Dialoge gekonnt schreiben: Lernen Sie von diesen großartigen Dialogbeispielen

Es steht außer Frage, dass eines der stärksten Elemente einer Geschichte der Dialog ist. Im Film bestimmt der Dialog den allgemeinen Ton des Films, stellt die Beziehungen zwischen den Figuren her und vermittelt dem Publikum auf subtile Weise die wichtigsten thematischen Botschaften. Daher ist das effektive Schreiben von Dialogen ein entscheidender Faktor für den Erfolg eines Autors.

In diesem Artikel werden wir untersuchen:

• Was ist die Bedeutung von Dialogen?
• Was ist ein guter Dialog?
• Die Entwicklung des Dialogs.
• 10 Beispiele für großartige Dialoge (2010-20)

Unterschiedliche Genres funktionieren gut mit unterschiedlichen Dialogen. Manchmal ist es ein unerwarteter Einsatz von Dialogen, der die Geschichte am effektivsten macht. In anderen Fällen ist ein vorhergesehener Dialog notwendig, um die Handlung ohne Verwirrung voranzutreiben. Aus diesem Grund kann das Schreiben von Dialogen für Filme schwierig sein.

Beim Schreiben von Dialogen müssen die Filmemacher entscheiden, wie sie wollen, dass ihr Publikum ihren Film wahrnimmt. Wird er komödiantisch und sarkastisch sein? Soll er ernst und realistisch sein? Oft verwenden Filmemacher beim Schreiben von Dialogen eine Kombination dieser Eigenschaften.

Eine der besten Möglichkeiten, etwas über das Schreiben von Dialogen zu lernen, besteht darin, sich auf die Schultern von Giganten zu stellen. Um Ihnen dabei zu helfen, haben wir einige der besten Dialogbeispiele aus zehn bemerkenswerten Oscar-nominierten/gekrönten Filmen des letzten Jahrzehnts zusammengetragen.

Bevor wir jedoch eintauchen, wollen wir die Grundlagen erläutern.

Überblick über den filmischen Dialog:

Der filmische Dialog wird einfach definiert als

„mündliche Konversation zwischen zwei oder mehr Charakteren“

Diese einfache Definition lässt dem Autor viel Raum für Kreativität. Andererseits gibt sie ihm auch viel Raum für Fehler. Man muss bedenken: Es gibt Filme, und dann gibt es große Filme. Genauso gibt es Dialoge, und dann gibt es großartige Dialoge.

Große Dialoge haben einen Sinn. Großartige Dialoge haben einen Grund für jedes Wort, das ausgetauscht wird. Wenn die Dialoge eines Films aus dem Rahmen fallen, unnötig oder unpassend sind, kann das leicht die gesamte Produktion in Mitleidenschaft ziehen. Wir wollen nicht schimpfen, aber haben Sie „The Room“ gesehen?

Um den Dialog zu perfektionieren, müssen sich die Autoren zwei Fragen stellen:

• Was vermittelt dieses Gespräch dem Zuschauer?
• Was bringt dem Film dieser Austausch zwischen den Figuren?

Wenn diese Fragen nicht beantwortet werden können, muss das Drehbuch überarbeitet werden.

Was ist ein großartiger Dialog?

Der wichtigste Nutzen beim Schreiben von Dialogen ist vor allem die Entwicklung. Ein guter Dialog bringt die Geschichte mühelos voran. Außerdem baut er die Persönlichkeit der Figuren auf die ausdrucksvollste Weise auf.

Schreibern wird oft gesagt: „Zeigen, nicht erzählen“, und genau das tut der Dialog. Das Publikum möchte sich selbst ein Bild von den Figuren machen, und der Dialog ist das Mittel, mit dem Sie es ihm ermöglichen. Der Dialog ist die Art und Weise, wie die Figuren sich ausdrücken. Der beste Dialog kann die Persönlichkeit eines Charakters allein durch seinen Tonfall und nicht durch seinen eigentlichen Inhalt offenbaren.

