Att skriva en dialog på ett skickligt sätt:

Det råder ingen tvekan om att en av de mest kraftfulla delarna i en berättelse är dialogen. I film bygger dialogen upp filmens övergripande ton, etablerar relationerna mellan karaktärerna och avslöjar subtilt de viktigaste tematiska budskapen för publiken. Att skriva dialog på ett effektivt sätt är därför en viktig del av att lyckas som vilken typ av författare som helst.

I den här artikeln ska vi undersöka:

• Vad är innebörden av dialog?
• Vad är en bra dialog?
• Den utveckling som dialogen genomgår.
• 10 exempel på bra dialoger (2010-20)

Olika genrer fungerar bra med olika dialoger. Ibland är det en oväntad användning av dialog som gör berättelsen mest effektiv. Andra gånger är en förutsedd dialog nödvändig för att föra handlingen framåt utan förvirring. Det är därför det kan vara svårt att skriva dialoger för film.

När de skriver dialog måste filmskaparna bestämma sig för hur de vill att publiken ska uppfatta sin film. Ska den vara komisk och sarkastisk? Ska den vara allvarlig och realistisk? Ofta använder filmskapare en kombination av dessa egenskaper när de skriver dialog.

Ett av de bästa sätten att lära sig hur man skriver dialog är att stå på jättars axlar. För att hjälpa till med detta har vi samlat några av de bästa exemplen på dialog från tio anmärkningsvärda Oscarsnominerade/vinnande filmer från det senaste decenniet.

Innan vi dyker in i det låter vi oss dock gå igenom grunderna.

Översikt över filmisk dialog:

Kinematisk dialog definieras helt enkelt som

”muntlig konversation mellan två eller flera karaktärer.”

Denna raka definition ger författaren stort utrymme för kreativitet. Å andra sidan ger den dem också mycket utrymme för misstag. Man måste komma ihåg: Det finns filmer, och sedan finns det bra filmer. På samma sätt finns det dialog, och sedan finns det bra dialog.

Endast av allt har bra dialog ett syfte. Stora dialoger har en anledning till varje ord som utbyts. Om en dialog i en film är olämplig, onödig eller felplacerad kan den lätt sänka hela produktionen. Vi gillar inte att förtala, men har du sett The Room?

För att fullända dialogen måste författare ställa sig två frågor:

• Vad ger den här konversationen till publiken?
• Vad vinner filmen på detta utbyte mellan dessa karaktärer?

Om dessa frågor inte kan besvaras behöver manuset revideras.

Vad är en bra dialog?

Av allt att döma är den mest avgörande användningen av att skriva dialog utveckling. Bra dialoger utvecklar berättelsen utan ansträngning. Dessutom bygger den upp karaktärernas personligheter på det mest uttrycksfulla sättet.

Författare får ofta höra ”visa, berätta inte”, och det är precis vad dialogen gör. Publiken vill bedöma karaktärerna själv, och dialogen är hur du låter dem göra det. Dialog är hur karaktärerna uttrycker sig. Den bästa dialogen kan avslöja en karaktärs personlighet bara genom själva tonen snarare än det faktiska innehållet.

En bra dialog innehåller mycket mer än summan av sina delar. Den kan vara toppen av ett isberg som döljer en hel del under sig. Eller så kan bra dialog vara musik i öronen, som ett språkligt vapen som skär in i publikens innersta kärna, antingen i positiv eller negativ bemärkelse (för att få dem att skratta eller gråta).

Dialogens utveckling:

Det är allmänt känt att den filmiska dialogen kom till liv med Talkies, även kända som ljudfilmer. Man skulle till och med kunna hävda att filmisk dialog går tillbaka till stumfilmstiden. Under denna tid anlitades lokala skådespelare för att spela upp karaktärernas repliker personligen på biografen.

På grund av det tekniska läget vid den tiden skulle ljudfilmerna dessutom inte komma i kommersiellt bruk förrän i slutet av 1920-talet. I början av 1930-talet var dock ljudfilmer, och därmed dialog, ett globalt fenomen.

Under de följande decennierna utnyttjade regissörer och manusförfattare möjligheten till synkroniserad dialog. Många filmskapare utvecklade mycket noggranna och extravaganta dialogstilar. Detta är tydligt i många screwballkomedier från 1940-talet. En av de mest kända, His Girl Friday, använde sig av ett hela 191 sidor långt manuskript på bara 92 minuter.

