Ponto Espiral, Utah, 11/95Robert Smithson, Pontão Espiral, 1970. Instalação a longo prazo em Rozel Point, Condado de Box Elder, Utah. Coleção Dia Art Foundation, Nova York. Foto: Nancy Holt, 1995.Quando os artistas que foram pioneiros no que agora chamamos de Land art foram para além dos museus e galerias para o grande exterior, eles entraram num mundo livre de limitações e cheio de materiais terrosos para usar. No lugar das paredes brancas que se erguiam ao seu redor eram vastas extensões de espaço e linhas de horizonte para sempre, e em vez de coisas como epóxi e tinta, eles se voltaram para ferramentas como pedras e sujeira.
Embora a linhagem remonte a séculos e até milênios, o auge da Land art como movimento se situa mais diretamente nos anos 60 e 70, quando os artistas se aventuraram pelos desertos no Oeste americano e começaram a desenhar linhas e esculpir na terra. Parte da motivação era trabalhar fora dos limites de um mercado de arte cada vez mais comercializado, para fazer obras cada vez mais enigmáticas que não podiam ser mercantilizadas como objetos. Mas o espírito por trás de projetos ambiciosos variou – tudo com uma apreciação pela contemplatividade de longos períodos de tempo e um senso vital de aventura.
Below são 15 obras que ajudam a contar a história da Land art como ela se expandiu e evoluiu.
Robert Smithson, Spiral Jetty (1970)
O mais icónico dos grandes trabalhos de terra dos anos 70, Spiral Jetty (foto acima) é um vórtice de 1.500 pés construído com mais de 6.000 toneladas de rochas basálticas a girar no Great Salt Lake do Utah. Robert Smithson ficou intrigado com o lago desde que lhe disseram que certas águas infestadas de organismos nele poderiam ser, como ele escreveu, “a cor da sopa de tomate”, e entre seus muitos interesses na própria escultura estava brincando com o senso de escala. “O tamanho determina um objeto, mas a escala determina a arte”, escreveu ele. “Uma fenda na parede, se vista em termos de escala, não de tamanho, poderia ser chamada de Grand Canyon. Uma sala poderia ser feita para assumir a imensidão do sistema solar.” Ao longo das décadas, a estrutura tem vindo e desaparecido, mudando através de estados de submersão ou descansando em terra firme à medida que o próprio lago se expande e se contrai. Mas ela permanece no lugar e está aberta para visitas, a cerca de duas horas de carro de Salt Lake City.
p>Michelle Stuart, Niagara Gorge Path Relocated (1975)
Monumental mas fugaz – como muita Land art que existe agora apenas no registo histórico – o Niagara Gorge Path Relocated, deichelle Stuart, era um rolo de papel de 460 pés de comprimento descendo por um desfiladeiro que tinha sido, segundo uma descrição no livro de Stuart Sculptural Objects: Journeys In & Out of the Studio, “a localização original das Cataratas do Niágara na época da última geleira, há aproximadamente 12.000 anos.” Esse local original é agora Lewiston, Nova Iorque – a sete milhas da atual localização das Cataratas e, nos anos 70, a casa do Artpark, um local importante para a arte Land que apresentava obras de outros artistas, incluindo Agnes Denes e Nancy Holt, bem como uma residência em memória de Robert Smithson (após sua morte em um acidente de avião em 1973, enquanto trabalhava em outro projeto de arte Land no Texas).
Michael Heizer, Circular Surface Planar Displacement Drawing (1970)
Some people draw with pencils. Outros – como Michael Heizer, no auge do seu belo e colorido cowboy selvagem, desenham com os pneus de uma motocicleta em velocidade através de um lakebed seco do deserto. Essa foi a sua ferramenta de eleição para o Desenho de Deslocamento Planar de Superfície Circular, uma série de linhas inscritas na terra em círculos de cerca de 900 por 500 pés. O desenho se dissipou com o tempo, mas a lenda de que ele continua a fazer vida no legado de um artista cujo passado ciclístico é bem crônico. Como disse Heizer sobre sua infância em um perfil do New York Times Magazine em 2005: “Eu não tinha muitos amigos. Eu não era um cara de esporte, um jogador de equipe”. O único esporte que eu gostava quando cresci era andar de motocicleta, e você faz isso sozinho”
p>Walter De Maria, Yellow Painting/The Color Men Choose When They Attack the Earth (1968)
Uma curiosa inclusão numa importante exposição inicial “Earthworks” na Dwan Gallery em Nova York, Walter De Maria’s Painting (como era originalmente intitulada, antes de uma alteração posterior) apresenta uma pequena placa prateada com as palavras “The Color Men Choose When They Attack the Earth” no meio de uma grande tela pintada de amarelo brilhante. Contribuir com uma pintura para uma exposição de arte da Terra foi um movimento impassível (“um ato de ostentação contrária”, como Suzaan Boettger escreveu em seu livro Earthworks: Art and the Landscape of the Sixties), e sua cor evocava o tom familiar dos tratores e máquinas da marca Caterpillar usados para fazer incursões no mundo natural.
