Genius. Legenda. Rótulos que se desgastam com frequência quando são banalizados. Mas enquanto 10 de novembro de 2015 pode ser uma terça-feira normal para a maioria, hoje é um grande dia para homenagear um artista que pode legitimamente reivindicar um status lendário. Estou falando de Ennio Morricone, também conhecido como o Maestro, como ele é conhecido e será referido neste artigo mais de uma dúzia de vezes.
Este mestre do arranjo musical, da mistura de som e da criatividade vanguardista transforma-se hoje em 87. Não mostrando sinais de abrandamento – ele tem as datas da tournée europeia marcadas para 2016 e a sua muito esperada primeira partitura original de Quentin Tarantino “Os Oito Odiosos” está na lata e no horizonte – os mais de 500 créditos cinematográficos de Morricone atestam a sua forte ética de trabalho e a sua paixão por marcar filmes. Então eu tentei o tolo de mergulhar na sua discografia e escolher 30 das suas melhores notas cinematográficas.
Morricone ainda vive em Roma, a cidade onde ele nasceu e cresceu, e fala apenas algumas palavras de inglês. Não se consegue mais italiano do que isso, mas como diz o adágio, a sua música é uma língua universal. Ele é mais facilmente associado aos westerns de Sergio Leone, mas como esta lista espera-se mostrar, sua gama musical se estende muito além do cinema de Leone. “Eles são todos meus filhos… cada partitura que fiz”, diz ele frequentemente, o que influenciou uma infinidade de artistas de todos os gêneros musicais: artistas como Yo-Yo Ma, Goldfrapp, Black Sabbath, DJ Premiere, e Metallica têm cada um deles homenageado Morricone em um ponto ou outro. Ele está acima de qualquer outro compositor de cinema passado ou presente, exceto talvez Bernard Herrmann, ao revolucionar a forma como entendemos música cinematográfica.
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Então, pegue uma boa garrafa de vermelho italiano, e empreste-me seus olhos e ouvidos enquanto eu corro pelas peças mais memoráveis e influentes da obra impressionante do Maestro.
“For A Fistful of Dollars More” (1965)
Parece injusto incluir as três pontuações da ‘Dollars Trilogy’ nesta lista, especialmente considerando que o tema do título de chicote de “A Fistful of Dollars” ofuscou tudo o resto como tal de forma tão esmagadora. Se isto fosse uma lista “Essencial” e não “Melhor de”, “Um Punhado de Dólares” teria provavelmente conseguido, mas eu sou da opinião que “Por Poucos Dólares Mais” é o melhor representante dos métodos revolucionários do Morricone para os westerns de Leone. Para os seus charros de jóias, riffs de guitarra insanamente cativantes, assobios icônicos, campainhas, órgãos de igreja e o relógio de bolso musical El Indio (Gian Maria Volonte), que “transfere o seu pensamento para um lugar diferente” e pinta a composição psicológica da personagem tão vividamente, “For A Few Dollars More” é tão icônico quanto o relógio de bolso de Clint Eastwood.
“A Batalha de Argel” (1966)
p>P>Even embora seja a única pontuação desta lista que tem o nome de outra pessoa ao lado do de Morricone nos créditos, deixar de fora “A Batalha de Argel” seria mais do que um pouco blasfemo, graças à forma como se tornou arquetípica. Devido a obrigações contratuais, o diretor Gillo Pontecorvo teve que ser creditado ao lado de Morricone, e para “O Tema de Ali”, foi Pontecorvo quem inventou as quatro notas que “se tornaram a essência do filme”, na opinião de Morricone. Mas foi o próprio Maestro que as organizou para a partitura. Com todo respeito a Pontecorvo, que dirigiu uma obra-prima, ele trabalhou sob os auspícios de um mestre arranjador, cujas permutações de tambores militares, chifres e pianos iluminam a chama eterna da independência revolucionária do filme.
