Geniální. Legenda. Nálepky, které se při omílání často opotřebovávají. Ale zatímco 10. listopad 2015 může být pro většinu obyčejné úterý, dnes je shodou okolností skvělý den k uctění umělce, který si právem může nárokovat status legendy. Mluvím o Enniu Morriconem. alias Maestrovi, jak se mu říká a jak bude v tomto článku více než tucetkrát zmíněn.
Tento mistr hudebního aranžování, míchání zvuku a avantgardní tvorby se dnes dožívá svižných 87 let. Nejeví žádné známky zpomalení – na rok 2016 má naplánované evropské turné a na obzoru je jeho očekávaná první původní hudba k filmu Quentina Tarantina „The Hateful Eight“ – Morriconeho více než 500 filmových titulů svědčí o jeho silné pracovní morálce a vášni pro skládání filmové hudby. Pokusil jsem se tedy o bláznivý kousek – ponořit se do jeho diskografie a vybrat 30 jeho nejlepších filmových skladeb.
Morricone stále žije v Římě, ve kterém se narodil a vyrostl, a je proslulý tím, že anglicky umí jen pár slov. Italštěji už to nejde, ale jak se říká, jeho hudba je univerzálním jazykem. Nejčastěji je spojován s westerny Sergia Leoneho, ale jak snad ukáže tento seznam, jeho hudební záběr sahá daleko za hranice Leoneho kinematografie. „Jsou to všechno moje děti… každá hudba, kterou jsem udělal,“ říká často, což ovlivnilo spoustu umělců napříč hudebními žánry: umělci jako Yo-Yo Ma, Goldfrapp, Black Sabbath, DJ Premiere a Metallica vzdali Morriconemu hold v tom či onom okamžiku. V tom, že způsobil revoluci v chápání filmové hudby, převyšuje všechny ostatní filmové skladatele minulosti i současnosti, snad s výjimkou Bernarda Herrmanna.
Populární na IndieWire
Takže si vezměte láhev dobrého italského červeného a propůjčte mi své oči a uši, když vám představím nejpamátnější a nejvlivnější skladby z Mistrova ohromujícího díla.
„Pro pár dolarů navíc“ (1965)
Přijde mi nespravedlivé zařadit do tohoto seznamu všechny tři partitury z „dolarové trilogie“, zvláště když uvážíme, že bičem práskající titulní téma z filmu „Pro hrst dolarů“ tak drtivě zastiňuje vše ostatní. Kdyby se jednalo o seznam „Essential“, a nikoliv „Best Of“, „Pro hrst dolarů“ by se do něj pravděpodobně dostalo místo něj, ale jsem toho názoru, že „Pro pár dolarů navíc“ je lepším představitelem Morriconeho revolučních metod pro Leoneho westerny. Pro své tklivé židovské popěvky, šíleně chytlavé kytarové riffy, ikonické pískání, zvonkohru, kostelní varhany a El Indiovy (Gian Maria Volonte) hudební kapesní hodinky, které „přenášejí vaše myšlenky na jiné místo“ a tak barvitě vykreslují psychologické složení postavy, je „For A Few Dollars More“ stejně kultovní jako upřený pohled Clinta Eastwooda.
„Bitva o Alžír“ (1966)
Ačkoli je to jediná hudba na tomto seznamu, která má v titulcích vedle Morriconeho jména i jméno někoho jiného, vynechat „Bitvu o Alžír“ by bylo více než rouhačské díky tomu, jak archetypální se stala. Kvůli smluvním závazkům musel být vedle Morriconeho uveden i režisér Gillo Pontecorvo a pro „Aliho téma“ to byl právě Pontecorvo, kdo přišel se čtyřmi tóny, které se podle Morriconeho názoru „staly podstatou filmu“. Byl to však sám Maestro, kdo je do partitury zaranžoval. Při vší úctě k Pontecorvovi, který režíroval mistrovské dílo, pracoval pod záštitou mistra aranžéra, jehož permutace vojenského bubnování, lesních rohů a klavírů zapalují ve snímku věčný plamen revoluční nezávislosti.
