Genial. Legenda. Etichete care se uzează frecvent atunci când sunt vehiculate. Dar, în timp ce 10 noiembrie 2015 ar putea fi o marți obișnuită pentru majoritatea, astăzi se întâmplă să fie o zi excelentă pentru a onora un artist care poate pretinde pe bună dreptate la statutul de legendă. Vorbesc despre Ennio Morricone. a.k.a. Maestrul, așa cum este cunoscut și cum va fi menționat în acest articol de mai mult de o duzină de ori.
Acest maestru al aranjamentului muzical, al mixajului de sunet și al creativității avangardiste împlinește astăzi 87 de ani. Nu dă semne de încetinire – are date de turneu european marcate pentru 2016, iar mult așteptata sa primă coloană sonoră originală pentru „The Hateful Eight” al lui Quentin Tarantino este în conservă și la orizont – cele peste 500 de credite de film ale lui Morricone atestă etica sa de lucru puternică și pasiunea pentru muzica de film. Așa că am încercat să mă scufund în discografia sa și să aleg 30 dintre cele mai bune partituri cinematografice ale sale.
Morricone locuiește încă la Roma, orașul în care s-a născut și a crescut, și este cunoscut pentru faptul că vorbește doar câteva cuvinte în limba engleză. Nu poți fi mai italian decât atât, dar, așa cum spune adagiul, muzica sa este o limbă universală. El este cel mai ușor de asociat cu westernurile lui Sergio Leone, dar, după cum sperăm că va arăta această listă, gama sa muzicală se extinde mult dincolo de filmele lui Leone. „Toți sunt copiii mei… fiecare partitură pe care am făcut-o”, spune adesea, ceea ce a influențat o multitudine de artiști din toate genurile muzicale: artiști precum Yo-Yo Ma, Goldfrapp, Black Sabbath, DJ Premiere și Metallica i-au adus un omagiu lui Morricone la un moment dat sau altul. El este mai presus de orice alt compozitor de film din trecut sau din prezent, exceptându-l poate pe Bernard Herrmann, prin faptul că a revoluționat modul în care înțelegem muzica de film.
Popular pe IndieWire
Așadar, luați o sticlă bună de roșu italian și împrumutați-mi ochii și urechile în timp ce trec în revistă cele mai memorabile și mai influente piese din opera uluitoare a maestrului.
„For A Few Dollars More” (1965)
Pare nedrept să includem toate cele trei partituri din „Trilogia Dolarilor” pe această listă, mai ales dacă luăm în considerare faptul că tema de titlu de la „A Fistful of Dollars” (Un pumn de dolari) pune în umbră tot restul ca atare în mod covârșitor. Dacă aceasta ar fi fost o listă „Esențială” și nu „Best Of”, probabil că „A Fistful Of Dollars” ar fi fost în locul ei, dar eu sunt de părere că „For A Few Dollars More” este cel mai bun reprezentant al metodelor revoluționare ale lui Morricone pentru westernurile lui Leone. Pentru cântecele sale twangy jew’s-harps, riff-urile de chitară nebunește de catchy, fluierăturile iconice, clopotele, orgă de biserică și ceasul muzical de buzunar al lui El Indio (Gian Maria Volonte), care „îți transferă gândul într-un alt loc” și pictează atât de viu machiajul psihologic al personajului, „For A Few Dollars More” este la fel de iconic ca și privirea fixă a lui Clint Eastwood.
„The Battle Of Algiers” (1966)
Chiar dacă este singura partitură de pe această listă care are numele altcuiva alături de cel al lui Morricone pe generic, a omite „The Battle Of Algiers” ar fi mai mult decât o blasfemie, datorită modului în care a devenit arhetipală. Din cauza obligațiilor contractuale, regizorul Gillo Pontecorvo a trebuit să fie creditat alături de Morricone, iar pentru „Ali’s Theme”, Pontecorvo a fost cel care a venit cu cele patru note care „au devenit esența filmului” în opinia lui Morricone. Însă maestrul însuși a fost cel care le-a aranjat în partitură. Cu tot respectul pentru Pontecorvo, care a regizat o capodoperă, a lucrat sub auspiciile unui maestru aranjor, ale cărui permutări de tobe militare, corni și piane aprind flacăra eternă a independenței revoluționare a filmului.
