティーノの音楽センスは、彼の作品やエゴの大きさをどう感じるかに関係なく、手強い。モリコーネの膨大な作品を見ていくと、タランティーノ自身が引っかかるものの方が多いのである。 しかし、セルジオ・ソッリマの『リボルバー』が「ウン・アミーコ」のような感情を揺さぶるストリングスばかりだったら、この作品は選ばれていなかったかもしれない。
『Spasmo』（1974）
このリストで取り上げるジャイロの最後である『Spasmo』は、その美しい「Bambole」「Spasmo」の動きで他から際立つ存在となっています。 1974年には、アルジェントやダラマーノとの仕事により、モリコーネは明らかにジャッロの音楽をマスターしていましたが、彼はまだウンベルト・レンツィのために、気が遠くなるような感覚の音楽を残していたのです。 シンセサイザーのメロディ、人間のハミング、管楽器のアレンジは、音楽を再生している装置（あるいは画面）を越えて、ひどくロマンチックでエモーショナルに響く。
『エクソシストⅡ／異端者』（1977）
同じ砂場で遊びながら、美しいものから完全に狂ったものまである。 「エクソシストⅡ」は、偉大なジョン・ブアマンによる貧乏人の続編で、救いようのない大失敗作です。 しかし、このリストの他のいくつかの作品と同様に、ひどい映画の背後には、時としてとてつもなく良い音楽があるものだ。 リーガンのテーマ」で素敵で美しいスタートを切った「エクソシストII」は、「パズズ」の聖歌と「リトル・アフロ・フレミッシュ・ミサ」の女性の泣き声で狂気に堕ちるまで、そう長くはかからないだろう。 この曲は、私たちが今まで聴いた中で最もクレイジーなモリコーネである。
『天国の日々』（1978）
モリコーネがアカデミー賞にノミネートされた5回のうち最初のもの（結局5回とも落選してしまいましたが、残念！）で、監督と作曲家の夢のコラボレーションの1つです。 テレンス・マリックと初めて仕事をしたモリコーネは、マリックの深いテーマ性とネストル・アルメンドロスの崇高な撮影を完璧に補完する、彼の最も偉大なアメリカン・スコアのひとつを作り出したのです。 夢のようなオープニング曲 “Aquarium “はモリコーネのオリジナルではないが、ノスタルジックな憧れに満ちた象徴的なタイトル曲、軽快なフルートの “Happiness”、風のように揺れるストリングスの “Harvest “など、美しい音色を奏でている。 映画音楽の魔法をかけたような構成になっている。 そして、ここで期待を膨らませることがある。
『シング』（1982）
この曲がラジー賞にノミネートされていることは知っていますよ？ しかし、そんなことはどうでもよくて、「シング」は時間と良識によって、エンニオ・モリコーネの最も不気味な作品の1つとして認識されるようになったからです。 ジョン・カーペンターがこの映画の音楽を担当しないことを決め、代わりにマエストロに仕事を依頼したのは有名な話だ（明らかにイタリア人のジャイロ作品のファンとしてだ）。 カーペンターはモリコーネの作品にそれほど満足しておらず、最終的に映画の中で断片的にしか使わなかったという伝説がありますが、オリジナルでリリースされたOSTにはモリコーネ自身が選曲した楽曲が収録されています。 映画の舞台である冬枯れの孤立感と、全編に漂う幻想的なサスペンスを見事に表現したモリコーネの最もムーディーなスコアのひとつを堪能してください。 ヘッドフォンをつけて、明かりを消して聴くことをおすすめします。
『Once Upon A Time In America』（1984）
21世紀の映画界の巨人であり親友である2人の最後のコラボレーションとなった『Once Upon A Time In America』はモリコーネの最高傑作にランクされています。 映画そのものと同じくらい感情的に壮大で、メインのパンフルート（特に「Childhood Memories」のオープニングを聴いてください）と「Deborah’s Theme」の象徴的な使用は、このスコアを不滅のものにしています。 レオーネは「ウエスト」と同じように、俳優を映画の雰囲気に乗せるために、撮影現場でモリコーネのスコアを演奏しており、ある意味モリコーネを共同監督にしているようなものだ。 息を呑むような映画体験のための素敵なアイデアだ。
『ミッション』（1986）
「『ミッション』で受賞すべきだったと間違いなく思っている」これは2001年のインタビューで、おそらく気難しいモリコーネがThe Guardianに語った言葉です。 そしてもちろん、この表現力豊かでオペラティックなスコアでアカデミー賞を受賞するべきだったのです。 「ガブリエルのオーボエ」は、天国とはどんな音なのかを2分少々で発見させてくれるし、「ミッション」は、永遠に記憶に残るタイトルテーマを作るという彼の感性は、過去にも現在にもないほど美しい音楽アレンジで続いている。 ローランド・ジョフィの映像があまりに強烈で、自分の音楽ではそれを表現しきれないと、モリコーネが珍しく自責の念に駆られたという話がある。 ほらね。