“O Bom, O Mau, E O Feio” (1966)
Aaah-eee-aaaah-eee-Ahhhh. Praticamente o jingle de aniversário do Morricone, este é o tema do OST de todo o coração, bombasticamente subversivo para o “The Good, The Bad, And The Ugly” do Leone. As duas primeiras entradas da trilogia ‘Dollars’ abriram o caminho para este novo som, mas só posso imaginar (e ver com eterna inveja) o que ouvir os ritmos galopantes, harmônicas, trombetas e “Ecstasy of Gold” – se houvesse um laboratório para tais coisas, os cientistas provariam como uma das melhores peças de música de cinema já composta – deve ter soado como se tivesse ouvido fresco no final dos anos 60. Alguma variação de “OMFG como pode algo soar tão fixe?”, provavelmente. Morricone seguiu o seu coração vanguardista e usou sons reais “para dar uma espécie de nostalgia que o filme tinha de transmitir”. No caso de “The Good, The Bad, And The Ugly” (O Bom, O Mau e O Feio), estes eram principalmente sons de animais, ou seja, o que ficou conhecido como o uivo de coiote – o gênero ocidental nunca mais foi oficialmente o mesmo.
“Navajo Joe” (1966)
O que, você pensou que Morricone só deixou o melhor de suas partituras ocidentais para Sergio Leone? Por favor. Ele jogou seu gênio único em toda a mesa de mistura para outro Sergio, neste caso Corbucci, e talvez tenha sido seu pseudônimo “Leo Nichols” que soltou a besta que vagueia pelos sons selvagens de “Navajo Joe”. Chaves cativantes, o sabor das loucas vanguardas, o clímax emocional da demência que antecipa a sua propensão para o horror (‘A Silhouette Of Doom’); os arranjos com os melodiosos cantos humanos de “Navajo Joe, Navajo Joeee” – como o outrora ouvido – são algumas das peças mais inventivas do Maestro no género. Mais uma vez, podemos agradecer a Quentin Tarantino por lembrar ao público em geral o brilho desta trilha sonora, pois ele re-programou parte dela para “Kill Bill”, mas você faria bem em procurar o original.
“Once Upon A Time In The West” (1968)
Num dos seus anos mais prolíficos, Morricone continuou sua parceria com Sergio Leone e compôs o que para muitos ouvidos é a música mais deslumbrante ouvida num filme ocidental. A cantora italiana Edda Dell’Orso continuaria a trabalhar com Morricone em inúmeros projetos, bem dentro de sua fase giallo, mas sua voz soaria tão angelical quanto em “Once Upon A Time In The West”, acompanhada pelas cordas sensuais de Morricone. O álbum vendeu mais de 10 milhões de cópias em todo o mundo, e quando se ouve “The Man With The Harmonica” pela milésima vez, a única pergunta que resta é: como é que vendeu tão pouco? Os leitmotifs descreveram os quatro personagens principais de forma não anunciada, frequentemente repetida mas nunca melhorada, o que deve ter funcionado duplamente forte, porque Leone tocou a música do Morricone no set para deixar os atores no clima. Um dos maiores exemplos da ópera ocidental, “Once Upon A Time In The West”, está firmemente situado no mais alto dos escalões quando se trata de uma união cinematográfica de imagem e partitura.
“Escalação” (1968)
Este é um daqueles casos na longa história workaholic do Morricone onde não há problema em expulsar o bebé desde que se deixe a água do banho. Ou seja, a comédia negra italiana de Roberto Faenza “Escalation” não é muito boa, mas Morricone estava atirando em todos os cilindros nesta altura, produzindo outra partitura inesquecível cheia de pura alegria musical. Destaque para o funky “Dias Irae Psichedelico” (psicodélico está certo) e seu momento genial de silêncio, e todas as variações do “Funerale Nero”, que tem Morricone escavando em suas raízes jazzísticas com trombetas que lhe darão febre dançante. As misturas sonhadoras soam como se toda a orquestra estivesse tropeçando no LSD, enquanto que a funkiness lembra aos ouvintes o quão larga era a rede musical de Morricone.
“Come Play With Me” (1968)
Melhor conhecida como “Gracie Zia”, a estreia de Salvatorre Samperi está agora quase esquecida. Seus restos positivos são emblemáticos na trilha sonora ridiculamente divertida de Morricone, que se choca com o “Guerra E Pace, Pollo E Brace” e a combinação da percussão rítmica com o que soa como um refrão inteiro de crianças. “Inflicting pleasure” fez parte da linguagem de marketing do filme – a história trata de uma relação incestuosa entre uma tia e o seu sobrinho – que descreve perfeitamente o principal medley anti-fontes de Morricone. E espere até se banquetear em ‘Shake Introspettivo’; com seu sintetizador parecido com uma cobra, seu botão de repetição vai ser abusado como nunca antes. “Come Play With Me” também é uma fantástica introdução precoce ao lado giallo do Morricone, particularmente com o seu uso de canções de embalar perturbadoras.