Großartige Dialoge enthalten viel mehr als die Summe ihrer Teile. Er kann die Spitze eines Eisbergs sein, unter der sich eine ganze Menge verbirgt. Oder ein großartiger Dialog kann Musik in den Ohren sein, die wie eine sprachliche Waffe eingesetzt wird und das Publikum im positiven oder negativen Sinne (zum Lachen oder zum Weinen) bis ins Mark trifft.

Entwicklung des Dialogs:

Es ist allgemein bekannt, dass der Filmdialog mit dem Tonfilm zum Leben erweckt wurde, auch bekannt als Tonfilm. Man könnte sogar behaupten, dass der Dialog im Kino auf die Stummfilmzeit zurückgeht. Damals wurden lokale Schauspieler engagiert, die den Text der Figuren persönlich im Kino vortrugen.

Außerdem wurden Tonfilme aufgrund des damaligen Stands der Technik erst in den späten 1920er Jahren kommerziell genutzt. Anfang der 1930er Jahre jedoch waren Tonfilme und damit auch Dialoge ein weltweites Phänomen.

In den nächsten Jahrzehnten nutzten Regisseure und Drehbuchautoren die Möglichkeit des synchronisierten Dialogs. Viele Filmemacher entwickelten sehr akribische und extravagante Dialogstile. Dies zeigt sich in vielen Screwball-Komödien der 1940er Jahre. Eine der bekanntesten, His Girl Friday, brauchte ein 191-seitiges Drehbuch für nur 92 Minuten.

Da das Schreiben von Dialogen heute ein unbestrittenes Grundnahrungsmittel für Filme ist, haben einige Autoren den gegenteiligen Ansatz gewählt und gezeigt, dass weniger manchmal mehr ist. Ein Beispiel dafür ist A Quiet Place. Dieser Horrorfilm aus dem Jahr 2018, bei dem John Krasinki Regie führte, enthält ein kurzes 67-seitiges Drehbuch für einen 91-minütigen Film, das kaum einen Dialog enthält.

Insgesamt können Dialoge schwer und lebhaft sein, oder sie können kurz und einfach sein. Solange jede Zeile wirkungsvoll ist und einen Beitrag leistet, kann ein Dialog durchaus einen ganzen Film tragen.

10 Beispiele für großartige Dialoge

Noah Baumbachs Drama Marriage Story erhielt sechs Nominierungen bei den 92. Academy Awards. Das Drehbuch des Films beleuchtet den emotionalen Aufruhr einer Scheidung und wurde von der Kritik für seine Schärfe und seinen Realismus gelobt.

Marriage Story lehrt uns, dass beim Schreiben von Dialogen die unbequeme Wahrheit oft am meisten beim Zuschauer ankommt. Das Publikum liebt es, sich mit einem Film zu verbinden, selbst auf die unwahrscheinlichsten Arten. Manche Filme erinnern uns an das Mitgefühl der Menschen und an die glücklichen Momente des Lebens. Die Dialoge in Marriage Story sind kein Beispiel dafür.

Baumbach neigt dazu, fast alle seine Figuren zu hinterfragen, und zeigt dabei erschreckend wahre Schwächen, die sich bei vielen Menschen um uns herum und sogar bei uns selbst finden lassen. In den Dialogen von Marriage Story gibt es Anzeichen für Gaslighting, Egoismus, Selbstsucht, Gier und äußeren Kontrollverlust.

Im Endeffekt ist das Ergebnis eine schmerzhafte Darstellung zweier Menschen, die das Schlimmste aus dem anderen herausholen. Sie spüren die Schwächen und Unsicherheiten des anderen auf und dringen bis zu dessen Kern vor. Es ist ein brillantes Beispiel für die Schwierigkeiten einer Langzeitbeziehung, in der jeder so viel Wissen über den anderen besitzt, dass er es wie eine Waffe einsetzen kann.