„Hodný, zlý a ošklivý“ (1966)
Aaah-eee-aaah-eee-Ahhh. Prakticky Morriconeho narozeninová znělka, to je ústřední píseň celovečerního, bombasticky podvratného OST k Leoneho filmu „Hodný, zlý a ošklivý“. První dva díly „dolarové“ trilogie tomuto novému zvuku vydláždily cestu, ale já si mohu jen představovat (a kypět věčnou závistí), jak musel poslech cválající rytmiky, harmoniky, trubek a „Ecstasy of Gold“ – kdyby na takové věci existovala laboratoř, vědci by dokázali, že jde o jedno z nejlepších děl filmové hudby, jaké kdy bylo složeno – znít čerstvým uším na konci 60. let. Nejspíš nějaká variace na „OMFG, jak může něco znít tak zatraceně cool?“. Morricone se řídil svým avantgardním srdcem a použil reálné zvuky, „aby dodal filmu jakousi nostalgii, kterou měl zprostředkovat“. V případě filmu „Hodný, zlý a ošklivý“ to byly především zvuky zvířat, konkrétně to, co vešlo ve známost jako kojotí vytí – westernový žánr už oficiálně nikdy nebyl stejný.
„Navajo Joe“ (1966)
Cože, mysleli jste si, že Morricone nechal to nejlepší ze své westernové hudby jen pro Sergia Leoneho? Per favore. Svou jedinečnou genialitu vysypal na celý mixážní pult pro jiného Sergia, v tomto případě Corbucciho, a možná právě jeho pseudonym „Leo Nichols“ rozpoutal bestii, která se potuluje kolem divokých zvuků „Navajo Joe“. Chytlavé klávesy, příchuť šílené avantgardy, emocionální nárůst vrcholící v demenci, která předjímá jeho sklony k hororu („A Silhouette Of Doom“); aranže s melodickým lidským zpěvem „Navajo Joe, Navajo Joeee“ – jako kdysi nezapomenutelná titulní hymna – patří k mistrovým nejnápaditějším kouskům v žánru. Opět můžeme poděkovat Quentinu Tarantinovi za připomenutí geniality tohoto soundtracku široké veřejnosti, protože část z něj znovu použil pro film „Kill Bill“, ale uděláte dobře, když si vyhledáte originál.
„Tenkrát na Západě“ (1968)
V jednom ze svých nejplodnějších let Morricone pokračoval ve spolupráci se Sergiem Leonem a složil podle mnohých nejkrásnější hudbu, která ve westernu zazněla. Italská zpěvačka Edda Dell’Orso bude s Morriconem spolupracovat na mnoha projektech i v jeho giallo fázi, ale její hlas bude znít stejně andělsky jako v „Tenkrát na Západě“ za doprovodu Morriconeho smyslných smyčců. Alba se celosvětově prodalo přes 10 milionů kopií, a když „The Man With The Harmonica“ slyšíte po tisící, zbývá jediná otázka: jak to, že se ho prodalo tak málo? Leitmotivy popisovaly čtyři hlavní postavy neokázalým, často opakovaným, ale nikdy nepřekonaným způsobem, což muselo fungovat dvojnásob silně, protože Leone pouštěl Morriconeho hudbu na place, aby dostal herce do nálady. Jeden z nejlepších příkladů operního westernu „Tenkrát na Západě“ se pevně řadí na nejvyšší příčky, pokud jde o filmové spojení obrazu a hudby.
„Eskalace“ (1968)
Jedná se o jeden z těch případů v Morriconeho dlouhé workoholické historii, kdy je v pořádku vylít dítě s vaničkou, pokud v ní necháte i vodu. Totiž italská černá komedie Roberta Faenzy „Eskalace“ není příliš dobrá, ale Morricone v té době pálil na všechny válce a chrlil další nezapomenutelnou hudbu plnou čiré hudební radosti. Mezi nejzajímavější skladby patří funky „Dias Irae Psichedelico“ (psychedelická je správně) a její geniální moment ticha a všechny variace na „Funerale Nero“, kde Morricone sáhl ke svým jazzovým kořenům s trubkami, z nichž budete mít taneční horečku. Snové odvarky znějí, jako by se celý orchestr potácel na LSD, zatímco funky připomínají posluchačům, jak široká byla Morriconeho hudební síť.
