Écrire un dialogue de manière experte : Apprenez de ces excellents exemples de dialogue

Il ne fait aucun doute que l’un des éléments les plus puissants d’une histoire est le dialogue. Au cinéma, le dialogue construit le ton général du film, établit les relations entre les personnages et révèle subtilement les principaux messages thématiques au public. Ainsi, écrire un dialogue de manière efficace est un élément essentiel pour réussir en tant qu’écrivain, quel qu’il soit.

Dans cet article, nous examinerons :

• Quelle est la signification du dialogue ?
• Qu’est-ce qu’un grand dialogue ?
• L’évolution du dialogue.
• 10 exemples de grands dialogues (2010-20)

Différents genres fonctionnent bien avec différents dialogues. Parfois, c’est une utilisation inattendue du dialogue qui rend l’histoire la plus efficace. D’autres fois, un dialogue prévu est nécessaire pour faire avancer l’intrigue sans confusion. C’est pourquoi écrire un dialogue pour un film peut être délicat.

Lorsqu’ils écrivent un dialogue, les cinéastes doivent décider comment ils veulent que leur public perçoive leur film. Sera-t-il comique et sarcastique ? Sera-t-il sérieux et réaliste ? Souvent, les cinéastes utiliseront une combinaison de ces caractéristiques lors de l’écriture des dialogues.

L’une des meilleures façons d’apprendre à écrire des dialogues est de se tenir sur les épaules des géants. Pour vous y aider, nous avons rassemblé certains des meilleurs exemples de dialogues de dix films notables nommés/gagnés aux Oscars au cours de la dernière décennie.

Avant de nous plonger dedans cependant, passons en revue les bases.

Vue d’ensemble du dialogue cinématographique :

Le dialogue cinématographique se définit simplement comme

« une conversation orale entre deux ou plusieurs personnages. »

Cette définition simple donne au scénariste beaucoup de place pour la créativité. D’un autre côté, elle leur donne aussi beaucoup de place pour l’erreur. Il faut se souvenir : Il y a des films, et puis il y a des grands films. De même, il y a des dialogues, et puis il y a de grands dialogues.

Enfin, les grands dialogues ont un but. Les grands dialogues ont une raison d’être pour chaque mot échangé. Si les dialogues d’un film sont hors de propos, inutiles ou mal placés, ils peuvent facilement faire chuter toute la production. Nous n’aimons pas vilipender, mais avez-vous vu The Room ?

Pour perfectionner les dialogues, les scénaristes doivent se poser deux questions :

• Que donne cette conversation au public ?
• Que gagne le film par cet échange entre ces personnages ?

Si l’on ne peut pas répondre à ces questions, le scénario doit être révisé.

Qu’est-ce qu’un grand dialogue ?

Avant tout, l’utilité la plus cruciale de l’écriture du dialogue est le développement. Un excellent dialogue fait progresser l’histoire sans effort. De plus, il construit la personnalité des personnages de la manière la plus expressive.

On dit souvent aux écrivains « montrez, ne dites pas », et c’est exactement ce que fait le dialogue. Le public veut juger les personnages par lui-même, et le dialogue est la façon dont vous le laissez faire. Le dialogue est la façon dont les personnages s’expriment. Le meilleur dialogue peut révéler la personnalité d’un personnage juste par son ton même plutôt que par son contenu réel.

Un grand dialogue contient beaucoup plus que la somme de ses parties. Il peut être la pointe d’un iceberg, cachant beaucoup de choses en dessous. Ou encore, un grand dialogue peut être une musique aux oreilles, cédé comme une arme linguistique, coupant au cœur même d’un public, de manière positive ou négative (pour le faire rire ou le faire pleurer).

Évolution du dialogue :

Il est généralement noté que le dialogue cinématographique est né avec les Talkies, également connus sous le nom de films sonores. On pourrait même affirmer que le dialogue cinématographique remonte à l’époque des films muets. À cette époque, des acteurs locaux étaient engagés pour jouer les répliques des personnages en personne au cinéma.