„The Good, The Bad, And The Ugly” (1966)
Aaah-eee-aaah-eee-eee-Ahhh. Practic jingle-ul de ziua de naștere a lui Morricone, acesta este cântecul tematic al OST-ului cu totul și cu totul subversiv și bombastic al filmului lui Leone „The Good, The Bad, And The Ugly”. Primele două intrări din trilogia „Dollars” au deschis calea pentru acest nou sunet, dar nu pot decât să-mi imaginez (și să fierb de gelozie eternă) cum trebuie să fi sunat pentru urechile proaspete de la sfârșitul anilor ’60 ascultarea ritmurilor galopante, a muzicilor armonice, a trompetelor și a „Ecstasy of Gold” – dacă ar exista un laborator pentru astfel de lucruri, oamenii de știință ar dovedi că este una dintre cele mai bune piese de muzică de film compuse vreodată -. O variantă de „OMFG cum poate suna ceva atât de al naibii de tare?”, probabil. Morricone și-a urmat inima avangardistă și a folosit sunete reale „pentru a da un fel de nostalgie pe care filmul trebuia să o transmită”. În cazul filmului „The Good, The Bad, And The Ugly”, acestea au fost în principal sunete de animale, și anume ceea ce a devenit cunoscut sub numele de urlet de coiot – în mod oficial, genul western nu a mai fost niciodată la fel.
„Navajo Joe” (1966)
Ce, credeați că Morricone a lăsat cele mai bune dintre partiturile sale western doar pentru Sergio Leone? Per favore. El și-a revărsat geniul său unic peste tot pe masa de mixaj pentru un alt Sergio, în acest caz Corbucci, și poate că pseudonimul său „Leo Nichols” a fost cel care a dezlănțuit bestia care hoinărește în jurul sunetelor sălbatice din „Navajo Joe”. Clape molipsitoare, un gust de avangardă nebună, acumulări emoționale care ating punctul culminant în demență și care anticipează înclinația sa pentru horror („A Silhouette Of Doom”); aranjamentele cu melodioasele cântece umane „Navajo Joe, Navajo Joeee” – ca și imnul din titlu, o dată auzit și amintit pentru totdeauna – sunt unele dintre cele mai inventive piese ale maestrului în acest gen. Din nou, îi putem mulțumi lui Quentin Tarantino pentru că a reamintit publicului larg strălucirea din această coloană sonoră, deoarece a repurtat o parte din ea pentru „Kill Bill”, dar ar fi bine să căutați originalul.
„Once Upon A Time In The West” (1968)
În unul dintre cei mai prolifici ani ai săi, Morricone și-a continuat parteneriatul cu Sergio Leone și a compus ceea ce pentru multe urechi este cea mai superbă muzică auzită într-un film western. Cântăreața italiană Edda Dell’Orso avea să colaboreze cu Morricone la numeroase proiecte, până în faza giallo a acestuia, dar vocea ei avea să sune la fel de angelic ca în „Once Upon A Time In The West”, acompaniată de corzile senzuale ale lui Morricone. Albumul s-a vândut în peste 10 milioane de exemplare în întreaga lume, iar când asculți „The Man With The Harmonica” pentru a 1000-a oară, singura întrebare care rămâne este: cum de s-a vândut atât de puțin? Leitmotivele descriau cele patru personaje principale în moduri inedite, deseori repetate, dar niciodată îmbunătățite, ceea ce trebuie să fi funcționat de două ori mai puternic, deoarece Leone a pus muzica lui Morricone pe platou pentru a-i pune pe actori în atmosferă. Unul dintre cele mai mari exemple de western liric, „Once Upon A Time In The West” este ferm situat în cele mai înalte eșaloane atunci când vine vorba de o uniune cinematografică între imagine și partitură.
„Escalation” (1968)
Acesta este unul dintre acele cazuri din lunga istorie workaholică a lui Morricone în care este în regulă să arunci copilul afară atâta timp cât lași apa din baie. Adică, comedia neagră italiană „Escalation” a lui Roberto Faenza nu este foarte bună, dar Morricone trăgea la maxim în această perioadă, scoțând o altă partitură de neuitat, plină de bucurie muzicală pură. Printre cele mai remarcabile se numără funky-ul „Dias Irae Psichedelico” (psihedelic este corect) și genialul său moment de tăcere, precum și toate variațiile din „Funerale Nero”, în care Morricone își regăsește rădăcinile jazzistice cu trompete care vă vor da febra dansului. Amestecurile onirice sună ca și cum întreaga orchestră ar fi fost drogată cu LSD, în timp ce funkiness-ul amintește ascultătorilor cât de largă era plasa muzicală a lui Morricone.