„Pojď si se mnou hrát“ (1968)
Známější pod názvem „Gracie Zia“ je dnes již téměř zapomenutý celovečerní debut Salvatorre Samperiho. Jeho pozitivní pozůstatky symbolizuje především Morriconeho směšně zábavný soundtrack, který začíná písní „Guerra E Pace, Pollo E Brace“ a kombinací rytmických bicích s něčím, co zní jako celý dětský sbor. „Způsobování rozkoše“ bylo součástí marketingového jazyka filmu – příběh pojednává o incestním vztahu mezi tetou a jejím synovcem – což dokonale vystihuje Morriconeho hlavní antifonickou medley. A počkejte, až budete hodovat na „Shake Introspettivo“; s jeho hadím syntezátorem bude vaše tlačítko opakování zneužíváno jako nikdy předtím. „Come Play With Me“ je také fantastickým raným úvodem do Morriconeho giallo stránky, zejména díky použití znepokojivých ukolébavek.
„Žoldák“ (1968)
Druhý ne-Sergio Leoneho western, který je třeba zmínit, je další film Sergia Corbucciho a úkol vybrat si mezi tímto a „Velkým tichem“, dalším Corbucciho westernem vydaným ve stejném roce, mi nedal spát několik nocí. Po několika kompletních posleších jsem se rozhodl pro „Žoldáka“, hlavně proto, že jeho charakteristická píšťala je tou nejlepší píšťalou vůbec. S pomocí dlouholetého spolupracovníka Bruna Nicolaie udělal Morricone z tématu „Il Mercenario“ – zejména ze zvučné variace „L’Arena“, kterou Tarantino přetvořil – jednu ze svých nejlepších westernových skladeb. Jen si zkuste poslechnout tu romanticky melancholickou kytaru v „Liberta“, aniž by vám naskočila husí kůže.
„Sicilský klan“ (1969)
Před „Tenkrát v Americe“ a „Nedotknutelnými“ vtiskl Morricone svou geniální zálibu v melodických kriminálkách do filmu Henriho Verneuila „Sicilský klan“. Film, který se stal inspirací pro jednu z Morriconeho nejrozpoznatelnějších skladeb, nejspíš díky zastrašující trojici slušňáků z plakátů: Alain Delon, Jean Gabin a Lino Ventura. Židovské hlásky a hvízdání snoubí tuto kriminálku s náladou jednoho z Morriconeho westernů, ale jen s několika půvabnými jazzovými („Snack Bar“), které působí jako intermezza, se nenapodobitelná hudba k „Sicilskému klanu“ rozkvétá v neklidně plynoucích skladbách jako „Tema Per Le Gofi“ a samozřejmě v hlavním ostinátu, z něhož kape smyslná nostalgie a elektrizující chlad. Není možné si po jeho poslechu celé hodiny nebroukat.
„Burn!“ (Hoř! (1969)
Ať už ho znáte pod italským názvem „Queimada“, nebo pod úžasně výstižným anglickým názvem, vězte, že tento film Gilla Pontecorva má kromě jednoho z nejneuvěřitelnějších výkonů Marlona Branda i nejemotivnější soundtrack Ennia Morriconeho. Úvodní canto „Abolisson, abolisson!“ připomíná revoluční svobodomyslnost, kterou Morricone uměl neuvěřitelně převést do hudby – čím hlasitěji se ozývá, tím důrazněji vám vstávají vlasy na hlavě. Stejně jako u většiny všeho, co v tomto období dirigoval, zachytil Morricone v notách, harmoniích a aranžích podstatu filmového obrazu. Jeho téma „Jose Dolores“ je jedním z nejlepších příkladů jednoduchých akordů dovedených do něčeho zcela hlubokého.