“The Mercenary” (1968)
O segundo western não-Sergio Leone que precisa ser mencionado é outro filme de Sergio Corbucci, e a tarefa de escolher entre este e “The Great Silence”, o outro western de Corbucci lançado no mesmo ano, me manteve acordado algumas noites. Depois de algumas escutas completas, me contentei com “O Mercenário”, principalmente porque seu apito de assinatura é o maior apito de todos os tempos. Com a ajuda do colaborador de longa data Bruno Nicolai, Morricone transformou o tema “Il Mercenario” – especialmente a sonora variação “L’Arena”, que Tarantino remontou – em uma de suas maiores composições ocidentais. Basta tentar ouvir aquela guitarra romanticamente melancólica em “Liberta” sem ficar arrepiado.
“The Sicilian Clan” (1969)
Antes de “Once Upon A Time In America” e “The Untouchables”, Morricone carimbou sua engenhosa propensão para filmes de crime melodiosos em “The Sicilian Clan” de Henri Verneuil. O filme que inspirou uma das peças mais reconhecidas do Morricone, provavelmente do seu trio intimidante de simpáticos poster-boys: Alain Delon, Jean Gabin e Lino Ventura. Os jewish’s-harps and whistles casam com este caper do crime com o humor de um dos Westerns do Morricone, mas com apenas algum jazz gracioso (“Snack Bar”) agindo como um interlúdio, a música inimitável para “The Sicilian Clan” prospera em peças irrequietas como “Tema Per Le Gofi” e, é claro, o ostinato principal que goteja de nostalgia sensual e de frio elétrico. Impossível não cantarolar durante horas a fio depois de o ouvir.
“Burn!” (1969)
Se o conhece pelo seu nome italiano, “Queimada” ou pelo seu maravilhoso título em inglês, sabe que o que este filme de Gillo Pontecorvo tem além de uma das mais incríveis performances de Marlon Brando é a banda sonora mais emocionante de Ennio Morricone. O canto de abertura de “Abolisson, abolisson!” traz à mente o espírito livre revolucionário que Morricone teve um incrível talento para se traduzir em música – quanto mais alto ele cresce, mais enfaticamente os seus cabelos se levantam. Como em quase tudo o que conduziu durante este período de tempo, Morricone captou a essência de um filme em notas, harmonias e arranjos. Seu tema ‘Jose Dolores’ é um dos melhores exemplos de acordes simples conduzidos em algo totalmente profundo.
“O Pássaro com a Plumagem de Cristal” (1970)
No início dos anos 70, as telas de cinema italiano começaram a sangrar horror giallo, e quem estava lá para injetar o fantasma na imaginação das pessoas de forma mais ameaçadora do que a coleção de bonecas de porcelana do seu vizinho assustador? Apenas o mais omnipresente compositor de filmes italianos, o homem que trabalhava a um ritmo espantoso de 12 a 13 pontos por ano durante este período. A primeira das inesquecíveis contribuições de Morricone para o gênero veio para o longa de estréia de Dario Argento (e um de seus melhores) “O Pássaro com o Plumagem de Cristal”. Mais provavelmente, Morricone foi inspirado na composição de Krzysztof Komeda em “Rosemary’s Baby”, quando ele fez a sua própria rima de berçário la-la-la-la para Argento, salpicada com trombetas paranóicas e xilofones, cristalizando a sensação de que alguém com más intenções está mesmo atrás de si.
“Investigação de um cidadão acima da suspeita” (1970)
Tricky, manhoso, um pouco perverso e eternamente acima da suspeita, a pontuação de Morricone para a sátira vencedora do Oscar de Elio Petri é uma das suas melodias mais infecciosas. “Eu tive que escrever uma espécie de música para o grotesco com um toque folclórico”, explica Morricone neste critério, e suas combinações do bandolim e da harpa judaica com instrumentos típicos da orquestra é a segunda em termos de instilar uma sensação de diversão diabólica. Sempre o artista experimentando vanguarda que ele foi durante este início de sua carreira, a criatividade de Morricone com sons sintetizadores e seu ouvido sobrenatural para whittling fora ganchos musicais fazem “Investigação de um cidadão acima de suspeita” uma de suas músicas mais populares, frequentemente ouvidas em seus concertos ao vivo.