„Come Play With Me” (1968)
Cunoscut mai bine sub numele de „Gracie Zia”, filmul de debut al lui Salvatorre Samperi este acum aproape uitat. Rămășițele sale pozitive sunt în mare parte emblematice în coloana sonoră ridicol de amuzantă a lui Morricone, care începe cu „Guerra E Pace, Pollo E Brace” și cu combinația de percuție ritmică cu ceea ce pare a fi un întreg cor de copii. „Inflictioning pleasure” făcea parte din limbajul de marketing al filmului – povestea tratează o relație incestuoasă între o mătușă și nepotul ei – ceea ce descrie perfect medalionul principal al lui Morricone, asemănător unei antifoane. Și așteptați să vă delectați urechile cu „Shake Introspettivo”; cu sintetizatorul său asemănător unui șarpe, butonul de repetare va fi abuzat ca niciodată. „Come Play With Me” este, de asemenea, o introducere timpurie fantastică în latura giallo a lui Morricone, în special prin utilizarea cântecelor de leagăn tulburătoare.
„The Mercenary” (1968)
Al doilea western non-Sergio Leone care trebuie menționat este un alt film de Sergio Corbucci, iar sarcina de a alege între acesta și „The Great Silence”, celălalt western al lui Corbucci lansat în același an, m-a ținut treaz câteva nopți. După câteva ascultări complete, am optat pentru „The Mercenary”, mai ales pentru că fluierul său caracteristic este cel mai bun fluier din toate timpurile. Cu ajutorul colaboratorului de lungă durată Bruno Nicolai, Morricone a transformat tema „Il Mercenario” – în special variația sonoră „L’Arena” pe care Tarantino a repurtat-o – într-una dintre cele mai mari compoziții western ale sale. Încercați doar să ascultați acea chitară romantică și melancolică din „Liberta” fără să vi se facă pielea de găină.
„Clanul sicilian” (1969)
Înainte de „Once Upon A Time In America” și „The Untouchables”, Morricone și-a imprimat în „Clanul sicilian”, de Henri Verneuil, înclinația sa ingenioasă pentru filmele polițiste melodioase. Filmul care a inspirat una dintre cele mai recognoscibile piese ale lui Morricone, cel mai probabil din cauza trioului său intimidant de postere suave: Alain Delon, Jean Gabin și Lino Ventura. Șuierăturile și fluierăturile evreiești îmbină acest film polițist cu atmosfera unuia dintre filmele western ale lui Morricone, dar cu doar niște jazz grațios („Snack Bar”) servind drept interludiu, muzica inimitabilă pentru „Clanul sicilian” prosperă în piese cu ritmuri neliniștitoare precum „Tema Per Le Gofi” și, bineînțeles, ostinato-ul principal care picură cu nostalgie senzuală și răcoare electrică. Imposibil să nu fredonezi ore în șir după ce o asculți.
„Arde!” (1969)
Pe lângă una dintre cele mai incredibile interpretări ale lui Marlon Brando, fie că îl cunoașteți după numele său italian, „Queimada”, fie după titlul său englezesc minunat de la obiect, știți că ceea ce are acest film al lui Gillo Pontecorvo, pe lângă una dintre cele mai incredibile interpretări ale lui Marlon Brando, este cea mai emoționantă coloană sonoră a lui Ennio Morricone. Cântecul de deschidere „Abolisson, abolisson!” aduce în minte spiritul liber revoluționar pe care Morricone avea un talent incredibil de a-l transpune în muzică – cu cât crește mai tare, cu atât mai emfatic ți se ridică părul. Ca în aproape tot ceea ce a dirijat în această perioadă, Morricone a capturat esența unui film în note, armonii și aranjamente. Tema sa „Jose Dolores” este unul dintre cele mai bune exemple de acorduri simple conduse în ceva cu totul profund.