„Erstens, ich liebe meine Mutter, sie war eine wunderbare Mutter. Zweitens, wie kannst du es wagen, meine Mutterschaft mit meiner Mutter zu vergleichen! Ich bin vielleicht wie mein Vater, aber ich bin nicht wie meine Mutter!“

„Doch, das bist du! Und du bist wie mein Vater. Du bist auch wie meine Mutter. Du bist all das Schlechte an all diesen Menschen!“

Zum Beispiel…

Das sehen wir, als Nicole und Charlie Barber, die besagte Geschiedene und der besagte Geschiedene, nach einem Gerichtstermin einen aggressiven Streit haben. Kurz gesagt, Charlie sagt Nicole, das Leben mit ihr sei freudlos gewesen und sie solle froh sein, dass er „nur mit einer anderen geschlafen hat“. Daraufhin schreit er sie heftig an: „Jeden Tag wache ich auf und hoffe, dass du tot bist.“

Die meisten Zuschauer sind mit Charlies und Nicoles Worten in dieser Szene nicht einverstanden, aber die Emotionen, die sich dahinter verbergen, sind vielen Menschen leider unheimlich vertraut. Die Dialoge des Films sind sicherlich komplex, mit vielen Sätzen, die so grausam sind, dass man sie kaum ertragen kann.

Diese unangenehme, aber wiedererkennbare Rede zeigt, wie ein Dialog für verschiedene Menschen wahr klingen kann, auch wenn er vielleicht auf keinen von ihnen direkt zutrifft.

Her (2013)

Spike Jonze gab mit seinem exzentrischen Sci-Fi-Romantikdrama Her sein Solo-Drehbuchdebüt. Her wurde 2013 mit dem Academy Award für das beste Originaldrehbuch ausgezeichnet. In diesem Film findet ein Großteil des Dialogs zwischen Theodore Twombly und seiner virtuellen Assistentin Samantha statt, die ein Betriebssystem mit künstlicher Intelligenz ist.

Was Her Filmemacher über das Schreiben von Dialogen lehrt, ist, wie sie ihren Figuren realistische Emotionen zuschreiben können, unabhängig davon, wie sie auf der Leinwand dargestellt werden. Samantha ist ein Betriebssystem, so dass der Zuschauer ihr nie ein Gesicht zuordnen kann. Trotzdem kann der Zuschauer miterleben, wie sich ihre Persönlichkeit allein durch ihre Gespräche mit Theodore herausbildet.

„Und dann hatte ich diesen schrecklichen Gedanken. Sind diese Gefühle überhaupt echt? Oder sind sie nur programmiert? Dieser Gedanke tut wirklich weh.“

Nicht nur das, der Zuschauer kann auch sehen, wie sich Theodores Persönlichkeit im Laufe seiner Beziehung zu Samantha verändert. Seine Gespräche mit Samantha bringen ihn dazu, endlich die Scheidungspapiere seiner Ex-Frau zu unterschreiben. Außerdem zeigen die Auswirkungen ihrer Beziehung die Fähigkeit der Dialoge, die Handlung voranzutreiben.

Sie lehrt uns, dass das Schreiben von Dialogen nicht unbedingt konventionelle Formen annehmen muss. Ein Film kann die unwahrscheinlichsten Charaktere aufweisen und trotzdem in den Augen des Zuschauers rational sein.

Die Art und Weise, wie sich die Dialoge in Her gestalten, wirkt fast klassisch: Zwei Figuren lernen sich kennen, indem sie miteinander reden. In einem futuristischen Setting fühlt sich dieser Klassizismus intelligent und lohnend an.

The Grand Budapest Hotel (2014)

Wes Andersons The Grand Budapest Hotel ist, wie viele seiner anderen Filme, bekannt für seine eher nüchternen, aber überzeugenden Dialoge. Dieses Komödien-Drama wurde bei der 87. Oscar-Verleihung mit vier von neun Nominierungen ausgezeichnet. Andersons Drehbuch lehrt uns, dass Understatements beim Schreiben von Dialogen tatsächlich dazu dienen können, den Ton eines Films zu unterstreichen.