“Maddalena” (1971)
Morricone estava servindo partituras como um morcego fora do inferno no início dos anos 70, tão frequentemente a majestade de sua música estava anos-luz à frente do filme para o qual ele a compôs. Isto nunca é mais evidente do que com “Maddalena”, de Jerzy Kawalerowicz, um filme descartável sobre uma mulher à procura de amor e encontrá-lo num padre. Já se passaram mais de 40 anos, por isso não há problema em admitir que a única coisa verdadeiramente fantástica a sair de todo o caso é a eloquente e sinfónica pontuação de Morricone. Reencaminhando com Edda Dell’Orso para a gloriosa abertura de 9 minutos “Come Maddalena”, e compondo “Chi Mai” (que mais tarde seria popularizada ainda mais pela BBC em “The Life And Times Of David Lloyd George”), Morricone pontuou o que talvez seja o seu ano mais prolífico com a sua fusão de jazz, hinos corais e polifonias infinitamente ressonantes.
“Lizard In A Woman’s Skin” (1971)
É a paranóia central nos tons barrocos que permeiam a partitura giallo de Morricone para “Lizard In A Woman’s Skin”, que foi reeditada no ano passado pela gravadora Death Waltz com um design de capa apropriada e deslumbrante. Este pesadelo cinematográfico de Lucio Fulci inspirou uma das maiores composições de Morricone; uma bela cacofonia de jazz, funk, órgãos de igreja, ventos, assobios e a voz de Edda Dell’Orso. Estes são elementos que fizeram parte de tantas partituras do Morricone antes dele, mas através do seu arranjo cirúrgico, eles se sentem incansávelmente frescos e sedutores. Seja pelas flautas de “La Lucertola”, pela guitarra de surf de “Notte di giorno” ou pelo sonhador mergulho na toca do coelho Fulci de “Spiriti”, esta é outra partitura do Morricone que vai fazer você pensar que sua aparelhagem está possuída por algum demônio que tem realmente, realmente, um grande gosto musical.
“Cold Eyes Of Fear” (1971)
Se estás com disposição para o lado mais vanguardista do Morricone, o lado que faz os sons mais dissonantes num filme do David Lynch soarem como Buddy Holly, não olhes mais longe do que “Cold Eyes Of Fear”.” O thriller de Enzo Castellari segura uma vela oscilante aos outros giallos de seu tempo, mas esta trilha sonora mercurial e ácida do Maestro vai rastejar sob sua pele e fazer você andar sobre alfinetes e agulhas por horas a fio, com os acordes de violoncelo e trombetas recorrentes em muitos pesadelos que virão. Mãos para baixo a mais propositadamente desarmoniosa das partituras de Morricone, “Cold Eyes Of Fear” está a olhar para o abismo cinematográfico através de sons e sinos. É também um dos destaques da carreira do compositor no arranjo giallo, reminiscente dos seus primeiros dias como improvisador de vanguarda no Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza.
“Cat O’ Nove Contos” (1971)
Em contraste direto com “Cold Eyes Of Fear”, as composições de Morricone para “Cat O’ Nove Caudas”,”O segundo filme de Dario Argento, está repleto de belas harmonias, quase com alma, tipificadas pelo tema principal ‘Ninna Nanna’, onde ele usa novamente as proezas vocais de Dell’Orso para efeitos altamente hipnóticos. Você provavelmente reconhecerá a “Paranóia Prima”, indutora de medo, pois foi reapropriada por Tarantino em “Kill Bill Vol. 1”, enquanto o resto da partitura está repleta de notas graves de violoncelo e o tipo de ruído de fundo que pinta mil quadros escuros. Por esta altura – e, não, não é uma gralha, ainda estamos em 1971 – era claro que Morricone não só dominava e possuía o género ocidental, mas também os sons primordiais dos filmes slasher italianos.