„The Bird With The Crystal Plumage” (1970)
La începutul anilor ’70, ecranele cinematografelor italiene au început să sângereze horror giallo, și cine era acolo pentru a injecta mai amenințător spaima în imaginația oamenilor decât colecția de păpuși de porțelan a vecinului tău înfiorător? Doar cel mai omniprezent compozitor italian de film, omul care lucra la un ritm uluitor de 12-13 partituri pe an în această perioadă. Prima dintre contribuțiile de neuitat ale lui Morricone la acest gen a venit pentru filmul de debut al lui Dario Argento (și unul dintre cele mai bune ale sale) „The Bird With The Crystal Plumage”. Mai mult ca sigur, Morricone a fost inspirat de compoziția de cântec de leagăn a lui Krzysztof Komeda din „Rosemary’s Baby” atunci când a realizat pentru Argento propriul său cântec de leagăn la-la-la-la sinistru de sublim, presărat cu trompete și xilofoane paranoice, cristalizând senzația că cineva cu intenții malefice se află chiar în spatele tău.
„Investigation Of A Citizen Above Suspicion” (1970)
Tricioasă, șmecheră, ușor perversă și veșnic pe vârful picioarelor deasupra suspiciunii, partitura lui Morricone pentru satira lui Elio Petri, premiată cu Oscar, este una dintre cele mai contagioase melodii ale sale. „A trebuit să scriu un fel de muzică pentru grotesc, cu un aer folcloric”, explică Morricone în acest reportaj Criterion, iar combinațiile sale de mandolină și harfă de evreu cu instrumentele orchestrale tipice sunt de neegalat în ceea ce privește insuflarea unui sentiment de distracție diabolică. Întotdeauna artistul avangardist și experimentat care a fost în această perioadă de vârf a carierei sale timpurii, creativitatea lui Morricone cu sunetele de sintetizator și urechea sa supranaturală pentru a desprinde crochiuri muzicale fac din „Investigation Of A Citizen Above Suspicion” una dintre cele mai populare melodii ale sale, care se aude frecvent în concertele sale live.
„Maddalena” (1971)
Morricone servea partituri ca un liliac din iad la începutul anilor ’70, astfel încât, de multe ori, măreția muzicii sale era cu ani lumină înaintea filmului propriu-zis pentru care o compunea. Acest lucru nu este niciodată mai evident decât în cazul filmului „Maddalena” al lui Jerzy Kawalerowicz, un film de aruncat la gunoi despre o femeie care caută dragostea și o găsește la un preot. Au trecut mai bine de 40 de ani, așa că este în regulă să recunoaștem că singurul lucru cu adevărat grozav care a ieșit din toată afacerea este partitura elocventă și simfonică a lui Morricone. Reunindu-se cu Edda Dell’Orso pentru glorioasa piesă de deschidere de 9 minute „Come Maddalena” și compunând „Chi Mai” (care mai târziu avea să fie popularizată și mai mult de BBC în „The Life And Times Of David Lloyd George”), Morricone a punctat ceea ce este poate cel mai prolific an al său cu fuziunea sa caracteristică de jazz, imnuri corale și polifonii cu rezonanță infinită.
„Lizard In A Woman’s Skin” (1971)
Paranoia este centrală în nuanțele baroce care impregnează partitura giallo a lui Morricone pentru „Lizard In A Woman’s Skin”, care a fost reeditată anul trecut de casa de discuri Death Waltz cu un design de copertă uimitor corespunzător. Acest coșmar cinematografic al lui Lucio Fulci a inspirat una dintre cele mai grandioase compoziții ale lui Morricone; o frumoasă cacofonie de jazz, funk, orgi de biserică, cimpoaie, fluiere, fluierături și vocea lui Edda Dell’Orso. Acestea sunt elemente care au făcut parte integrantă din atât de multe partituri ale lui Morricone dinaintea ei, însă, prin aranjamentul său chirurgical, se simt inepuizabil de proaspete și seducătoare. Fie că este vorba de flautele din „La Lucertola”, de chitara surf din „Notte di giorno” sau de plonjarea visătoare în vizuina de iepure a lui Fulci din „Spiriti”, aceasta este o altă partitură a lui Morricone care te va face să crezi că stereo-ul tău este posedat de un demon care are un gust muzical foarte, foarte, foarte bun.