In The Grand Budapest Hotel wird ein Großteil der Dialoge sachlich gesprochen, obwohl die Situationen oder der Inhalt ziemlich bizarr sind. Dadurch wird die komödiantische Ironie des Films noch verstärkt.

Zum Beispiel…

In der Schießerei im Hotel schießen praktisch ein Dutzend Leute quer durch das Hotel aufeinander. In der Realität ist es schwer zu sagen, welche Worte man sagen könnte, um so viele Leute davon abzuhalten, aufeinander zu schießen.

In diesem Film genügt es jedoch, dass ein Ermittler „Feuer frei!“ ruft, und alle gehorchen sofort seinem Befehl. Der Ermittler, Albert Henckels, fragt dann: „Wer schießt auf wen?“ Und die Figuren antworten tatsächlich.

Dimitri, der ursprüngliche Anstifter der Schießerei, gibt daraufhin eine kurze Beschreibung von Gustav H. und nennt ihn einen Mörder und Dieb. Gustave gibt daraufhin eine lebhafte, aber detaillierte Beschreibung von Dimitri und erinnert sich an all die Menschen, die er ermordet hat. Keiner der beiden Charaktere äußert diese Details mit Angst oder Schrecken, sondern eher mit einer kindlichen Sicherheit, die den Tratsch-Satz „Er hat es getan!“

Dieser Austausch findet statt, während fast alle noch ihre Waffen gegeneinander richten. Die Unpraktikabilität des Dialogs, der in diesem Kontext stattfindet, ist es, was Andersons ironischen Gesamtton verstärkt. Obwohl der Dialog alles andere als realistisch ist, macht er den Film so unverwechselbar.

Carol (2015)

Carol ist ein romantisches Drama, das auf dem 1952 erschienenen Roman Der Preis des Salzes von Patricia Highsmith basiert. Der emotionale Film unter der Regie von Todd Haynes war der am besten bewertete Film des Jahres 2015. Neben dem weltweiten Lob erhielt Carol sechs Oscar-Nominierungen bei den 88. Academy Awards, darunter eine Nominierung für das beste adaptierte Drehbuch.

Der Film erzählt von der verbotenen Romanze zwischen Therese Belivet und Carol Aird. Carol lehrt uns, dass es beim Schreiben von Dialogen auf subtile Details ankommt.

In der ersten Hälfte des Films wird die Zuneigung von Therese und Carol zueinander nie explizit ausgesprochen. Stattdessen werden dem Zuschauer verschiedene Dialoghinweise präsentiert, die ihre romantischen Gefühle spürbar machen.

Zum Beispiel…

Den ersten verbalen Hinweis auf die gemeinsame Anziehung der beiden erhält der Zuschauer, als Carol Therese erzählt, dass sie sich von ihrem Mann scheiden lässt. Sie fragt dann, ob Therese allein lebt, was Therese bejaht.

Therese erwähnt daraufhin Richard, einen Mann, der sie heiraten will. Carol fragt Therese, ob sie ihn heiraten wolle, und Therese antwortet: „Nun, ich weiß kaum, was ich zum Mittagessen bestellen soll.“ Obwohl nichts nach außen hin gesagt wird, bringen beide Figuren einander und dem Publikum gegenüber auf subtile Weise ihre Abneigung gegen die Männer in ihrem Leben zum Ausdruck.

„Ich bezweifle sehr, dass ich mit ihm zum Mittagessen gegangen wäre.“

Dieser Dialog ist sehr bezeichnend für die Zeit, in der der Film spielt. Da gleichgeschlechtliche Anziehungskraft in den 1950er Jahren verpönt war, waren die meisten Gespräche über dieses Thema nur selten direkt. Oft wurde alles, was mit Homosexualität zu tun hatte, mit Bedacht gesagt.