„Pták s křišťálovou plumáží“ (1970)
Na začátku 70. let začaly z pláten italských kin krvácet giallo horory a kdo jiný dokázal vnést strašidlo do lidských představ hrozivěji než strašidelná sbírka porcelánových panenek vašeho souseda? Jedině všudypřítomný italský filmový skladatel, který v té době pracoval závratným tempem 12-13 skladeb ročně. První Morriconeho nezapomenutelný příspěvek k žánru pochází z celovečerního debutu (a jednoho z jeho nejlepších) Daria Argenta „Pták s křišťálovou peřinou“. Je více než pravděpodobné, že se Morricone inspiroval ukolébavkovou kompozicí Krzysztofa Komedy v „Rosemary má děťátko“, když pro Argenta natočil svou vlastní děsivě vznešenou říkanku la-la-la, prošpikovanou paranoidními trubkami a xylofony, krystalizující pocit, že někdo se zlými úmysly stojí přímo za vámi.
„Vyšetřování podezřelého občana“ (1970)
Triková, úlisná, lehce perverzní a věčně po špičkách přecházející podezření, Morriconeho hudba k oscarové satiře Elia Petriho je jednou z jeho nejnakažlivějších melodií. „Musel jsem napsat jakousi hudbu pro grotesku s lidovým nádechem,“ vysvětluje Morricone v tomto celovečerním filmu Criterionu a jeho kombinace mandolíny a židovské harfy s typickými orchestrálními nástroji nemá z hlediska navození pocitu ďábelské zábavy konkurenci. Díky Morriconeho kreativitě při práci se syntezátorovými zvuky a nadpřirozenému uchu pro vymýšlení hudebních háčků je „Vyšetřování podezřelého občana“ jednou z jeho nejoblíbenějších melodií, kterou často slýcháme na jeho koncertech.
„Maddalena“ (1971)
Morricone na počátku 70. let servíroval hudbu jako netopýr z pekla, takže majestátnost jeho hudby často o světelné roky předčila skutečný film, pro který ji složil. Nikdy to není tak patrné jako v případě „Maddaleny“ Jerzyho Kawalerowicze, odbytého snímku o ženě, která hledá lásku a najde ji u kněze. Je to už více než 40 let, takže není od věci přiznat, že jedinou skutečně skvělou věcí, která z celé záležitosti vzešla, je Morriconeho výmluvná a symfonická hudba. Morricone, který se znovu spojil s Eddou Dell’Orso pro slavnou devítiminutovou úvodní skladbu „Come Maddalena“ a složil „Chi Mai“ (kterou později BBC ještě více zpopularizovala ve filmu „The Life And Times Of David Lloyd George“), prošpikoval možná svůj nejprofláklejší rok svou charakteristickou fúzí jazzu, sborových hymnů a nekonečně rezonujících polyfonií.
„Ještěrka v ženské kůži“ (1971)
V barokních odstínech, které prostupují Morriconeho giallo hudbu k filmu „Ještěrka v ženské kůži“, který loni znovu vydala nahrávací společnost Death Waltz s patřičně ohromujícím designem obalu, je ústředním motivem paranoia. Tato filmová noční můra Lucia Fulciho inspirovala jednu z nejvelkolepějších Morriconeho skladeb; překrásnou kakofonii jazzu, funku, kostelních varhan, fléten, píšťal a hlasu Eddy Dell’Orso. To jsou prvky, které byly nedílnou součástí mnoha předchozích Morriconeho partitur, ale díky jeho chirurgickému aranžmá působí nevyčerpatelně svěže a svůdně. Ať už jde o flétny v „La Lucertola“, surfovou kytaru v „Notte di giorno“ nebo zasněný pád do Fulciho králičí nory v „Spiriti“, je to další Morriconeho partitura, u které si budete myslet, že vaše stereo je posedlé nějakým démonem, který má opravdu, ale opravdu skvělý hudební vkus.