“Duck, You Sucker!” (1971)
Não é como se ele fosse todo sobre giallos em ’71, no entanto. Morricone era tudo sobre qualquer coisa que ele pudesse encaixar no seu horário ridiculamente condensado. Isto incluía outra pontuação virtuosa para um western Sergio Leone, neste caso “Duck, You Sucker!” (a.k.a. “A Fistful of Dynamite”). Poderia muito bem ser a mais caprichosa das pontuações do Morricone Leone, com sua inesquecível mistura das maravilhas cômicas e operativas, como ouvimos imediatamente no “Tema Principal” do filme. As cordas desmaiadas que tomam conta de si a certa altura levam-no para o mundo mágico do cinema, antes que o mezzo-soprano da ópera de Dell’Orso acrescente uma camada inesperada. O próprio compositor descreveu este filme numa entrevista a Quietus, acima de qualquer outra, como um grande exemplo da sua “mistura de música tonal e música de vanguarda”
“What Have You Done To Solange?” (1972)
Ahhhh, aquele piano. Adicione outra colaboração vencedora com Edda Dell’Orso em um filme de giallo que vale a pena o valor de uma partitura de Morricone. O “What Have You Done To Solange?” de Massimo Dallamano está imbuído de mistério, emoções genuínas e um tipo de paranóia que é mais apertada do que uma corda de piano. Desde o tema do título de abertura, passando pelo meio jazzístico de “Una Tromba E La Sua Notte”, e os sons carrosséis de “Fragile Organetto”, a partitura é outra peça sutilmente desarticulada e provocadora de música de cinema que projectará instantaneamente imagens do padre assassino de Fabio Testi e da Elizabeth de Cristina Galbo para aqueles que viram o filme, enquanto acena aos que não têm de o procurar. A partitura de Morricone é tão boa aqui, que nem permite que você ria do trabalho de dublagem.
“Revolver” (1973)
Este é outro caso de a música menos conhecida do Morricone ter sido republicada pelo Tarantino (desta vez em “Inglourious Basterds”) e se estás a pensar, “Acabaste de incluir tudo o QT republicado nesta lista?” a resposta é quase, mas não porque eu me propus a fazê-lo. O gosto de Tarantino pela música é formidável, independentemente de como você se sinta em relação ao seu trabalho ou ao tamanho do seu ego, e enquanto passa pela vasta produção de Morricone, o que se destaca é, na maioria das vezes, o que se agarrava ao próprio Tarantino. Mas se o “Revolver” de Sergio Sollima fosse todo sobre as cordas emocionalmente borbulhantes de ‘Un Amico’, as chances são de que ele não teria feito o corte. A faixa-título de 12 minutos tem um impulso notável, com seus chifres em camadas e “Quasi Vivaldi” é um pequeno toque agradável para o famoso compositor.
“Spasmo” (1974)
O último dos giallos a figurar nesta lista, “Spasmo” se destaca do resto com seus belos movimentos “Bambole” e “Spasmo”. Em 1974, Morricone tinha obviamente dominado as pontuações do giallo, graças ao seu trabalho com Argento e Dallamano, mas ele ainda tinha uma sensação de uma pontuação que lhe sobrava para Umberto Lenzi. Terrívelmente romântico e emocional, os arranjos das melodias sintetizadoras, os zumbidos humanos e os instrumentos de sopro ressoam muito para além do dispositivo que toca a música (ou, na verdade, a tela). Misturando o fantástico com o real, como é a tradição giallo, a mistura do sintetizador e do natural na partitura de Morricone toma o palco principal em “Spasmo”, provavelmente uma das mais belas partituras já compostas para um filme de terror.
“Exorcist II: The Heretic” (1977)
From the beautiful to the absolutely demented, while still playing in the same sandbox. “Exorcista II” é um desastre não mitigado de um filme, a sequência de um pobre homem pelo outro grande John Boorman. Mas como é o caso de alguns outros nesta lista, por trás de um filme terrível há por vezes uma partitura tremendamente boa, que Morricone, acima de qualquer outro compositor de filmes, provou repetidamente, com exemplos brilhantes como este. Começando bem e bonito com “O Tema de Regan”, não falta muito para que ‘Exorcista II’ degenere em loucura com os cânticos de “Pazuz” e os gemidos femininos de “Pequena Missa Afro-Flemish”. Quando se chega ao “Magia e êxtase”, atinge-se: este é o mais louco que já ouvimos Morricone. E é espantoso.