Däremot har vissa författare, i och med att det numera är en obestridlig grundförutsättning för filmer att skriva dialog, valt det motsatta tillvägagångssättet och visat hur mindre ibland är mer. Ett exempel på detta är A Quiet Place. Denna skräckfilm från 2018, regisserad av John Krasinki, har ett kort manus på 67 sidor för en 91 minuter lång film, där knappt något av det innehåller dialog.

Övergripande kan dialogen vara tung och livlig, eller så kan den vara kort och enkel. Så länge varje replik är slagkraftig och bidragande kan dialogen säkert bära en hel film.

10 exempel på bra dialog

Noah Baumbachs dramafilm Marriage Story fick sex nomineringar vid den 92:a Oscarsgalan. Filmens manus belyser skilsmässans känslomässiga turbulens och fick kritikerros för sin skärpa och realism.

Marriage Story lär oss att när det gäller att skriva dialog kan den obekväma sanningen ofta ge störst genklang hos tittarna. En publik gillar att knyta an till en film, även på de mest osannolika sätten. Vissa filmer påminner oss om mänsklighetens medkänsla och livets lyckliga stunder. Dialogen i Marriage Story är inte ett exempel på detta.

Baumbach har en tendens att granska nästan alla sina karaktärer och visa upp olidligt sanna brister som kan hittas hos många av människorna omkring oss och även hos oss själva. I Marriage Historys dialog finns bevis för gaslighting, egoism, själviskhet, girighet och yttre kontrollförlust.

I slutändan är resultatet en smärtsam uppvisning av två människor som tar fram det värsta hos varandra. De pekar ut varandras brister och osäkerhet och skär in i deras kärna. Det är en lysande demonstration av svårigheterna i ett långvarigt förhållande, där var och en har så mycket kunskap om den andra att de kan använda den som ett vapen.

”Först och främst älskar jag min mamma, hon var en underbar mamma. För det andra, hur vågar du jämföra mitt moderskap med min mamma! Jag må vara som min far men jag är inte som min mor!”

”Det är du! Och du är som min far. Du är också som min mor. Du är alla de dåliga sakerna hos alla dessa människor!”

Till exempel…

Vi ser detta när Nicole och Charlie Barber, skilsmässan och skilsmässan i fråga, har ett aggressivt gräl efter ett domstolsdatum. I en lång historia berättar Charlie för Nicole att livet med henne var glädjelöst och att hon borde vara glad att ligga med någon annan var ”allt han gjorde”. Han fortsätter med att våldsamt skrika till henne: ”Varje dag vaknar jag upp och hoppas att du är död.”

De flesta tittare godkänner inte Charlies eller Nicoles ord till varandra i den här scenen, men känslorna bakom dem är tyvärr och på ett obekvämt sätt bekanta för många människor. Filmens dialog är förvisso komplex, med många strängar av meningar som är så grymma att de nästan är för mycket att uthärda.

Detta obekväma, men ändå igenkännbara tal visar hur dialog kan klinga sant för olika människor, även om det kanske egentligen inte är tillämpligt på någon av dem direkt.

Her (2013)

Spike Jonze markerade sin solo manusdebut med sin excentriska sci-fi-romantiska dramafilm Her. Her vann 2013 års Oscar för bästa originalmanus. I den här filmen sker en stor del av dialogen mellan Theodore Twombly och hans virtuella assistent Samantha, som är ett operativsystem med artificiell intelligens.

Vad Her lär filmskapare om att skriva dialog är att tillskriva sina karaktärer realistiska känslor oavsett hur de presenteras på skärmen. Samantha är ett operativsystem, så publiken sätter aldrig visuellt ett ansikte på henne. Trots detta kan tittaren bevittna hur hennes personlighet formas enbart genom hennes samtal med Theodore.

”Och sedan hade jag den här hemska tanken. Är de här känslorna ens verkliga? Eller är de bara programmerade? Den tanken gör verkligen ont.”