„Cold Eyes Of Fear“ (1971)
Pokud máte náladu na Morriconeho nejavantgardnější stránku, na tu, po které i ty nejdisonantnější zvuky ve filmu Davida Lynche zní jako Buddy Holly, nehledejte nic jiného než „Cold Eyes Of Fear“.“ Thriller Enza Castellariho sice sotva drží krok s ostatními gially své doby, ale tento rtuťovitý, acid-jazzový soundtrack od Maestra se vám zaryje pod kůži a donutí vás hodiny chodit po jehlách, přičemž akordy violoncella a trubky se budou opakovat v nejedné noční můře. Ruku na srdce, „Cold Eyes Of Fear“ je nejzáměrněji disharmonická Morriconeho partitura, která prostřednictvím zvuků a zvonkoher hledí do filmové propasti. Je to také jeden z vrcholů skladatelovy kariéry v giallo aranžmá, ostře připomínající jeho rané dny jako avantgardního improvizátora v Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza.
„Cat O‘ Nine Tales“ (1971)
V přímém kontrastu s „Cold Eyes Of Fear“ jsou Morriconeho kompozice pro „Cat O‘ Nine Tails“,“ druhého filmu Daria Argenta, jsou plné krásných, téměř oduševnělých harmonií, typických pro hlavní téma „Ninna Nanna“, kde opět využívá Dell’Orsova hlasového mistrovství k vysoce hypnotickým účinkům. Strach vyvolávající „Paranoia Prima“ pravděpodobně poznáte, protože si ji znovu přivlastnil Tarantino v „Kill Bill Vol. 1“, zatímco zbytek partitury je poset hlubokými basovými tóny violoncella a druhem šumu v pozadí, který vykresluje tisíce temných obrazů. V té době – a ne, to není překlep, stále jsme v roce 1971 – už bylo jasné, že Morricone neovládá a nevlastní jen westernový žánr, ale i prazvláštní zvuky italských slasherů.
„Kašli, ty sráči!“ (Duck, You Sucker! (1971)
Není to však tak, že by se v jednasedmdesátém roce věnoval pouze giallu. Morricone se věnoval všemu, co se mu vešlo do jeho směšně zhuštěného programu. Patřila k tomu i další virtuózní hudba k westernu Sergia Leoneho, v tomto případě k filmu „Kachno, ty sráči!“. (alias „A Fistful of Dynamite“). Mohla by to být dost možná nejrozmarnější Morriconeho Leoneho hudba, jejíž nezapomenutelná směs komiky a opery dělá divy, jak okamžitě zazní v „Main Theme“ filmu. Mdlé smyčce, které v jednu chvíli převezmou vládu, vás unesou do kouzelného světa filmů, než operní mezzosoprán Dell’Orso přidá nečekanou vrstvu. Sám skladatel tento film v rozhovoru pro Quietus označil nad jiné za skvělý příklad svého „prolínání tonální a avantgardní hudby“
„What Have You Done To Solange?“ (Co jste to udělali Solange? (1972)
Ahh, ten klavír. Přidejte další vítěznou spolupráci s Eddou Dell’Orso v giallo filmu, který stojí za metál Morriconeho hudby. Snímek Massima Dallamana „Co jsi udělal Solange?“ je prosycený tajemstvím, nefalšovaným vzrušením a jakousi paranoiou, která je pevnější než klavírní drát. Od úvodního titulního tématu přes jazzové milieu „Una Tromba E La Sua Notte“ a kolotočové zvuky „Fragile Organetto“ je partitura dalším rafinovaně roztěkaným a provokativním dílem filmové hudby, které těm, kdo film viděli, okamžitě promítne obrazy vraždícího kněze Fabia Testiho a Alžběty Cristiny Galbo, a ty, kdo ho neviděli, láká k vyhledání. Morriconeho hudba je zde tak paralyzujícím způsobem dobrá, že vám ani nedovolí pousmát se nad nepovedeným dabingem.