Carols Scheidungsanwälte verwenden Ausdrücke wie „Verhaltensmuster“ und „Verhaltensweise“, wenn sie auf ihre früheren Beziehungen zu Frauen anspielen. Außerdem spricht Carols Ehemann ihre Sexualität auch nie direkt an. Stattdessen spricht er mit ihr über das Thema, indem er Dinge wie „Frauen wie du“ sagt.

Durch solche kleinen Details gelingt es Carol, das Publikum durch die erste Hälfte des Films zu führen, ohne dass ein offensichtlicher, offener Dialog verwendet wird. Dadurch wird nicht nur die Spannung aufgebaut und die „geheime“ Natur von Carols und Thereses Beziehung gefördert, sondern es bleibt auch dem Kontext der damaligen Zeit treu.

20th Century Women (2016)

Auf der Grundlage seiner Jugend im Santa Barbara der 1970er Jahre schrieb und inszenierte Mike Mills dieses umfassende Coming-of-Age-Komödien-Drama. 20th Century Women wurde bei der 89. Oscar-Verleihung für das beste Originaldrehbuch nominiert.

Der Film enthält viele erzählerische Monologe, die Hintergrundgeschichten für die Hauptfiguren liefern. Die Dialoge in diesem Film gehen jedoch noch weiter und zeigen uns, wie diese Hintergrundgeschichten die Persönlichkeiten der Figuren prägen. Was 20th Century Women uns über das Schreiben von Dialogen lehrt, ist, wie man Details beim Thema und in Verbindung zueinander hält.

Zum Beispiel…

Ein Beispiel dafür ist Greta Gerwigs Figur Abbie Porter. Der Monolog, der Abbies Leben vor dem Zusammenleben mit Dorothea schildert, erzählt dem Publikum, wie sie zu dieser freigeistigen, temperamentvollen Fotojournalistin wurde. Er erzählt auch von Abbies Vorgeschichte mit Gebärmutterhalskrebs, an dem sie erkrankt ist, weil ihre Mutter bei ihrer Zeugung ein Fruchtbarkeitsmittel genommen hat.

Abbies Mutter will nicht mit Abbie über ihren Krebs sprechen und nimmt es ihr aus Schuldgefühlen übel. Aus diesem Grund beginnt Abbie, ein Zimmer bei Dorothea zu mieten.

Bei einem Abendessen in Dorotheas Haus legt Abbie ihren Kopf auf den Tisch. Dorothea fordert Abbie auf, aufzuwachen, und Abbie sagt: „Ich menstruiere.“ Abbies Unverblümtheit schockiert Dorothea, die ihr sagt, dass nicht jeder wissen muss, dass sie ihre Periode hat.

Was folgt, ist, dass Abbie frustrierend detailliert erklärt, warum Männer und Frauen besser über ihre Menstruation sprechen sollten. Sie bringt sogar mehrere Männer am Tisch dazu, ihr das Wort „Menstruation“ beiläufig zu wiederholen, um zu zeigen, dass es keine große Sache ist.

Das zeigt dem Publikum, wie die Zurückhaltung von Abbies Mutter, mit ihr über schwierige Situationen zu sprechen, zu Abbies heutiger Kühnheit geführt hat. Abbie ist nun noch mehr geneigt, unangenehme Themen mit anderen zu besprechen. Diese Szene ist mehr als nur ein kurzes komisches Dilemma in Bezug auf die feministische Perspektive. Sie dient dazu, Abbies aktuelle Persönlichkeit mit Bezug auf ihre Vergangenheit zu beleuchten.