„Cold Eyes Of Fear” (1971)
Dacă aveți chef de partea cea mai avangardistă a lui Morricone, partea care face ca cele mai disonante sunete dintr-un film de David Lynch să sune ca Buddy Holly, nu căutați mai departe de „Cold Eyes Of Fear”.” Thriller-ul lui Enzo Castellari nu se compară cu celelalte giallos ale vremii sale, dar această coloană sonoră mercurială, acid-jazzy a maestrului se va strecura sub pielea ta și te va face să mergi pe ace și pe ace ore în șir, iar acordurile de violoncel și trompetele se vor repeta în multe coșmaruri viitoare. Fără îndoială cea mai intenționat dizarmonioasă dintre partiturile lui Morricone, „Cold Eyes Of Fear” este o privire în abisul cinematografic prin intermediul sunetelor și al clopotelor. Este, de asemenea, unul dintre cele mai importante momente din cariera compozitorului în aranjamentul giallo, amintind în mod crud de primele sale zile ca improvizator de avangardă în Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza.
„Cat O’ Nine Tales” (1971)
În contrast direct cu „Cold Eyes Of Fear”, compozițiile lui Morricone pentru „Cat O’ Nine Tails,”, al doilea film al lui Dario Argento, sunt pline de armonii frumoase, aproape sufletești, caracterizate de tema principală „Ninna Nanna”, în care se folosește din nou de măiestria vocală a lui Dell’Orso cu efecte extrem de hipnotice. Veți recunoaște probabil piesa „Paranoia Prima”, care induce frica, deoarece a fost reapropiata de Tarantino în „Kill Bill Vol. 1”, în timp ce restul partiturii este presărată cu note grave de violoncel și cu genul de zgomot de fond care pictează o mie de imagini întunecate. Până în acest moment – și nu, nu, nu este o greșeală de tipar, suntem încă în 1971 – era clar că Morricone nu numai că stăpânea și deținea genul western, dar și sunetele primordiale ale filmelor slasher italiene.
„Duck, You Sucker!” (1971)
Nu e ca și cum ar fi fost numai despre giallos în ’71, totuși. Morricone se ocupa de tot ceea ce putea încadra în programul său ridicol de condensat. Aceasta a inclus o altă partitură virtuoasă pentru un western al lui Sergio Leone, în acest caz „Duck, You Sucker!”. (a.k.a. „A Fistful of Dynamite”). S-ar putea foarte bine să fie cea mai capricioasă dintre partiturile lui Morricone pentru Leone, amestecul său de neuitat de comedie și operă făcând minuni, așa cum se aude imediat în „Tema principală” a filmului. Corzile înduioșătoare care preiau controlul la un moment dat te poartă în lumea magică a filmelor, înainte ca mezzo-soprana lirică a lui Dell’Orso să adauge un strat neașteptat. Însuși compozitorul a descris acest film într-un interviu Quietus, mai presus de orice alt film, ca fiind un mare exemplu al „amestecului său de muzică tonală și muzică de avangardă”.”
„What Have You Done To Solange?” (1972)
Ahhh, acel pian. Adăugați încă o colaborare câștigătoare cu Edda Dell’Orso într-un film giallo care valorează cât o partitură de Morricone. „What Have You Done To Solange?” al lui Massimo Dallamano este îmbibat de mister, de fiori autentici și de un fel de paranoia care este mai strânsă decât o coardă de pian. De la tema de deschidere a titlului, trecând prin mediile jazzy din „Una Tromba E La Sua Notte” și prin sunetele de carusel din „Fragile Organetto”, partitura este o altă piesă de muzică de film subtil dezarticulată și provocatoare, care va proiecta instantaneu imagini cu preotul ucigaș al lui Fabio Testi și cu Elizabeth a Cristinei Galbo pentru cei care au văzut filmul, în timp ce îi va îndemna pe cei care nu au văzut-o să o caute. Partitura lui Morricone este atât de paralizant de bună aici, încât nici măcar nu-ți permite să râzi de munca de dublaj lipsită de subtilitate.