Maya Lin, Storm King Wavefield (2007-08)
Um campo ondulante de ondas que seriam aquáticas feitas com terra e grama é uma visão surreal no Storm King Art Center no estado de Nova York, onde 500 acres de idyll Hudson River Valley são dedicados a enormes esculturas de diferentes tipos. O trabalho relaciona-se com dois outros campos de ondas semelhantes (em Ann Arbor, Michigan, e Miami, Florida), mas este é o maior – com sete ondas que se estendem de lado a lado e se elevam em formas entre 10 e 15 pés de altura. O efeito de caminhar entre eles – montando-os, por assim dizer – é magnífico.
Andy Goldsworthy, Kelp jogado em um céu cinza, nublado, Drakes Beach, Califórnia (2013)
Andy Goldsworthy tem feito um grande trabalho ao ar livre (como Maya Lin, acima, ele tem uma incrível parede de pedra no Storm King Art Center, que serpenteia ao redor das árvores e até se estende sob uma lagoa). Mas há uma elegância e simplicidade especial na maravilha evocada por uma série de fotografias para as quais ele jogou algas no ar e capturou suas formas curvilíneas, curvadas em suspensão. Acontece que algas, vento e gravidade podem conspirar para traçar linhas tão estimulantes como as do melhor desenhista.
Richard Long, Dusty Boots Line (1988)
Richard Long trabalha com rochas e lama – e muito e muito andar. Um trabalho emblemático dos anos 60 envolveu grama batida em uma linha pelos pés do artista em movimento, e para Dusty Boots Line, ele chutou pedras no deserto do Saara para limpar um caminho no meio de uma paisagem na qual ele fez todo tipo de outras coisas durante uma jornada frutífera em 1988. Como o próprio Long disse por ocasião de uma retrospectiva em Londres: “Fazer arte apenas caminhando, ou deixando traços efêmeros aqui e ali, é a minha liberdade”. Posso fazer arte de uma forma muito simples, mas numa escala enorme em termos de quilómetros e espaço”
Michael Heizer, Double Negative (1969)
Uma das obras de terra mais pulverizadoras e poéticas de todas, Double Negative é um gás monumental numa mesa a 80 milhas ao norte de Las Vegas. Para executar a obra, um terreno de um quilómetro e meio foi comprado pela mecenas da arte Virginia Dwan (que não sabia a finalidade da área quando a comprou por $27.000 e mais tarde pagou mais $40.000 para a construção). Heizer então escavou 240.000 toneladas de terra em ambos os lados de um abismo que foi bifurcado por espaço vazio no meio. “Isso foi metafísica”, disse Heizer mais tarde no documentário Troublemakers, de 2015: A História da Arte da Terra. No mesmo filme, ele falou mais sobre o tema da Land art: “Não se pode trocar esta coisa. Você não pode colocá-la no bolso. Se você tem uma guerra, você não pode movê-la. Não vale nada. Na verdade, é uma obrigação.”
p>Druga Grupa, Giewont (1970)
Ausações de ego-mongia e megalomania não foram raras durante a ascensão da Land art, e o coletivo de artistas poloneses Druga Grupa enviou o sentimento com uma obra-prima irônica de um tipo incomum: um trabalho de terra ambicioso e meticulosamente documentado que era falso. O plano era cortar em Giewont, um pico nas montanhas Tatra na Polónia, e foram propostas cartas e ideias para outros cortes (no Castelo Wawel do século XIV, em Cracóvia, por exemplo). Mas como a crítica de arte Martyna Nowicka se pergunta num catálogo de exposição dedicado ao Druga Grupa, no contexto da “zombaria e burla” integrante do grupo: “Parece-lhe uma nota de rodapé insana para a história da arte performativa polaca?” De facto, soa.
Bill Beckley, Washington’s Crossing (1969)
Playing with how earthworks in faraway places were often experienced only by way of photographs and documentation, Bill Beckley construiu uma espécie de ponte entre a Land art e a chamada “arte narrativa”, um estilo conceitualmente pensado, no qual a história era primordial. Em 1969, ele foi ao local da famosa travessia do Rio Delaware por George Washington durante a Guerra Revolucionária e repetiu a ação enquanto despejava tinta branca atrás dele. Mas como ele relatou: “À medida que fui, a corrente me levou para baixo, e perdi não só a tinta, mas também a câmera que estava usando para documentar o trabalho. Percebi então que tudo o que me restava era a história”. (Um facto divertido seguiu-se, no entanto, quando Beckley, pouco depois de encenar uma fotografia dele próprio usando uma peruca em pó e roupa de Washington – “a minha primeira e última fotografia”, como ele a descreveu mais tarde.)