Get Out (2017)

Jordan Peele’s Get Out wurde für vier Academy Awards nominiert und gewann einen Oscar für das beste Originaldrehbuch. Kein Wunder, dass dieser unglaubliche Horrorfilm vom Time Magazine zu einem der zehn besten Filme des Jahres 2017 gekürt wurde. Peeles Drehbuch zeigt uns die Macht des Subtextes bei der Schaffung von Atmosphäre und wie wichtig er beim Schreiben von Dialogen ist.

Der Anfang des Films vermittelt bei vielen der Charaktere ein unangenehmes Gefühl.

Zum Beispiel…

Anfänglich ist unser Protagonist Chris erleichtert, als er Logan King, einen anderen Schwarzen, auf einer Versammlung voller weißer Menschen sieht.

Diese Erleichterung schlägt schnell in Besorgnis um, denn Logan reagiert ungewöhnlich auf Chris‘ Begrüßung. Chris begrüßt Logan beiläufig mit den Worten: „Schön, noch einen Bruder hier zu sehen.“ Logan antwortet unbehaglich: „Hi, ja, natürlich, das ist es“. Logans unheimlich förmliche Antwort verwirrt Chris. Seine Verwirrung wird noch verstärkt, als Logans viel ältere, weiße Frau auftaucht.

Logan beugt sich vor und sagt zu seiner Frau: „Chris hat mir gerade erzählt, dass er sich viel wohler fühlt, wenn ich hier bin.“ Dieser ungewöhnliche Ausdruck von Ausführlichkeit wird von Chris und Logans Frau erkannt, die ihn eilig wegschickt, um andere Gäste zu begrüßen.

„Logan, es tut mir leid, dass ich dich wegreißen muss, aber die Wincotts haben nach dir gefragt.“

Durch das Hinzufügen eines subtilen, aber dennoch seltsamen und wirkungsvollen Dialogs wird eine unterschwellige Botschaft wahrgenommen, obwohl nur sehr wenig gesagt wird. Es wird der Eindruck erweckt, dass etwas falsch ist, ohne genau zu wissen, warum es falsch ist. So spürt das Publikum, dass sich eine Katastrophe anbahnt und ist gespannt auf die ganze Geschichte.

The Florida Project (2017)

The Florida Project ist ein Film, der einen ganz anderen Dialogstil als Wes Anderson hat. Sean Baker, der Regisseur und Co-Autor, hat für diesen für einen Oscar nominierten Film viele „Nicht-Profis“ engagiert. Aus diesem Grund sind die Dialoge sehr authentisch in Bezug auf den Schauplatz des Films.

Was The Florida Project über das Schreiben von Dialogen lehrt, ist, wie und wann man der Realität einer Geschichte treu bleibt. Während manche Filme davon leben, theatralisch zu sein, und andere es genießen, sich selbst zu untertreiben, treffen die Dialoge in The Florida Project durch ihre lebensnahe Art ins Schwarze. Er nimmt die Dinge, wie sie sind, und präsentiert sie dem Publikum als solche.

Diese Art von Dialogen, die die Realität so genau treffen, kann man nur bewundern. Der Film spielt in den klapprigen Motels in der Nähe von Orlando, Florida, und dreht sich um Moonee und ihre Mutter Halley. Sie leben im Motel The Magic Castle in ärmlichen Verhältnissen und können kaum die Miete bezahlen.

Zum Beispiel…

Ein perfektes Beispiel dafür, wie authentisch die Dialoge des Films sind, findet sich am Ende des Films. Zu diesem Zeitpunkt nimmt DCF Moonee von Halley weg. Nach einem emotionalen Ausbruch zwischen Halley und der Polizei gerät auch Moonee in Panik und läuft vor einem Berater des Jugendamtes weg. Sie schafft es bis zum nahe gelegenen Motel, in dem ihre Freundin Jancey wohnt.

Die Dialoge in diesem Teil des Films sind explizit, aggressiv und emotional. Bei einer so intensiven Szene, die die Realität vieler Familien in Armut schildert, gibt es keinen Grund, etwas anderes als realistisch zu sein. Unflätige Ausdrücke, Nuscheln und Unterbrechungen in der Sprache sind unumgänglich. Dies zu leugnen, würde den Film naiv und unsensibel gegenüber der realen Welt machen.