En outre, en raison de l’état de la technologie à l’époque, les Sound Films ne seront pas utilisés commercialement avant la fin des années 1920. Cependant, au début des années 1930, les films sonores et, par essence, les dialogues, sont des phénomènes mondiaux.

Dans les décennies suivantes, les réalisateurs et les scénaristes ont profité de la possibilité de synchroniser les dialogues. Beaucoup de cinéastes ont développé des styles de dialogues très méticuleux et extravagants. Cela est évident dans de nombreuses comédies « screwball » des années 1940. L’une des plus connues, His Girl Friday, a utilisé un énorme scénario de 191 pages en seulement 92 minutes.

Contrairement, l’écriture des dialogues étant désormais un élément de base incontestable pour les films, certains scénaristes ont adopté l’approche inverse, démontrant comment parfois moins si plus. Un exemple de cela est A Quiet Place. Ce film d’horreur de 2018, réalisé par John Krasinki, présente un court scénario de 67 pages pour un film de 91 minutes, dont presque rien ne contient de dialogue.

Dans l’ensemble, les dialogues peuvent être lourds et vifs, ou ils peuvent être courts et simples. Tant que chaque ligne est impactante et contributive, le dialogue peut certainement porter un film entier.

10 exemples de grands dialogues

Le film dramatique Marriage Story de Noah Baumbach a reçu six nominations à la 92e cérémonie des Oscars. Le scénario du film met en lumière les troubles émotionnels du divorce et a été salué par la critique pour sa finesse et son réalisme.

Marriage Story nous apprend que lorsqu’il s’agit d’écrire un dialogue, c’est souvent la vérité inconfortable qui résonne le plus chez les spectateurs. Un public aime se connecter à un film, même de la manière la plus improbable. Certains films nous rappellent la compassion de l’humanité et les moments heureux de la vie. Les dialogues de Marriage Story n’en sont pas un exemple.

Baumbach a tendance à scruter presque tous ses personnages, exhibant des défauts atrocement vrais que l’on peut trouver chez beaucoup de gens autour de nous et même en nous-mêmes. Dans les dialogues de Marriage Story, on trouve des preuves de gaslighting, d’égoïsme, de cupidité et de perte de contrôle externe.

En définitive, le résultat est une démonstration douloureuse de deux personnes faisant ressortir le pire chez l’autre. Chacun d’entre eux épingle les défauts et les insécurités de l’autre, coupant jusqu’au cœur. C’est une démonstration brillante des difficultés d’une relation à long terme, chacun détenant tellement de connaissances sur l’autre qu’il peut les utiliser comme une arme.

« Premièrement, j’aime ma mère, c’était une mère merveilleuse. Deuxièmement, comment osez-vous comparer mon maternage à celui de ma mère ! Je suis peut-être comme mon père mais je ne suis pas comme ma mère ! »

« Vous l’êtes ! Et vous êtes comme mon père. Vous êtes aussi comme ma mère. Tu es toutes les mauvaises choses de toutes ces personnes ! »

Par exemple…

On le voit lorsque Nicole et Charlie Barber, la divorcée et le divorcé en question, ont une dispute agressive après un rendez-vous au tribunal. Pour faire court, Charlie dit à Nicole que la vie avec elle n’était pas joyeuse, et qu’elle devrait être heureuse de coucher avec quelqu’un d’autre, c’est « tout ce qu’il a fait ». Il entreprend de lui crier violemment : « tous les jours, je me réveille et j’espère que tu es morte. »

La plupart des spectateurs n’approuvent pas les mots que Charlie ou Nicole se sont adressés dans cette scène, mais les émotions qui se cachent derrière sont malheureusement et étrangement familières à beaucoup de gens. Les dialogues du film sont certes complexes, comportant de nombreuses chaînes de phrases si cruelles qu’elles sont presque trop lourdes à supporter.

Ce discours inconfortable, mais reconnaissable, démontre comment un dialogue peut sonner vrai pour différentes personnes, même s’il ne s’applique en réalité à aucune d’entre elles directement.