“Days Of Heaven” (1978)
p>p>P>P>Primeira das cinco nomeações para o Oscar de Morricone (todas as cinco que ele vai acabar por perder: por vergonha!), “Days Of Heaven” é uma daquelas colaborações de sonho director-compositor. Trabalhando com Terrence Malick pela primeira vez, Morricone produziu uma de suas maiores pontuações americanas, uma que complementa perfeitamente as tendências temáticas profundamente sentidas por Malick e a sublime cinematografia de Nestor Almendros. A sonhadora abertura “Aquarium” não é um original de Morricone, mas dá um belo tom à icônica faixa título cheia de saudades nostálgicas, as flautas de “Happiness” e o balanço de cordas em “Harvest”. Tudo a criar uma composição que é o material da magia da música do cinema. E aqui está algo para alimentar a sua antecipação: Morricone e Malick estão prontos para reequipar para o tão esperado documentário do realizador “Voyage Of Time”.
“The Thing” (1982)
Eu sei que esta partitura foi nomeada para um Razzie, está bem? Mas que se lixe isso, porque “A Coisa” tem através do tempo e do bom senso se tornou reconhecida como uma das peças mais sérias de Ennio Morricone. John Carpenter decidiu não pontuar este filme em particular, em vez de encomendar o Maestro para o trabalho (claramente como um fã do trabalho giallo do italiano). Embora a lenda diga que Carpenter não estava muito contente com o trabalho do Morricone, usando apenas pedaços e partes dele no filme final, o OST originalmente lançou faixas que o próprio Morricone selecionou. Limpe a sua mente do ruído de fundo que envolve o lançamento e desfrute de uma das pontuações mais melancólicas do Morricone, evocando lindamente o isolamento invernal do cenário do filme e o suspense fantasmagórico prevalecente ao longo de todo o filme. Recomendado com auscultadores ligados e luzes apagadas.
“Once Upon A Time In America” (1984)
O que acabou sendo a colaboração final entre dois gigantes do cinema do século 21 e queridos amigos, “Once Upon A Time In America” é um dos maiores sucessos do Morricone. É um dos poucos exemplos onde você pode embaralhar aleatoriamente para qualquer faixa e ela será imediatamente reconhecida como a música que o Morricone criou para a obra-prima de Leone; tão emocionalmente épica quanto o próprio filme, é o uso icônico da pan-flute principal (ouça a abertura de “Childhood Memories” para um exemplo especialmente piercing) e “Deborah’s Theme” que imortalizam a partitura. Assim como fez com ‘West’, Leone interpretou a partitura de Morricone no set para colocar os atores no clima do filme, o que faz de Morricone um tipo de co-diretor. Um pensamento encantador para uma experiência cinematográfica de tirar o fôlego.
“A Missão” (1986)
“Eu definitivamente senti que deveria ter ganho por ‘A Missão'”, foi o que um Morricone possivelmente cansativo disse ao The Guardian em uma entrevista de 2001. E, claro, ele deveria ter ganho o Oscar por esta partitura expressiva e lírica. “Oboé de Gabriel” é uma descoberta de 2 e poucos minutos de como o céu deve soar, enquanto a sua sensibilidade para criar temas de título para sempre – temas memoráveis – continua com “A Missão”, um arranjo musical tão bonito como ele já fez antes ou desde então. A história conta que, em um raro momento de dúvida, Morricone achou as imagens de Roland Joffe muito poderosas e que ele achava que sua música não lhes faria justiça. Viu? Até gênios podem estar errados.
“Os Intocáveis” (1987)
Brian De Palma e Ennio Morricone se deram bem, e colaboraram novamente com sucesso para “Casualties Of War” em 1989, mas é a partitura nomeada ao Oscar para “The Untouchables” que deu o fruto mais suculento de sua parceria. Morricone começou a abrandar com as partituras dos filmes depois de 1985, concentrando-se antes nos concertos ao vivo, mas tal como as restantes bandas sonoras da lista, ele ainda estava muito no seu elemento quando teve de adicionar música de acompanhamento a uma imagem em movimento. O tema “Untouchables” soa muito bem quando as trombetas crescendo batem para serem sempre foleiras, enquanto o tema “Al Capone” se encaixa no brilhante desempenho cômico de Robert De Niro como uma luva.
“Cinema Paradiso” (1988)
O nome de Morricone está principalmente associado a épicos do crime, westerns e giallos, mas são partituras como a que ele compôs e orquestrou para “Cinema Paradiso” que nos fazem dar um passo atrás e perceber que na verdade não havia nada em que este Maestro não conseguisse balançar o bastão. Foi a sua primeira partitura para Giuseppe Tornatore, uma parceria de colaboração que viria a ser mais um par de partituras inesquecíveis e, tal como o próprio filme, todas as peças são o reflexo de um amor sem fundo pelos poderes arrebatadores do próprio cinema. As permutações de cordas que envolvem o ouvinte com um calor envolvente, como se ouve no “Tema do Título” e no “Tema do Amor”, vão atordoá-lo para o silêncio.