„Revolver” (1973)
Acesta este un alt caz în care muzica mai puțin cunoscută a lui Morricone a fost repovestită de Tarantino (de data aceasta în „Inglourious Basterds”) și dacă te gândești: „Tocmai ai inclus tot ce a repovestit QT pe această listă?”, răspunsul este aproape, dar nu pentru că mi-am propus să fac asta. Gustul lui Tarantino în materie de muzică este formidabil, indiferent ce părere ai despre munca sa sau despre mărimea ego-ului său, iar în timp ce parcurgeam vasta producție a lui Morricone, lucrurile care ies în evidență sunt, de cele mai multe ori, cele care au ieșit în evidență pentru Tarantino însuși. Cu toate că, dacă „Revolver” al lui Sergio Sollima s-ar fi rezumat doar la corzile emoționante ale piesei „Un Amico”, sunt șanse mari să nu fi intrat în selecție. Piesa de titlu de 12 minute are o dinamică remarcabilă, cu claxoanele sale stratificate, iar „Quasi Vivaldi” este un mic ghiont plăcut către celebrul compozitor.
„Spasmo” (1974)
Ultimul dintre giallos care figurează pe această listă, „Spasmo” se distinge de restul cu frumoasele sale mișcări „Bambole” și „Spasmo”. Până în 1974, Morricone stăpânea în mod evident partiturile giallo, datorită lucrului său cu Argento și Dallamano, dar mai avea încă o partitură uluitor de senzațională în el pentru Umberto Lenzi. Îngrozitor de romantice și emoționale, aranjamentele de melodii de sintetizator, fredonări umane și instrumente de suflat rezonează mult dincolo de dispozitivul care redă muzica (sau, de fapt, de ecran). Îmbinând fantasticul cu realul, așa cum este tradiția giallo, amestecul de sintetizat și natural din partitura lui Morricone trece în prim-plan în „Spasmo”, probabil una dintre cele mai frumoase partituri compuse vreodată pentru un film de groază.
„Exorcistul II: Ereticul” (1977)
De la frumos la absolut demențial, în timp ce se joacă în aceeași cutie de nisip. „Exorcistul II” este un dezastru fără margini al unui film, o continuare a unui om sărac realizată de John Boorman, de altfel marele John Boorman. Dar, ca și în cazul altor câtorva de pe această listă, în spatele unui film teribil se află uneori o coloană sonoră extraordinar de bună, ceea ce Morricone, mai presus de orice alt compozitor de film, a dovedit de nenumărate ori, cu exemple strălucitoare ca acesta. Începând frumos și frumos cu „Regan’s Theme”, nu trece mult timp până când „Exorcist II” degenerează în nebunie cu scandările lui „Pazuz”‘ și cu jalea feminină din „Little Afro-Flemish Mass”. Odată ce ajungi la nebuna „Magic And Ecstasy”, te lovește: aceasta este cea mai nebună versiune pe care am auzit-o vreodată la Morricone. Și este uimitor.
„Days Of Heaven” (1978)
Prima dintre cele cinci nominalizări ale lui Morricone la Premiile Oscar (pe care va sfârși prin a le pierde pe toate cinci: ce rușine!), „Days Of Heaven” este una dintre acele colaborări de vis între regizor și compozitor. Lucrând pentru prima dată cu Terrence Malick, Morricone a produs una dintre cele mai mari partituri americane ale sale, una care complimentează perfect tendințele tematice profund simțite ale lui Malick și cinematografia sublimă a lui Nestor Almendros. Începutul visător „Aquarium” nu este un original al lui Morricone, dar dă tonul în mod minunat pentru piesa emblematică din titlu, plină de nostalgie, pentru flautele legănate din „Happiness” și pentru legănarea ca vântul a corzilor din „Harvest”. Toate acestea creează o compoziție care este o magie a muzicii de film. Și iată ceva pentru a vă hrăni anticiparea: Morricone și Malick urmează să facă din nou echipă pentru mult-așteptatul documentar al regizorului „Voyage Of Time”.
„The Thing” (1982)
Știu că această partitură a fost nominalizată la Razzie, bine? Dar la naiba cu asta, pentru că „The Thing” a ajuns, prin timp și bun simț, să fie recunoscută ca fiind una dintre cele mai sinistre piese ale lui Ennio Morricone. John Carpenter a decis în mod faimos să nu compună el însuși coloana sonoră a acestui film, comandându-i în schimb această sarcină maestrului (în mod evident, fiind un fan al operelor giallo ale italianului). Deși legenda spune că Carpenter nu a fost atât de mulțumit de munca lui Morricone, folosind doar fragmente din ea în filmul final, coloana sonoră lansată inițial conține piese selectate de Morricone însuși. Eliberați-vă mintea de zgomotul de fond din jurul lansării și bucurați-vă de una dintre cele mai mohorâte partituri ale lui Morricone, care evocă minunat izolarea iernată a decorului filmului și suspansul fantasmagoric predominant pe tot parcursul acestuia. Recomandat cu căștile pe urechi și luminile stinse.