Lady Bird (2017)

Greta Gerwigs Lady Bird wurde für fünf Academy Awards nominiert. Der Film lebt von einem Drehbuch, das sich um die dysfunktionalen Beziehungen einer eigenwilligen Jugendlichen dreht. Die Coming-of-Age-Komödie konzentriert sich auf den Eifer einer angehenden Highschool-Absolventin und ihre Abneigung gegen die Welt um sie herum.

Was uns Lady Bird über das Schreiben von Dialogen lehrt, ist, wie ein Film Konflikte allein durch Worte aufbauen kann. Die Dialoge in Lady Bird sind es, die viele der Figuren auslösen und sie dazu bringen, sich so zu verhalten, wie sie es tun.

Zum Beispiel…

Das sehen wir bereits in den ersten drei Minuten des Films. Als Christine (Lady Bird) und ihre Mutter Marion nach Hause fahren, hören sie sich gerade John Steinbecks Die Früchte des Zorns an. Christine will das Radio einschalten, aber Marion will in Ruhe sitzen bleiben.

Aus dieser einen Meinungsverschiedenheit entsteht schnell ein Streit, aber der Inhalt weitet sich aus und entwickelt sich, um die gesamte Persönlichkeit der Charaktere innerhalb von nur ein paar Minuten zu enthüllen. Das Ergebnis dieses kurzen Austauschs ist mehr als nur eine Einführung in den Film. Es ist eine umfassende Zusammenfassung von Christines und Marions Persönlichkeiten und ihrer Mutter-Tochter-Beziehung.

„Niemand verlangt von dir, perfekt zu sein, nur rücksichtsvoll reicht aus.“

Aus dieser einen Szene können wir erkennen, wie sehr es Christine danach juckt, mehr vom Leben zu haben, aber auch, wie ihre Naivität ihre Fähigkeit trübt, ihr gegenwärtiges Leben zu schätzen. Marion hingegen ist praktisch und realistisch und nimmt es Christine übel, dass sie alles, was sie für sie getan hat, untergraben kann. Diese Grundhaltungen prallen den ganzen Film hindurch aufeinander.

Um diese Szene zu beenden, wirft sich Christine einfach aus dem Auto. Diese Art von unüberlegter Auflösung würde einfach nicht richtig sitzen, wenn sie nicht durch den vorhergehenden Dialog vorbereitet worden wäre.

Green Book (2018)

Green Book ist ein Beispiel für Dialoge, die die Persönlichkeiten der Charaktere wirklich veranschaulichen. Dieses biografische Komödiendrama gewann drei Oscars für den besten Film, das beste Originaldrehbuch und den besten Nebendarsteller. Der Film stand auch auf der Liste des American Film Institute (AFI) der zehn besten Filme des Jahres.

Gleich wie bei Lady Bird können wir in Green Book die Persönlichkeiten der Charaktere so intensiv und so schnell sehen, weil sie so gegensätzlich sind. Was Green Book Filmemachern über das Schreiben von Dialogen beibringt, ist die Tatsache, dass die Abgrenzung der Charaktere die Geschichte zusammenführen kann.

In diesem Film ist Tony Lip ein derzeit arbeitsloser Türsteher. Trotz seiner beruflichen Vergangenheit, in der er sich mit Betrunkenen herumschlug, ist Tony offen, lässig und gutmütig. Dr. Don Shirley hingegen ist übermäßig förmlich, ordnungsliebend und kritisiert Tonys Unbekümmertheit.

Tony, ein weißer Italiener, bekommt einen Job als Fahrer und Beschützer von Dr. Shirley, einem schwarzen Pianisten, während seiner Konzerttournee durch den tiefen Süden. Das ungleiche Paar lernt mehr voneinander, als sie erwartet haben.