Her (2013)

Spike Jonze a marqué ses débuts de scénariste solo avec son film excentrique de drame romantique de science-fiction, Her. Her a remporté l’oscar 2013 du meilleur scénario original. Dans ce film, une grande partie du dialogue se déroule entre Theodore Twombly et son assistante virtuelle, Samantha, qui est un système d’exploitation d’intelligence artificielle.

Ce que Her apprend aux cinéastes sur l’écriture des dialogues, c’est comment attribuer des émotions réalistes à leurs personnages, quelle que soit la façon dont ils sont présentés à l’écran. Samantha étant un système d’exploitation, le public ne met jamais visuellement un visage sur elle. Malgré cela, le spectateur est capable de voir sa personnalité se dessiner uniquement à travers ses conversations avec Théodore.

« Et puis j’ai eu cette terrible pensée. Ces sentiments sont-ils seulement réels ? Ou est-ce qu’ils sont juste programmés ? Cette idée fait vraiment mal. »

Non seulement cela, mais le public est également en mesure de voir la personnalité de Théodore changer à mesure que sa relation avec Samantha progresse. Ses conversations avec Samantha le poussent à finalement signer les papiers du divorce avec son ex-femme. De plus, les effets de leur relation démontrent la capacité des dialogues à faire avancer l’intrigue.

Her nous apprend que l’écriture du dialogue ne doit pas nécessairement prendre des formes conventionnelles. Un film peut mettre en scène les personnages les plus improbables et trouver une justification aux yeux du spectateur.

La façon dont le dialogue se forme dans Her semble presque classique, juste deux personnages qui apprennent à se connaître en se parlant. Dans un cadre futuriste, ce classicisme semble intelligent et gratifiant.

Le Grand Budapest Hotel (2014)

Le Grand Budapest Hotel de Wes Anderson, comme beaucoup de ses autres films, est connu pour ses dialogues plutôt pince-sans-rire mais convaincants. Ce film de comédie dramatique a remporté quatre des neuf nominations à la 87e cérémonie des Oscars. Le scénario d’Anderson nous apprend que, lors de l’écriture des dialogues, les litotes peuvent en fait servir à souligner le ton d’un film.

Dans The Grand Budapest Hotel, une grande partie des dialogues est dite de manière factuelle même si les situations ou le contenu sont assez bizarres. Ce que cela fait, c’est élever l’ironie comique tout au long du film.

Par exemple…

Dans la scène de fusillade de l’hôtel, il y a pratiquement une douzaine de personnes qui se tirent dessus depuis l’étage de l’hôtel. En réalité, il est difficile de déterminer les mots que l’on pourrait dire pour réellement empêcher autant de personnes de se tirer dessus.

Cependant, dans ce film, il suffit qu’un enquêteur crie « feu de pliage ! » et tout le monde obéit immédiatement à son ordre. L’enquêteur, Albert Henckels, se met à dire « qui tire sur qui ? ». Et les personnages répondent réellement.

À partir de là, Dimitri, l’instigateur initial de la fusillade, fournit une brève description de Gustave H., le traitant de meurtrier et de voleur. Gustave donne ensuite une description vive mais détaillée de Dimitri, rappelant toutes les personnes qu’il a assassinées. Aucun des deux personnages n’énonce ces détails avec effroi ou terreur, mais plutôt avec une assurance enfantine qui imite la phrase du tattle-tale  » c’est lui qui l’a fait ! « 

Cet échange a lieu alors que la plupart des gens brandissent encore des armes les uns contre les autres. Le caractère irréalisable du dialogue qui se déroule dans ce contexte est ce qui renforce le ton ironique général d’Anderson. Bien que loin d’être réaliste, le dialogue est ce qui rend le film si distingué.

Carol (2015)

Carol est un film dramatique romantique basé sur le roman Le prix du sel de Patricia Highsmith, paru en 1952. Ce film plein d’émotions, réalisé par Todd Haynes, a été le film le mieux accueilli par la critique en 2015. En plus des éloges mondiaux, Carol a reçu six nominations aux Oscars lors de la 88e cérémonie des Oscars, dont une nomination pour le meilleur scénario adapté.