„Once Upon A Time In America” (1984)
Ce a sfârșit prin a fi ultima colaborare între doi giganți ai cinematografiei secolului XXI și prieteni dragi, „Once Upon A Time In America” se află foarte sus în topul celor mai mari hituri ale lui Morricone. Este unul dintre puținele exemple în care poți asculta la întâmplare orice piesă și aceasta va fi instantaneu recunoscută ca fiind muzica creată de Morricone pentru capodopera lui Leone; la fel de epică din punct de vedere emoțional ca și filmul în sine, utilizarea iconică a flautului de pan principal (ascultă deschiderea piesei „Childhood Memories” pentru un exemplu deosebit de pătrunzător) și „Deborah’s Theme” sunt cele care imortalizează partitura. La fel cum a făcut cu „West”, Leone a interpretat partitura lui Morricone pe platoul de filmare pentru a-i face pe actori să intre în atmosfera filmului, ceea ce îl face pe Morricone un fel de co-regizor. Un gând minunat pentru o experiență cinematografică uluitoare.
„The Mission” (1986)
„Cu siguranță am simțit că ar fi trebuit să câștig pentru ‘The Mission'”, este ceea ce un Morricone, probabil irascibil, a declarat pentru The Guardian într-un interviu din 2001. Și, bineînțeles că ar fi trebuit să câștige Oscarul pentru această partitură expresivă și lirică. „Gabriel’s Oboe” este o descoperire de 2 minute și ceva despre cum trebuie să sune cerul, în timp ce sensibilitatea sa de a crea teme de titlu veșnic memorabile continuă cu „The Mission”, un aranjament muzical la fel de frumos cum a făcut vreodată înainte sau după aceea. Povestea spune că, într-un rar moment de îndoială, Morricone a găsit imaginile lui Roland Joffe prea puternice și că a crezut că muzica sa nu le-ar face dreptate. Vedeți? Chiar și geniile se pot înșela.
„The Untouchables” (1987)
Brian De Palma și Ennio Morricone s-au înțeles de minune și au colaborat din nou cu succes pentru „Casualties Of War” în 1989, dar partitura nominalizată la Oscar pentru „The Untouchables” este cea care a dat cele mai suculente roade din parteneriatul lor. Morricone a început să încetinească ritmul cu partiturile de film după 1985, concentrându-se în schimb pe concerte live, dar, ca și în cazul celorlalte coloane sonore de pe listă, era încă în elementul său atunci când trebuia să adauge muzică de acompaniament la o imagine în mișcare. Tema emoționantă și victorioasă a filmului „Untouchables” sună al naibii de bine, odată ce trompetele în crescendo lovesc, pentru a fi vreodată ieftin, în timp ce tema „Al Capone’s” se potrivește ca o mănușă interpretării comice geniale a lui Robert De Niro.
„Cinema Paradiso” (1988)
Numele lui Morricone este asociat mai ales cu filme polițiste epice, western-uri și giallos, dar partituri precum cea pe care a compus-o și orchestrat-o pentru „Cinema Paradiso” ne fac să facem un pas înapoi și să ne dăm seama că, de fapt, nu a existat nimic la care acest maestru să nu-și poată învârti bagheta. A fost prima sa partitură pentru Giuseppe Tornatore, un parteneriat de colaborare care avea să dea naștere la alte câteva partituri de neuitat și, la fel ca filmul în sine, toate piesele sunt o reflectare a unei iubiri nemărginite pentru puterile copleșitoare ale cinematografiei în sine. Permutările de coarde care învăluie ascultătorul cu o căldură cuprinzătoare, așa cum se aude în „Title Theme” și „Love Theme”, vă vor uimi până la tăcere.