„Revolver“ (1973)
Jedná se o další případ méně známé Morriconeho hudby, kterou Tarantino znovu použil (tentokrát ve filmu „Inglourious Basterds“), a pokud si říkáte: „To jsi do tohoto seznamu právě zařadil všechno, co QT znovu použil?“, odpověď je téměř, ale ne proto, že bych si to předsevzal. Tarantinův hudební vkus je impozantní, bez ohledu na to, co si myslíte o jeho tvorbě nebo velikosti jeho ega, a když procházíte Morriconeho rozsáhlou tvorbu, věci, které vyčnívají, jsou častěji než ty, které vyčnívaly samotnému Tarantinovi. I když kdyby byl „Revolver“ Sergia Sollimy jen o emocionálně rozjitřených smyčcích „Un Amico“, je pravděpodobné, že by se do výběru nedostal. Dvanáctiminutová titulní skladba má pozoruhodný drive s vrstvenými hornami a „Quasi Vivaldi“ je příjemným malým pošťouchnutím slavného skladatele.
„Spasmo“ (1974)
„Spasmo“, poslední z giall, která se objevila v tomto seznamu, vyniká nad ostatními svými nádhernými částmi „Bambole“ a „Spasmo“. V roce 1974 už Morricone očividně ovládal giallo hudbu díky spolupráci s Argentem a Dallamanem, ale stále mu zbývala jedna ohromně senzační hudba pro Umberta Lenziho. Děsivě romantické a emotivní aranžmá syntezátorových melodií, lidského hučení a dechových nástrojů rezonuje daleko za přístrojem, který hudbu přehrává (a vlastně i za obrazovkou). Prolínání fantastického s reálným, jak je u gialla tradicí, směs syntetického a přirozeného v Morriconeho hudbě zaujímá přední místo v „Spasmo“, pravděpodobně jedné z nejkrásnějších hudebních skladeb, které kdy byly zkomponovány pro horor.
„Exorcista II: Kacíř“ (1977)
Od krásného k naprosto dementnímu, přičemž se stále hraje na stejném pískovišti. „Vymítač ďábla II“ je naprostá filmová katastrofa, chudé pokračování jinak skvělého Johna Boormana. Ale stejně jako v případě několika dalších filmů na tomto seznamu, i za příšerným filmem se někdy skrývá nesmírně dobrá hudba, což Morricone, nade všechny ostatní filmové skladatele, opakovaně dokázal zářnými příklady, jako je tento. Začíná pěkně a krásně s „Regan’s Theme“, ale netrvá dlouho a „Exorcista II“ se zvrhne v šílenství se zpěvy „Pazuz““ a ženským kvílením „Malé afro-flámské mše“. Jakmile se dostanete k bláznivé „Magic And Ecstasy“, udeří vás: tohle je to nejšílenější, co jsme kdy od Morriconeho slyšeli. A je to úžasné.
„Days Of Heaven“ (1978)
Morriconeho první z pěti nominací na Oscara (o všech pět nakonec přijde: hanba!), „Days Of Heaven“ je jednou z těch vysněných spoluprací režiséra a skladatele. Při první spolupráci s Terrencem Malickem vytvořil Morricone jednu ze svých nejlepších amerických hudeb, která dokonale doplňuje Malickovy hluboce procítěné tematické tendence a vznešenou kameru Nestora Almendrose. Snová úvodní skladba „Aquarium“ není Morriconeho originálem, ale nádherně udává tón ikonické titulní skladbě plné nostalgického stesku, libozvučným flétnám v „Happiness“ a větrnému pohupování smyčců ve „Harvest“. To vše vytváří kompozici, která je kouzlem filmové hudby. A tady je něco, co nasytí vaše očekávání: Morricone a Malick se chystají znovu spojit síly pro režisérův dlouho očekávaný dokument „Voyage Of Time“.
„Věc“ (1982)
Vím, že tato hudba byla nominována na Razzie, jasné? Ale kašlete na to, protože „Věc“ se díky času a zdravému rozumu stala uznávanou jako jedno z nejstrašidelnějších děl Ennia Morriconeho. John Carpenter se slavně rozhodl, že k tomuto konkrétnímu filmu hudbu nenatočí, a místo toho pověřil Maestra (zjevně jako fanoušek Italovy giallo tvorby). Ačkoli legenda praví, že Carpenter nebyl s Morriconeho prací až tak spokojený a ve výsledném filmu použil jen její kousky, původně vydaný OST obsahuje skladby, které vybral sám Morricone. Očistěte svou mysl od okolního šumu kolem vydání a vychutnejte si jednu z Morriconeho nejnáladovějších partitur, která nádherně evokuje zimní izolaci prostředí filmu a fantasmagorické napětí, jež v něm převládá. Doporučujeme se sluchátky na uších a zhasnutými světly.