p>Charles Ross, Eixo Estelar (1971-em curso)
O Eixo Estelar de Charles Ross é um observatório astrologicamente alinhado e uma escultura arquitectónica no Novo México, onde as estrelas iluminam infinitos céus nocturnos. Ross tem trabalhado com a luz de diferentes maneiras (incluindo trabalhos envolvendo espectros e “queimaduras solares”, para os quais ele acende materiais em chamas, focando a luz solar através do vidro), e há décadas ele vem construindo uma enorme obra-prima que sobe 11 andares. Quando se abre ao público (com uma data projetada em 2022), diferentes túneis e câmaras mostrarão certos alinhamentos cósmicos – de tal forma que, em um deles, “o espectador pode caminhar por camadas de tempo celestial, tornando diretamente visível o ciclo de 26.000 anos de precessão, o alinhamento móvel da Terra com as estrelas”.”
Dennis Oppenheim, Annual Rings (1968)
Annual Rings, para o qual Dennis Oppenheim desenhou grandes linhas concêntricas numa cobertura gelada sobre uma via navegável, desenha em noções de tempo em árvores e neve. Ao escalar os padrões de anéis que mostram a idade de uma árvore, o artista – como uma descrição do trabalho do Metropolitan Museum of Art explica – “ampliou os padrões de crescimento da árvore e, escavando caminhos na neve, transpôs os anéis anuais para a via navegável congelada que divide os Estados Unidos e o Canadá e também divide seus fusos horários”. Ao brincar com a noção de fronteiras entre espaço e tempo, Oppenheim, o Met sugere, “abriu para questionar os valores relativos dos sistemas de ordenação pelos quais vivemos”. Ou como o próprio artista disse numa antiga edição da revista Avalanche, por volta da época: “Vamos supor que a arte se afastou da sua fase manual e que agora está mais preocupada com a localização do material e com a especulação.”
Nancy Holt, Up and Under (1987-98)
A criadora de uma série de obras de Land art (incluindo a sua bem conhecida Sun Tunnels no noroeste do Utah), Nancy Holt levou para uma antiga pedreira de areia na Finlândia para cima e para baixo, uma série de túneis de saca-rolhas cobertos de relva, e alinhados em relação à Estrela do Norte. Piscinas de água refletem o céu acima, e encontros de terra de diferentes locais ao redor da Finlândia figuram no terreno. Como sugerido no website da Holt/Smithson Foundation (Holt era casado com Robert Smithson, da fama de Spiral Jetty): “O trabalho fornece um terreno maduro para a experiência sensorial e a reflexão conceitual”
p>Donald Judd, 15 Works in Concrete (1980-84)
Enquanto muitas das esculturas Minimalistas de Donald Judd são definidas por suas medidas meticulosas e fabricação fina, 15 Works in Concrete é áspero e tropeça por comparação. As grandes caixas (cada uma brincando com medidas e certas exactidões de arranjo, para ter a certeza) vivem ao ar livre na selva de Marfa, Texas, com pincel seco do deserto e coelhos a correr por todo o lado. E elas servem como uma espécie de folha de alumínio sem título para os 100 trabalhos de Judd em moinhos de alumínio em um galpão de artilharia próximo, todos esses trabalhos, pelo contrário, brilhantes e limpos e brilhantes. As 15 Obras foram feitas com financiamento antecipado e apoio da Fundação Dia Art (também responsável por outras obras de arte da Terra como o Campo de Iluminação de Walter De Maria e o Spiral Jetty de Robert Smithson, que a fundação tem supervisionado desde 1999). Como Marianne Stockebrand escreveu em um ensaio sobre as grandes ambições de Judd em Marfa, “Tanto Dia como Judd compartilharam ideais que estavam enraizados na Renascença, ideais com os quais não tinham medo de se medir, seja em nível filantrópico ou artístico.”
Walter De Maria, The Lightning Field (1977)
O trabalho de arte da Terra mais extraterrestre de todos é The Lightning Field, um conjunto de 400 varas de prata em pé numa extensão plana de deserto anelado por montanhas no Novo México. Estar lá é uma experiência intensamente sensorial, com uma estadia necessária durante a noite (numa cabana que dorme seis visitantes, que se registam com antecedência). E tudo muda com o passar do tempo na paisagem calma mas dinâmica, flutuações na luz solar fazendo com que os postes pareçam invisíveis quando não ardem com chamas ardentes de amarelo e laranja. Se os relâmpagos podem ou não chegar a sentir-se ao lado de uma experiência que não é menos maravilhosa sem ela, e aventurar-se de volta ao mundo no final de uma estadia pode deixar uma pessoa mudada. Como Walter De Maria explicou: “O isolamento é a essência da Arte da Terra”. Mas assim também é a comunhão – com todas as coisas e todas as forças semelhantes num ambiente que até o mais atento de nós pode passar para sempre apreendendo e apreciando de novo.