Inte bara det, utan publiken får också se hur Theodores personlighet förändras i takt med att hans relation med Samantha utvecklas. Hans samtal med Samantha får honom att äntligen skriva under skilsmässopappren med sin ex-fru. Dessutom visar effekterna av deras förhållande på dialogernas förmåga att föra handlingen framåt.

Her lär oss att skriva dialoger inte behöver anta konventionella former. En film kan innehålla de mest osannolika karaktärerna och kan ändå finna berättigande i tittarens ögon.

Sättet som dialogen formas på i Her känns nästan klassiskt, bara två karaktärer som lär känna varandra genom att prata med varandra. I en futuristisk miljö känns denna klassicism intelligent och givande.

The Grand Budapest Hotel (2014)

Wes Andersons The Grand Budapest Hotel, liksom många av hans andra filmer, är känd för sin ganska dödliga men övertygande dialog. Denna komedi-dramafilm vann fyra av nio nomineringar vid den 87:e Oscarsgalan. Andersons manus lär oss att när man skriver dialog kan understatements faktiskt tjäna till att betona en films ton.

I The Grand Budapest Hotel talas mycket av dialogen sakligt trots att situationerna eller innehållet är ganska bisarrt. Vad detta gör är att höja den komiska ironin genom hela filmen.

Till exempel…

I skottlossningsscenen på hotellet är det praktiskt taget ett dussin människor som skjuter på varandra från hela hotellgolvet. I verkligheten är det svårt att avgöra vilka ord man skulle kunna säga för att faktiskt stoppa så många människor från att skjuta på varandra.

I den här filmen räcker det dock med att en utredare skriker ”crease fire!” för att alla omedelbart ska lyda hans order. Utredaren, Albert Henckels, fortsätter med att säga ”vem skjuter vem?”. Och karaktärerna svarar faktiskt.

Dimitri, den ursprungliga initiativtagaren till skottlossningen, ger en kort beskrivning av Gustave H. och kallar honom för mördare och tjuv. Gustave ger sedan en rask men detaljerad beskrivning av Dimitri och påminner om alla människor som han har mördat. Ingen av karaktärerna uppger dessa detaljer med skräck eller förskräckelse, utan snarare med en barnslig säkerhet som efterliknar skvallersnacket ”han gjorde det!”

Detta utbyte äger rum när nästan alla fortfarande håller vapen upp mot varandra. Det opraktiska i dialogen som äger rum i detta sammanhang är det som stärker Andersons övergripande ironiska ton. Även om dialogen är långt ifrån realistisk är det dialogen som gör filmen så utmärkande.

Carol (2015)

Carol är en romantisk dramafilm baserad på romanen The Price of Salt från 1952 av Patricia Highsmith. Denna känslosamma film, regisserad av Todd Haynes, var den bäst recenserade filmen 2015. Förutom globala lovord fick Carol sex Oscarsnomineringar vid den 88:e Oscarsgalan, inklusive en nominering för bästa anpassade manus.

Filmen kröner den förbjudna romansen mellan Therese Belivet och Carol Aird. Carol lär oss att när det gäller att skriva dialog är subtila detaljer allt.

Under filmens första halva är Therese och Carols tillgivenhet för varandra aldrig explicit uttalad. Publiken presenteras istället med olika dialogiska ledtrådar som gör deras romantiska känslor märkbara.

Till exempel…

Publiken får den första verbala föreställningen om parets gemensamma attraktion när Carol berättar för Therese att hon ska skilja sig från sin man. Hon frågar sedan om Therese bor ensam, vilket Therese svarar ja på.

Therese fortsätter att nämna Richard, en man som vill gifta sig med henne. Carol frågar Therese om hon vill gifta sig med honom och Therese svarar ”Tja, jag vet knappt ens vad jag ska beställa till lunch”. Även om ingenting sägs utåt, uttrycker båda karaktärerna subtilt, för varandra och för publiken, ett missnöje med männen i deras liv.

”Jag tvivlar starkt på att jag skulle ha gått på lunch med honom.”

Denna dialog är mycket refererande till den tidsperiod som filmen utspelar sig i. Eftersom samkönad attraktion var ogillat på 1950-talet var de flesta konversationer om ämnet knappast någonsin raka. Ofta talades allt som rörde homosexualitet med diskretion.