Le film relate la romance interdite entre Thérèse Belivet et Carol Aird. Carol nous apprend que lorsqu’il s’agit d’écrire un dialogue, les détails subtils sont tout.

Pendant toute la première moitié du film, l’affection de Thérèse et de Carol l’une pour l’autre n’est jamais explicitement énoncée. Le public est au contraire présenté avec divers indices de dialogue qui rendent leur sentiment romantique perceptible.

Par exemple…

Le public reçoit la première notion verbale de l’attirance partagée du couple lorsque Carol annonce à Therese qu’elle divorce de son mari. Elle demande ensuite si Therese vit seule, ce à quoi Therese répond par l’affirmative.

Therese poursuit en évoquant Richard, un homme qui veut l’épouser. Carol demande à Therese si elle veut l’épouser, ce à quoi Therese répond : « Eh bien, je sais même à peine quoi commander pour le déjeuner. » Bien que rien ne soit dit extérieurement, les deux personnages expriment subtilement, l’un à l’autre et au public, un dégoût pour les hommes de leur vie.

« Je doute fort que je serais allé déjeuner avec lui. »

Ce dialogue est très référentiel à l’époque à laquelle se déroule le film. Parce que l’attirance pour le même sexe était mal vue dans les années 1950, la plupart des conversations concernant le sujet n’étaient presque jamais directes. Souvent, tout ce qui se rapportait à l’homosexualité était parlé avec discrétion.

Les avocats du divorce de Carol utilisent des expressions comme « modèle de comportement » et « manière de se conduire » lorsqu’ils font allusion à ses relations antérieures avec des femmes. De plus, le mari de Carol ne fait jamais non plus directement état de sa sexualité. Il lui parle plutôt de la question en disant des choses comme « les femmes comme toi ».

En utilisant des détails mineurs comme ceux-ci, Carol est capable de transporter le public à travers la première moitié du film sans utiliser de dialogue évident et manifeste. Cela permet non seulement de créer du suspense, en approfondissant la nature  » secrète  » de la relation entre Carol et Therese, mais aussi de rester fidèle au contexte de l’époque.

20th Century Women (2016)

En se basant sur son adolescence dans les années 1970 à Santa Barbara, Mike Mills a écrit et réalisé ce film complet de comédie dramatique sur le passage à l’âge adulte. 20th Century Women a été nommé pour le meilleur scénario original lors de la 89e cérémonie des Oscars.

Le film comporte beaucoup de monologue narratif qui fournit des histoires de fond pour les personnages principaux. Cependant, ce sont les dialogues de ce film qui vont encore plus loin pour nous montrer comment ces histoires de fond façonnent la personnalité des personnages. Ce que 20th Century Women nous apprend sur l’écriture des dialogues, c’est comment garder les détails sur le sujet et en lien les uns avec les autres.

Par exemple…

Un exemple de cela est le personnage de Greta Gerwig, Abbie Porter. Le monologue détaillant la vie d’Abbie avant de vivre avec Dorothea raconte au public comment elle est devenue cette photojournaliste à l’esprit libre et plein d’entrain. Il nous parle également de l’histoire d’Abbie avec le cancer du col de l’utérus, qu’elle a contracté à cause de l’utilisation par sa mère d’un médicament de fertilité lorsqu’elle a été conçue.

La mère d’Abbie ne veut pas parler à Abbie de son cancer, et lui en veut par culpabilité. A cause de cela, Abbie commence à louer une chambre à Dorothea.

Un soir, Abbie a la tête sur la table lors d’un dîner en commun chez Dorothea. Dorothea dit à Abbie de se réveiller et Abbie répond  » j’ai mes règles « . » Le franc-parler d’Abbie choque Dorothea, qui lui dit que tout le monde n’a pas besoin de savoir qu’elle a ses règles.

La suite, c’est Abbie qui détaille de manière frustrante pourquoi les hommes et les femmes devraient être plus à l’aise pour parler des menstruations. Elle fait même répéter à plusieurs hommes présents à la table le mot « menstruation » avec désinvolture pour montrer que ce n’est pas grave.