„Frantic” (1988)
„Frantic” al lui Roman Polanski este adesea uitat atunci când se enumeră cele mai mari filme ale regizorului, dar deține un loc special în inima mea. Când am revăzut partitura lui Morricone (din păcate, singura dată când cei doi au lucrat împreună), mi-am amintit imediat de misterul și paranoia trăite de doctorul păcălit al lui Harrison Ford. Este una dintre cele mai profund subtile lucrări ale maestrului: este expert în melancolie, cu o utilizare absolut incredibilă a sunetelor de acordeon care intră și ies, înecate de corzile înalte. Este o fuziune a sensibilității giallo pe care o stăpânea în anii ’70 cu lucrările orchestrale mai clasice pe care le făcea la acea vreme, iar rezultatul este o altă partitură minunată în care te poți pierde complet.
„Legend Of 1900” (1998)
În momentul în care au început anii ’90, Morricone nu mai era nici pe departe la fel de prolific ca în trecut și, deși încă îi făcea pe majoritatea compozitorilor de la Hollywood să arate ca niște copii care bat în oale și tigăi, este clar că apogeul carierei sale a rămas în urmă (probabil atins, dacă ar fi să îl urmărim, în „Once Upon A Time In America”). Acestea fiind spuse, a fost totuși inspirat să producă câteva piese muzicale superbe, mai clasice ca niciodată, pentru bunul său prieten Giuseppe Tornatore. Pentru „Legenda anului 1900”, cel de-al doilea Globul de Aur pe care l-a câștigat, a uimit cu compoziții pasionale pentru pian și corzi vai de ele, care au surprins minunat spiritul prodigiosului muzician din centrul său.
„Malena” (2000)
Cea de-a cincea și ultima sa nominalizare la Oscar înainte ca alegătorii să realizeze că un Oscar onorific era singura modalitate de a salva aparențele, „Malena” este cea mai mare lucrare pe care Morricone a compus-o în partea de toamnă a carierei sale. El a găsit o modalitate de a descrie muzical puterea de seducție a Monicăi Bellucci, care joacă rolul unei femei senzuale într-un mic oraș italian înapoiat. Rollercoasterul emoțional care este filmul – deopotrivă o poveste despre maturizare și un comentariu social despre intoleranța comunităților cu vederi înguste – își dezvăluie sufletul și esența în muzica lui Morricone. Compozitorul scormonește în arsenalul său de aranjamente instrumentale și creează ceva jovial, inimitabil și sublim.
Din moment ce această listă a fost smulsă din peste 500 de compoziții de film, pot fi cu ușurință adăugate alte 30 de partituri ale lui Ennio Morricone și tot s-ar simți că lipsește ceva. Oricât de mult aș încerca să fac dreptate având în vedere producția sa furibundă, a fost cu o inimă incredibil de grea că a trebuit să exclud unele dintre lucrările sale din anii ’60 și ’70, o perioadă în care nu a greșit prea mult. Dintre acestea, „A Fistful Of Dollars”, „Slalom”, „Death Rides A Horse” (o altă bijuterie western din care Tarantino a împrumutat), „The Five Man Army”, „The Five Man Army”, „Danger”, un film ciudat și ciudat: Diabolik”, „The Great Silence” al lui Corbucci și „The Hawks And The Sparrows” al lui Pier Paolo Pasolini ies în evidență.
În anii ’70, există „Orașul violent”, „Doi catâri pentru sora Sara”, „Fotografiile interzise ale unei doamne mai presus de orice suspiciune”, „A cincea coardă”, „Vamos a Matar, Compañeros”, „Clasa muncitoare merge în rai” și „Cine a văzut-o murind?”, care au ratat intrarea la mustață de pisică. Partiturile sale din 1971 pentru „Veruschka” și „Sacco e Vanzetti” sunt foarte populare în rândul celor care nu se lasă păcăliți, dar, oricât de bune ar fi ele, am constatat că nu le-aș putea înlocui cu niciunul dintre celelalte. M-am înșelat? Spuneți-mi voi!
Anii ’80 și ’90 ai lui Morricone, deși nu sunt nici pe departe la fel de prolifici ca primele două decenii, încă mai au „White Dog”, „Red Sonja”, „Casualties of War”, „Bugsy” (singura nominalizare la Oscar care nu a fost inclusă în lista principală), „Hamlet”, „Wolf” și „Lolita” ca unele dintre lucrurile care au fost luate în considerare în mod serios pentru intrarea în lista principală.