Carols skilsmässoadvokater använder fraser som ”beteendemönster” och ”sätt att uppträda” när de anspelar på hennes tidigare relationer med kvinnor. Dessutom uttalar sig Carols make heller aldrig direkt om hennes sexualitet. Han talar istället till henne om saken genom att säga saker som ”kvinnor som dig”.

Med hjälp av mindre detaljer som dessa kan Carol bära publiken genom den första halvan av filmen utan att använda någon uppenbar, öppen dialog. Detta bygger inte bara upp spänningen, vilket främjar den ”hemliga” karaktären av Carols och Therese relation, utan håller sig också trogen tidsperiodens sammanhang.

20th Century Women (2016)

Med utgångspunkt i sin tonårstid i 1970-talets Santa Barbara skrev och regisserade Mike Mills denna omfattande komedi-dramafilm om att komma upp i åldrarna. 20th Century Women nominerades för bästa originalmanus vid den 89:e Oscarsgalan.

Filmen innehåller mycket berättande monologer som ger bakgrundshistorier till huvudpersonerna. Det är dock dialogen i denna film som går ännu längre och visar oss hur dessa bakgrundshistorier formar karaktärernas personligheter. Det som 20th Century Women lär oss om att skriva dialog är hur man håller detaljerna på ämnet och i samband med varandra.

Till exempel…

Ett exempel på detta är Greta Gerwigs karaktär, Abbie Porter. Monologen som beskriver Abbies liv innan hon bodde hos Dorothea berättar för publiken hur hon kom att bli denna frimodiga, pigga fotojournalist. Den berättar också om Abbies historia med livmoderhalscancer, som hon fick på grund av att hennes mamma använde ett fertilitetsläkemedel när hon föddes.

Abbies mamma vill inte prata med Abbie om hennes cancer, och tar illa vid sig av skuldkänslor. På grund av detta börjar Abbie hyra ett rum av Dorothea.

En kväll har Abbie huvudet på bordet under en middagssammankomst hos Dorothea. Dorothea säger till Abbie att hon ska vakna och Abbie säger ”Jag har mens.” Abbies frispråkighet chockar Dorothea, som säger till henne att alla inte behöver veta att hon har mens.

Det som följer är att Abbie på ett frustrerande sätt förklarar varför män och kvinnor borde vara mer bekväma med att prata om mens. Hon får till och med flera män vid bordet att upprepa ordet ”menstruation” tillbaka till henne på ett nonchalant sätt för att visa att det inte är någon stor grej.

Detta visar publiken hur Abbies mors ovilja att prata om svåra situationer med henne inducerade Abbies nuvarande djärvhet. Abbie är nu ännu mer benägen att konfrontera obekväma ämnen med andra. Denna scen fungerar som mer än bara ett kort komiskt dilemma när det gäller det feministiska perspektivet. Dess syfte är att belysa Abbies nuvarande personlighet med hänvisning till hennes förflutna.

Get Out (2017)

Jordan Peeles Get Out nominerades till fyra Oscars och vann en Oscar för bästa originalmanus. Det är inte konstigt att den här otroliga skräckfilmen blev stämplad som en av Time Magazines tio bästa filmer 2017. Peeles manus visar oss subtextens kraft när det gäller att skapa atmosfär och hur viktigt det är när man skriver dialog.

Under hela filmens början finns det en avstötande känsla hos många av karaktärerna.

Till exempel…

Inledningsvis upplever vår huvudperson Chris en känsla av lättnad när han ser Logan King, en annan svart man, vid en sammankomst full av vita människor.

Denna lättnad övergår snabbt i oro på grund av Logans ovanliga reaktion på Chris hälsning. Chris hälsar Logan nonchalant genom att säga ”det är skönt att se en annan bror här”. Logan svarar oroligt genom att säga: ”Hej, ja, självklart är det så”. Logans kusligt formella svar gör Chris förvirrad. Hans förvirring blir ännu större när Logans mycket äldre, vita fru dyker upp.

Logan lutar sig in och säger till sin fru: ”Chris berättade just hur han kände sig mycket mer bekväm med att jag är här”. Detta ovanliga uttryck av detaljrikedom uppmärksammas av Chris och Logans fru, som skyndar honom iväg för att hälsa på andra gäster.