Ceci montre au public comment la réticence de la mère d’Abbie à parler de situations difficiles avec elle a induit l’audace actuelle d’Abbie. Abbie est désormais encore plus encline à affronter des sujets malaisés avec les autres. Cette scène est plus qu’un bref dilemme comique concernant la perspective féministe. Son but est d’éclairer la personnalité actuelle d’Abbie en se référant à son passé.

Get Out (2017)

Get Out de Jordan Peele a été nommé pour quatre Oscars et a remporté l’Oscar du meilleur scénario original. Il n’est pas étonnant que cet incroyable film d’horreur ait été étiqueté par le Time Magazine comme l’un des dix meilleurs films de 2017. Le scénario de Peele nous montre le pouvoir du sous-texte dans la création d’une atmosphère et son importance lors de l’écriture des dialogues.

Pendant tout le début du film, il y a un sentiment rebutant avec de nombreux personnages.

Par exemple…

Au départ, notre protagoniste, Chris, éprouve un sentiment de soulagement lorsqu’il voit Logan King, un autre Noir, lors d’un rassemblement rempli de Blancs.

Ce soulagement se transforme rapidement en inquiétude en raison de la réponse inhabituelle de Logan à la salutation de Chris. Chris salue Logan de manière décontractée en disant : « ça fait plaisir de voir un autre frère par ici ». Logan répond mal à l’aise en disant : « Bonjour, oui, bien sûr, c’est vrai ». La réponse étrangement formelle de Logan rend Chris confus. Sa confusion est encore plus grande lorsque la femme blanche de Logan, beaucoup plus âgée, apparaît.

Logan se penche et dit à sa femme : « Chris était juste en train de me dire comment il se sentait beaucoup plus à l’aise avec ma présence ici. » Cette expression inhabituelle de détail est reconnue par Chris et la femme de Logan, qui l’éloigne précipitamment pour saluer d’autres invités.

« Logan, je déteste t’arracher ma chère mais, les Wincott demandaient de tes nouvelles. »

En ajoutant un dialogue subtil, mais étrange et percutant, un message sous-jacent est perçu même si très peu est dit. Une notion de savoir que quelque chose est mauvais sans savoir exactement pourquoi c’est mauvais est établie. À partir de là, le public peut sentir qu’une catastrophe se développe et est impatient de connaître toute l’histoire.

Le Projet Floride (2017)

Le Projet Floride est un film qui a un style de dialogue assez opposé à celui de Wes Anderson. Sean Baker, le réalisateur et coscénariste, a en fait engagé de nombreux « non-professionnels » pour ce film nommé aux Oscars. De ce fait, les dialogues sont très authentiques par rapport au cadre du film.

Ce que The Florida Project enseigne sur l’écriture des dialogues, c’est comment et quand rester fidèle à la réalité d’une histoire. Alors que certains films s’épanouissent en étant histrioniques et que d’autres se délectent à se sous-jouer, les dialogues de The Florida Project font mouche en raison de leur caractère  » slice-of-life « . Il prend les choses comme elles sont, et les présente au public comme telles.

Ce genre de dialogue, qui saisit si bien la réalité, ne peut qu’être admiré. Se déroulant dans les motels branlants près d’Orlando, en Floride, le film est centré sur Moonee et sa mère Halley. Elles vivent dans le motel The Magic Castle dans la pauvreté, se permettant à peine de payer un loyer.

Par exemple…

Un parfait exemple de l’authenticité des dialogues du film se produit à la fin du film. À ce moment-là, le DCF emmène Moonee loin de Halley. Après une explosion d’émotions entre Halley et la police, Moonee panique également et s’enfuit devant un conseiller du service de l’enfance. Elle parvient à rejoindre le motel voisin où vit son amie Jancey.

Le dialogue à cette partie du film est explicite, agressif et émotionnel. Avec une scène aussi intense qui dépeint l’actualité de nombreuses familles dans la pauvreté, il n’y a pas besoin d’être autre chose que réaliste. Il faut qu’il y ait un langage grossier, des marmonnements et des interruptions de parole. Nier cela rendrait le film naïf et insensible au monde réel.