『アンタッチャブル』（1987）
ブライアン・デ・パルマとエンニオ・モリコーネは意気投合し、1989年の『戦火』で再びコラボレートして成功しましたが、彼らのパートナーシップが最も果実をもたらしたのが、オスカー候補になった『アンタッチャブル』のスコアなんですね。 モリコーネは1985年以降、映画音楽は控えめになり、ライブコンチェルトに専念するようになったが、このリストの残りのサウンドトラックと同様、映像に音楽をつけなければならないとき、彼はまだ本領を発揮していたのである。 アンタッチャブル」のテーマは、クレッシェンド・トランペットが鳴り響いた途端、あまりにも素晴らしく、安っぽく聞こえなくなる。
『シネマ・パラダイス』（1988）
モリコーネの名前といえば、犯罪映画、西部劇、ギャルゲーなどが有名ですが、彼が作曲しオーケストレーションした『シネマ・パラダイス』は、一歩引いてみるとこのマエストロが叩けないものがなかったと思わせる音楽なんですね。 この作品は、ジュゼッペ・トルナトーレとの最初のコラボレーションで、その後、忘れがたい音楽をいくつか生み出すことになるのだが、映画そのものと同じように、すべての作品は、映画の持つ大きな力に対する底なしの愛を反映している。
『Frantic』（1988）
ロマン・ポランスキー監督の『Frantic』は、監督の代表作を挙げる際に忘れられがちですが、私の心の中では特別な位置を占めているんですよ。 モリコーネのスコア（残念ながら2人が共演したのはこの1回だけ）を再確認したとき、ハリソン・フォード演じる惑わされた医師が体験する謎とパラノイアをすぐに思い起こしました。 この作品はマエストロの最も奥深い繊細な作品のひとつであり、巧みにムーディーで、ハイストリングな弦楽器にかき消されるようにアコーディオンの音が出たり入ったりするのが本当に素晴らしい。 この作品は、彼が70年代に習得したジャイロの感覚と、当時彼が行っていたよりクラシックなオーケストラ作品の融合であり、その結果、人が完全に没頭できる別の不思議なスコアとなったのである。
『1900年の伝説』（1998）
90年代に入る頃には、モリコーネは過去にあったような多作ではなく、彼は依然としてハリウッドの作曲家の大半を鍋を叩く子供のように見せていましたが、彼のキャリアがピークを過ぎていることは明らかです（辿れば『Once Upon A Time In America』で到達したと思われます）。 とはいえ、彼は親友ジュゼッペ・トルナトーレのために、これまで以上にクラシカルでゴージャスな音楽を制作する気になった。 ゴールデングローブ賞で2度目の受賞となった「Legend Of 1900」では、情熱的なピアノ曲と、その中心にいる音楽の天才の精神を見事にとらえた悲痛なストリングスで、まばゆいばかりの輝きを放ちました。
『マレーナ』（2000）
アカデミー賞5度目のノミネートで、有権者が名誉オスカーが面目を保つ唯一の方法と理解するまで、彼は最後の候補となった『マレーナ』は、モリコーネのキャリアにおいて秋に作曲した最高の作品です。 イタリアの小さな田舎町で官能的な女性を演じるモニカ・ベルッチの魅惑的な力を音楽的に表現する方法を見出したのである。 この映画は、青春物語であると同時に、偏狭な社会に対する社会批判でもあるが、モリコーネの音楽は、その魂と本質をさらけ出している。 この作曲家は、自分の楽器アレンジの武器を掘り起こし、陽気で、独特で、崇高なものを作り出しました。
このリストは500以上の映画音楽から抽出されたので、さらに30のエンニオ・モリコーネの音楽を追加しても、何かが足りないように感じられるでしょう。 このうち、『A Fistful Of Dollars』、伝染するほどポップな『Slalom』、『Death Rides A Horse』（これもタランティーノが引用した西部劇の傑作）、『The Five Man Army』、異色で変な『Danger.D』などは、タランティーノの作品から除外した。 また、コルブッチの『大いなる沈黙』やピエル・パオロ・パソリーニの『鷹と雀』も傑出している。
70年代では「暴力都市」「シスター・サラに二匹のラバを」「疑惑の上の女の禁断の写真」「5番目の紐」「バモス・ア・マタル、コンパニエロ」「労働者階級は天国へ行く」「誰が彼女の死を見たか」などがあり、いずれも猫の額ほども入場を逃している。 1971年の「ヴェルーシュカ」「サッコ・エ・ヴァンゼッティ」のスコアは、マニアには人気があるが、本当に良いだけに、他のどの作品にも置き換えられないと思った。 私は間違っていたのだろうか？ 教えてください！
モリコーネの80年代と90年代は、最初の20年間ほど多作ではなかったとはいえ、「白い犬」「レッドソニア」「戦争の犠牲者」「バグジー」（メインリストに含まれない唯一のアカデミー賞ノミネート作）、「ハムレット」「狼」「ロリータ」などが、メインエントリーに真剣に検討したものとして含まれているのです。