”Logan, jag hatar att slita bort dig kära du, men Wincotts frågade efter dig.”

Genom att lägga till subtila, men ändå märkliga och slagkraftiga dialoger uppfattas ett underliggande budskap trots att väldigt lite sägs. En föreställning om att veta att något är fel utan att veta exakt varför det är fel etableras. Utifrån detta kan publiken känna att en katastrof håller på att utvecklas och är angelägen om att få veta hela historien.

The Florida Project (2017)

The Florida Project är en film som har en helt motsatt dialogstil till Wes Andersons. Sean Baker, regissören och medförfattaren, anlitade faktiskt många ”icke-professionella” för denna Oscarsnominerade film. På grund av detta är dialogen mycket genuin i förhållande till filmens miljö.

Vad The Florida Project lär ut om att skriva dialog är hur och när man ska vara trogen verkligheten i en berättelse. Medan vissa filmer trivs med att vara histrioniska och andra njuter av att underspela sig själva, träffar The Florida Projects dialog hem på grund av dess sätt att skildra livet. Den tar saker och ting som de är och presenterar dem för publiken som sådana.

Den här typen av dialog, en dialog som tar verkligheten så precis på pricken, kan bara beundras. Filmen utspelar sig i de skrangliga motellen i närheten av Orlando, Florida, och kretsar kring Moonee och hennes mamma Halley. De bor på motellet The Magic Castle i fattigdom och har knappt råd att betala hyra.

Till exempel…

Ett perfekt exempel på hur autentisk filmens dialog är inträffar i slutet av filmen. Vid denna tidpunkt tar DCF bort Moonee från Halley. Efter ett känslomässigt utbrott mellan Halley och polisen får Moonee också panik och springer iväg från en rådgivare från barntjänsten. Hon tar sig till det närliggande motellet där hennes vän Jancey bor.

Den dialog som förs i denna del av filmen är explicit, aggressiv och känslomässig. Med en så intensiv scen som skildrar verkligheten för många familjer i fattigdom finns det ingen anledning att vara annat än realistisk. Det måste finnas grovt språk, mumlande och avbrott i talet. Att förneka detta skulle göra filmen naiv och okänslig för den verkliga världen.

Lady Bird (2017)

Greta Gerwigs Lady Bird nominerades till fem Oscars. Den här filmen trivs i ett manus som kretsar kring de dysfunktionella relationerna hos en stark tonåring. Komedi-dramafilmen coming-of-age nollställer sig på ivern hos en snart gymnasieexaminerad och hennes avsmak för världen omkring henne.

Vad Lady Bird lär oss om att skriva dialog är hur en film kan bygga upp en konflikt enbart med hjälp av ord. Dialogen i Lady Bird är det som sätter igång många av karaktärerna och driver dem att bete sig som de gör.

Till exempel…

Vi ser detta redan inom filmens tre minuter. När Christine (Lady Bird) och hennes mamma Marion kör hem slutar de att lyssna på ljudet av John Steinbecks The Grapes of Wrath. Christine går för att sätta på radion, men Marion vill sitta tyst.

Ett gräl bryter snabbt ut ur denna enda meningsskiljaktighet, men innehållet expanderar och utvecklas för att avslöja hela karaktärernas personligheter inom bara ett par minuter. Resultatet av detta korta meningsutbyte är mer än bara en introduktion till filmen. Det är en övergripande sammanfattning av Christines och Marions personligheter och deras mor-dotter-förhållande.

”Ingen ber dig vara perfekt, det räcker med hänsynsfullhet.”

Från den här enda scenen kan vi se hur ängsligt Christine längtar efter att få ut mer av livet, men också hur hennes naivitet skymmer hennes förmåga att uppskatta sitt nuvarande liv. Å andra sidan är Marion praktisk och realistisk, vilket gör att hon är förbittrad över Christines förmåga att undergräva allt hon har gjort för henne. Dessa grundläggande tankesätt kolliderar genom hela filmen.

För att avsluta scenen kastar sig Christine helt enkelt ut ur bilen. Denna typ av omåttlig upplösning skulle helt enkelt inte sitta rätt om den inte var förberedd av dialogen som följde innan.