“Frantic” (1988)
O “Frantic” do diretor Polanski é muitas vezes esquecido ao listar os maiores filmes do diretor, mas ocupa um lugar especial no meu coração. Quando revisitei a partitura de Morricone (infelizmente, a única vez que os dois trabalharam juntos), fui imediatamente lembrado do mistério e da paranóia vivida pelo médico bamboozled de Harrison Ford. É uma das obras mais profundamente sutis do Maestro: é habilmente temperamental, com um uso absolutamente incrível de sons de acordeão que entram e saem, afogados pelas cordas de cordas altas. É uma fusão de sensibilidades giallo que ele dominou nos anos 70 com o trabalho orquestral mais clássico que ele fazia na época, e o resultado é outra partitura maravilhosa em que se pode perder completamente.
“Legend Of 1900” (1998)
Na época em que os anos 90 chegaram, Morricone não era tão prolífico como no passado, e enquanto ele ainda fazia a maioria dos compositores de Hollywood parecerem crianças batendo em tachos e panelas, é claro que o auge de sua carreira estava por trás dele (provavelmente chegou, se alguém a traçar, em “Once Upon A Time In America”). Dito isto, ele ainda estava inspirado a produzir algumas belas peças de música, mais clássica do que nunca, para o seu bom amigo Giuseppe Tornatore. Para a “Lenda de 1900”, sua segunda vitória do Globo de Ouro, ele deslumbrou com composições apaixonadas para piano e cordas lamentáveis que capturaram lindamente o espírito do prodígio musical em seu centro.
“Malena” (2000)
A sua quinta e última nomeação para o Oscar antes dos eleitores perceberem que um Oscar Honorário era a única forma de salvar a face, “Malena” é a maior obra de Morricone composta na parte outonal da sua carreira. Ele encontrou uma maneira de descrever musicalmente os poderes sedutores de Monica Bellucci, que interpreta uma mulher sensual em uma pequena cidade italiana retrógrada. A montanha-russa emocional que é o filme – tanto um conto de vinda de idade como um comentário social sobre a intolerância de comunidades de mente estreita – mostra sua alma e essência na música de Morricone. O compositor se aprofunda em seu arsenal de arranjos instrumentais e cria algo jovial, inimitável e sublime.
Desde que esta lista foi retirada de mais de 500 composições cinematográficas, pode facilmente haver mais 30 partituras de Ennio Morricone adicionadas e algo ainda se sentiria em falta. Por mais que eu tentasse fazer justiça considerando sua furiosa produção, foi com um coração incrivelmente pesado que tive que excluir algumas de suas coisas dos anos 60 e 70, um período em que ele fez pouco mal. Destes, “A Fistful Of Dollars”, o infecciosamente poppy “Slalom”, “Death Rides A Horse” (outra jóia ocidental da qual Tarantino tomou emprestado), “The Five Man Army”, o excêntrico e excêntrico “Danger”: Diabolik”, “O Grande Silêncio” de Corbucci e “Os Falcões e os Pardais” de Pier Paolo Pasolini destacam-se.
Nos anos 70, há “Violent City”, “Two Mules For Sister Sara”, “The Forbidden Photos Of A Lady Above Suspicion”, “The Fifth Cord”, “Vamos a Matar, Compañeros”, “Working Class Goes To Heaven”, e “Who Sawes Her Die?” que todos perderam as entradas do whisker de um gato. Suas pontuações de 1971 para “Veruschka” e “Sacco e Vanzetti” são populares entre os que sofrem, mas por melhor que sejam, descobri que não poderia substituí-los por nenhum dos outros. Eu estava errado? Você me diz!
Morricone anos 80 e 90, embora não tão prolífico como as duas primeiras décadas, ainda tem “White Dog”, “Red Sonja”, “Casualties of War”, “Bugsy” (a única nomeação para o Oscar não incluída na lista principal), “Hamlet”, “Wolf” e “Lolita” como algumas das coisas que foram seriamente consideradas para a entrada principal.