„Tenkrát v Americe“ (1984)
Jako poslední spolupráce dvou velikánů kinematografie 21. století a blízkých přátel se „Tenkrát v Americe“ řadí velmi vysoko mezi Morriconeho největší hity. Je to jeden z mála příkladů, kdy si můžete náhodně přehrát libovolnou skladbu a okamžitě ji poznáte jako hudbu, kterou Morricone vytvořil pro Leoneho mistrovské dílo; stejně emocionálně epické jako samotný film je ikonické použití hlavní panovy flétny (pro obzvlášť pronikavý příklad si poslechněte úvod „Childhood Memories“) a „Deborah’s Theme“, které tuto hudbu zvěčnily. Stejně jako v případě „Západu“ hrál Leone Morriconeho hudbu na place, aby herce naladil na atmosféru filmu, což z Morriconeho dělá tak trochu spolurežiséra. Krásná myšlenka pro dechberoucí filmový zážitek.
„Mise“ (1986)
„Rozhodně jsem měl pocit, že jsem měl vyhrát za ‚Misi‘,“ řekl pravděpodobně mrzutý Morricone v rozhovoru pro The Guardian v roce 2001. A samozřejmě měl za tuto expresivní a operní hudbu Oscara získat. „Gabrielův hoboj“ je dvou a půl minutový objev toho, jak musí znít nebe, zatímco jeho cit pro vytváření navždy zapamatovatelných titulních témat pokračuje v „Misi“, tak krásném hudebním zpracování, jaké kdy předtím nebo potom vytvořil. Vypráví se, že Morriconemu se ve vzácné chvíli pochybností o sobě samém zdály obrazy Rolanda Joffeho příliš silné a že si myslel, že by jim jeho hudba neprospěla. Vidíte? I géniové se mohou mýlit.
„Nedotknutelní“ (1987)
Brian De Palma a Ennio Morricone si skvěle rozuměli a v roce 1989 znovu úspěšně spolupracovali na filmu „Casualties Of War“, ale právě na Oscara nominovaná hudba k filmu „Nedotknutelní“ přinesla z jejich spolupráce nejšťavnatější ovoce. Po roce 1985 začal Morricone s filmovou hudbou polevovat a soustředil se spíše na živé koncerty, ale stejně jako u zbývajících soundtracků na seznamu byl stále ve svém živlu, když měl k pohyblivému obrazu dodat doprovodnou hudbu. Strhující vítězný motiv „Nedotknutelných“ zní po úderu crescenda trubek příliš dobře na to, aby byl někdy kýčovitý, zatímco motiv „Al Caponeho“ se ke skvělému komickému výkonu Roberta De Nira hodí jako ulitý.
„Cinema Paradiso“ (1988)
Morriconeho jméno je většinou spojováno s kriminálními eposy, westerny a gially, ale právě hudba, jakou složil a zaranžoval pro „Cinema Paradiso“, nutí člověka udělat krok zpět a uvědomit si, že vlastně neexistuje nic, v čem by se tento maestro nedokázal ohánět svou taktovkou. Byla to jeho první hudba pro Giuseppeho Tornatoreho, spolupráce, z níž vzejde ještě několik dalších nezapomenutelných skladeb, a stejně jako samotný film jsou všechny skladby odrazem bezedné lásky ke strhující síle samotného filmu. Smyčcové permutace, které posluchače zahalí všeobjímajícím teplem, jak je slyšíme v „Title Theme“ a „Love Theme“, vás omráčí do ticha.