Die Dialoge in Green Book unterhalten das Publikum, weil sowohl Tony als auch Dr. Shirley viel Persönlichkeit haben.

Zum Beispiel…

Beim Vorstellungsgespräch für den Job sagt Dr. Shirley zu Tony: „Sie haben mehrere Leute mit Ihrer angeborenen Fähigkeit beeindruckt, mit Problemen umzugehen.“ Tony antwortet: „Okay, ich habe kein Problem damit, mit Ihnen unterwegs zu sein, aber ich bin kein Butler.“

Der Kontrast in der Diktion zwischen Dr. Shirley und Tony zeigt uns, dass das Schreiben unkonventioneller Dialoge nicht immer ein Gegensatz zwischen Drehbuch und Genre oder Kontext und Reaktion ist, sondern auch die Unkonventionalität zwischen den Figuren selbst sein kann.

Bestien der südlichen Wildnis (2012)

Benh Zeitlins Bestien der südlichen Wildnis wurde bei den 85. Academy Awards für vier Oscars nominiert. Dieser aufschlussreiche Drama-Film wurde nach dem Einakter Juicy and Delicious von Lucy Alibar verfilmt, die als Co-Autorin fungierte. Der Film bescherte der 9-jährigen Quvenzhané Wallis den Titel der jüngsten Nominierten für die beste Hauptdarstellerin der Geschichte.

Die wilden Tiere des Südens spielen in The Bathtub, einer fiktiven Gemeinde in einem Bayou in Louisiana. Die Bewohner von The Bathtub weigern sich, trotz der schweren Überschwemmungen aus der heruntergekommenen Gegend auszuziehen. Die Protagonistin des Films, Hushpuppy, ist ein temperamentvolles sechsjähriges Mädchen, das versucht, sich gegen die zerfallende Welt um sie herum zu wehren, während ihr Vater, Wink, an einer unheilbaren Krankheit leidet.

Was Beasts of the Southern Wild über das Schreiben von Dialogen lehrt, ist, wie man die Hintergedanken einer Figur durch ihre Sprache aufzeigt.

Zum Beispiel…

Hushpuppys Gespräche mit Wink zeigen uns seine innere Frustration über das Sterben. Anfänglich erwecken Winks verbale Aggressionen gegenüber Hushpuppy den Eindruck, dass er sie völlig vernachlässigt. Doch mit jedem Dialog erfahren wir mehr und mehr über die Gründe für sein Verhalten.

Wink versucht, sich wegen seiner Krankheit emotional von Hushpuppy zu distanzieren. Er will sich von ihr isolieren, um seinen Tod für sie beide leichter zu machen, aber er will auch sicherstellen, dass sie ohne ihn überleben kann. Seine elterliche Philosophie ist harte Liebe, die sie herausfordert, damit sie auf das Leben ohne ihn vorbereitet ist.

„Jeder verliert das, was ihn ausmacht. Die tapferen Männer bleiben und sehen zu, wie es passiert. Sie laufen nicht weg!“

Das zeigt sich während eines Sturms, als Wink Klebeband auf den Boden legt, um eine Grenze im Haus zu ziehen, die festlegt, welche Seite ihm gehört und welche Hushpuppys Seite ist. Trotz dieser physischen Trennung ruft er Hushpuppy zu, sie solle sich Armschwimmer zulegen, falls das Wasser zu hoch steigt. Er sagt zu ihr: „Es ist meine Aufgabe, dich vor dem Tod zu bewahren, okay? Also lehn dich zurück und hör mir zu.“

Winks Versuch, sich von Hushpuppy zu distanzieren, scheitert immer wieder an seiner angeborenen Beschützerinstinkt ihr gegenüber. Der Dialog zwischen den beiden zeigt uns, dass Winks Handlungen keine bösen Absichten sind, sondern eher Nebeneffekte des persönlichen Kampfes, den er führt.