Green Book (2018)

Green Book är ett exempel på en dialog som verkligen exemplifierar karaktärernas personligheter. Denna biografiska komedi-dramatik vann tre Oscars för bästa film, bästa originalmanus och bästa birollsskådespelare. Filmen var också med på American Film Institutes (AFI) lista över årets tio bästa filmer.

Likt Lady Bird kan vi i Green Book se karaktärernas personligheter så intensivt och snabbt på grund av deras motsägelsefullhet gentemot varandra. Vad Green Book lär filmskapare om att skriva dialoger är hur det att skilja dina karaktärer åt kan föra din berättelse samman.

I den här filmen är Tony Lip en för närvarande arbetslös utkastare. Trots att han har jobbat med att grovhugga fyllon är Tony uppriktig, nonchalant och godmodig. Å andra sidan är dr Don Shirley överdrivet formell, ordningsam och kritisk till Tonys lättsamhet.

Tony, en vit italienare, får ett jobb som chaufför och beskyddare av dr Shirley, en svart pianist, under hela hans konsertturné i den djupa södern. Det osannolika paret slutar med att lära sig och växa av varandra mer än de förväntat sig.

Den dialog som förs i Green Book håller publiken underhållen på grund av hur mycket personlighet som ges till både Tony och Dr. Shirley.

Till exempel…

När dr Shirley intervjuar Tony för jobbet säger hon till Tony: ”Du har imponerat på flera personer med din medfödda förmåga att hantera problem”. Tony svarar: ”Okej, så här ligger det till, jag har inga problem med att vara på resande fot med dig, men jag är ingen butler.”

Kontrasten i diktion mellan Dr. Shirley och Tony visar oss att det att skriva okonventionell dialog inte alltid är en motsättning mellan manuskript och genre eller kontext och respons, utan kan också vara okonventionaliteten mellan karaktärerna själva.

Beasts of the Southern Wild (2012)

Benh Zeitlins Beasts of the Southern Wild nominerades till fyra Oscars vid den 85:e Oscarsgalan. Denna belysande dramafilm anpassades från medförfattaren Lucy Alibars enaktspjäs Juicy and Delicious. Filmen gav också 9-åriga Quvenzhané Wallis titeln som historiens yngsta nominerade bästa skådespelerska.

Beasts of the Southern Wild utspelar sig i The Bathtub, ett fiktivt samhälle i en Bayou i Louisiana. Invånarna i The Bathtub vägrar att flytta ut ur det nedgångna området trots de svåra översvämningarna. Filmens huvudperson, Hushpuppy, är en livlig sexårig flicka som försöker värja sig mot den sönderfallande världen runt omkring henne samtidigt som hennes pappa Wink lider av en obotlig sjukdom.

Vad Beasts of the Southern Wild lär oss om hur man skriver dialoger är hur man kan visa på en karaktärs baktankar genom deras tal.

Till exempel…

Hushpuppys konversationer med Wink visar oss hans inre frustrationer inför döden. Till en början ger Winks verbala aggressivitet mot Hushpuppy publiken intrycket att han är helt försumlig mot henne. Varje dialogstycke ger oss dock mer och mer insikt i resonemanget bakom hans beteende.

Wink försöker att känslomässigt distansera sig från Hushpuppy på grund av sin sjukdom. Han vill isolera sig från henne för att göra hans död lättare för dem båda, men han vill också se till att hon överlever utan honom. Hans föräldrafilosofi är hård kärlek, han utmanar henne så att hon är förberedd på livet utan honom.

”Alla förlorar det som gjorde dem. De modiga männen stannar kvar och ser på när det händer. They don’t run!”

Detta syns under en storm när Wink lägger tejp på golvet för att göra en gräns i huset, vilket definierar vilken sida som är hans och vilken sida som är Hushpuppys. Trots att han gör denna fysiska separation mellan dem skriker han åt Hushpuppy att ta på sig armflottare ifall vattnet stiger för högt. Han säger till henne: ”Det är mitt jobb att se till att du inte dör, okej? Så luta dig tillbaka och lyssna på mig.”

Winks försök att distansera sig från Hushpuppy misslyckas ständigt på grund av hans inneboende beskyddande förmåga att skydda henne. Dialogen mellan dem visar oss att Winks handlingar inte är illasinnade, utan snarare bieffekter av den personliga kamp han utkämpar.