„Frantic“ (1988)
Na film Romana Polanského „Frantic“ se při výčtu režisérových nejlepších filmů často zapomíná, ale v mém srdci má zvláštní místo. Když jsem si znovu pustil Morriconeho hudbu (bohužel jedinou, na které oba spolupracovali), okamžitě se mi vybavilo tajemství a paranoia, kterou prožívá zmatený doktor Harrisona Forda. Je to jedno z mistrových nejhlubších subtilních děl: je mistrně náladové, s naprosto neuvěřitelným využitím zvuků akordeonu, které přicházejí a odcházejí, přehlušeny vysoko položenými smyčci. Je to spojení giallo citlivosti, kterou si osvojil v 70. letech, s klasičtější orchestrální tvorbou, kterou v té době dělal, a výsledkem je další podivuhodná partitura, v níž se člověk může úplně ztratit.
„Legenda o 1900“ (1998)
V době, kdy udeřila 90. léta, už Morricone nebyl zdaleka tak plodný jako v minulosti, a i když vedle něj většina hollywoodských skladatelů stále vypadala jako děti bouchající do hrnců a pánví, je jasné, že vrchol své kariéry má za sebou (pravděpodobně ho dosáhl, pokud bychom ho chtěli vysledovat, v „Tenkrát v Americe“). Jak již bylo řečeno, stále se nechal inspirovat a pro svého dobrého přítele Giuseppe Tornatoreho vytvořil několik nádherných hudebních děl, klasičtějších než kdy jindy. Pro film „Legenda o 1900“, který získal druhý Zlatý glóbus, oslnil vášnivými klavírními kompozicemi a žalostnými smyčci, které nádherně vystihovaly ducha hudebního zázraku v jeho středu.
„Malena“ (2000)
Jeho pátá a poslední nominace na Oscara, než si hlasující uvědomili, že čestný Oscar je jediný způsob, jak si zachovat tvář, je „Malena“ nejlepším dílem, které Morricone v podzimní části své kariéry složil. Našel způsob, jak hudebně popsat svůdnou sílu Monicy Bellucci, která hraje smyslnou ženu v malém zaostalém italském městečku. Emocionální horská dráha, kterou film je – příběh o dospívání a zároveň společenský komentář k netoleranci úzkoprsých komunit -, obnažuje svou duši a podstatu v Morriconeho hudbě. Skladatel sáhl do svého arzenálu instrumentálních aranží a vytvořil něco žoviálního, nenapodobitelného a vznešeného.
Protože tento seznam byl sestaven z více než 500 filmových skladeb, klidně by se dalo přidat dalších 30 partitur Ennia Morriconeho a stále by něco chybělo. Ať jsem se snažil, jak jsem chtěl, abych vzhledem k jeho zběsilé tvorbě učinil zadost spravedlnosti, musel jsem s neuvěřitelně těžkým srdcem vyřadit některé jeho věci z 60. a 70. let, tedy z období, ve kterém toho moc nezkazil. Z nich „A Fistful Of Dollars“, nakažlivě popový „Slalom“, „Death Rides A Horse“ (další westernový klenot, z něhož si Tarantino vypůjčil), „The Five Man Army“, netradiční a potrhlý „Danger.“ (Nebezpečí): Corbucciho „Velké ticho“ a „Jestřábi a vrabci“ Piera Paola Pasoliniho.
Z let sedmdesátých jsou to „Násilnické město“, „Dva mezci pro sestru Sáru“, „Zakázané fotografie podezřelé dámy“, „Pátá šňůra“, „Vamos a Matar, Compañeros“, „Dělnická třída jde do nebe“ a „Kdo ji viděl umírat?“, které se do žebříčku nedostaly jen o vlásek. Jeho partitury k filmům „Veruschka“ a „Sacco e Vanzetti“ z roku 1971 jsou mezi fanoušky populární, ale jakkoli jsou opravdu dobré, zjistil jsem, že je nedokážu nahradit žádnou jinou. Mýlil jsem se? To mi řekněte vy!
Morriconeho 80. a 90. léta sice nejsou zdaleka tak plodná jako první dvě dekády, ale i tak jsou „Bílý pes“, „Rudá Sonja“, „Oběti války“, „Bugsy“ (jediná nominace na Oscara, která nebyla zahrnuta do hlavního seznamu), „Hamlet“, „Vlk“ a „Lolita“ jako některé z věcí, které byly vážně zvažovány pro hlavní položku.