Lady Bird (2017)

Le film Lady Bird de Greta Gerwig a été nommé pour cinq Oscars. Ce film s’épanouit dans un scénario centré sur les relations dysfonctionnelles d’une adolescente à la tête forte. Ce film de comédie dramatique sur le passage à l’âge adulte se concentre sur l’empressement d’une future diplômée du lycée et son dégoût pour le monde qui l’entoure.

Ce que Lady Bird nous apprend sur l’écriture des dialogues, c’est la façon dont un film peut construire un conflit par les seuls mots. Le dialogue dans Lady Bird est ce qui déclenche de nombreux personnages et les pousse à se comporter comme ils le font.

Par exemple…

Nous le voyons dans les trois minutes seulement du film. Alors que Christine (Lady Bird) et sa mère, Marion, rentrent chez elles en voiture, elles finissent d’écouter l’audio des Raisins de la colère de John Steinbeck. Christine va allumer la radio, mais Marion veut rester assise au calme.

Une dispute éclate rapidement à partir de ce seul désaccord, mais le contenu s’étend et évolue pour révéler l’intégralité de la personnalité des personnages en seulement quelques minutes. Le résultat de ce bref échange est plus qu’une simple introduction au film. C’est un résumé global des personnalités de Christine et Marion et de leur relation mère-fille.

« Personne ne vous demande d’être parfaite, juste prévenante fera l’affaire. »

À partir de cette seule scène, nous pouvons voir à quel point Christine démange anxieusement pour obtenir plus de la vie, mais aussi comment sa naïveté obscurcit sa capacité à apprécier sa vie actuelle. D’un autre côté, Marion est pratique et réaliste, ce qui lui laisse un goût amer pour la capacité de Christine à saper tout ce qu’elle a fait pour elle. Ces mentalités fondamentales s’affrontent tout au long du film.

Pour clore cette scène, Christine se jette tout simplement hors de la voiture. Ce genre de résolution intempestive ne passerait pas si elle n’était pas préméditée par le dialogue qui s’est déroulé auparavant.

Green Book (2018)

Green Book est un exemple de dialogue qui illustre véritablement la personnalité des personnages. Cette comédie dramatique biographique a remporté trois Oscars : meilleur film, meilleur scénario original et meilleur second rôle masculin. Le film figurait également sur la liste des dix meilleurs films de l’année de l’American Film Institute (AFI).

Similairement à Lady Bird, dans Green Book, nous sommes en mesure de voir les personnalités des personnages si intensément et si rapidement en raison de leur contraste les uns par rapport aux autres. Ce que Green Book enseigne aux cinéastes sur l’écriture des dialogues, c’est comment le fait de mettre vos personnages à part peut rassembler votre histoire.

Dans ce film, Tony Lip est un videur actuellement au chômage. Malgré son passé professionnel à malmener des ivrognes, Tony est franc, nonchalant et bon vivant. En revanche, le docteur Don Shirley est excessivement formel, ordonné et critique envers la facilité de Tony.

Tony, un Italien blanc, obtient un emploi pour conduire et protéger le Dr Shirley, un pianiste noir, tout au long de sa tournée de concerts dans le sud profond. Le couple improbable finit par apprendre et grandir l’un de l’autre plus que prévu.

Le dialogue dans Green Book maintient le public diverti en raison de la quantité de personnalité donnée à la fois à Tony et au Dr Shirley.

Par exemple…

Lors de l’entretien d’embauche de Tony, le Dr Shirley lui dit :  » Vous avez impressionné plusieurs personnes par votre capacité innée à gérer les problèmes.  » Tony répond par  » ok voilà, je n’ai aucun problème à être sur la route avec chu, mais je ne suis pas un majordome  »

Le contraste de diction entre le Dr Shirley et Tony nous montre que l’écriture d’un dialogue non conventionnel n’est pas toujours une opposition entre scénario et genre ou contexte et réponse, mais peut aussi être le non conventionnel entre les personnages eux-mêmes.

Les Bêtes du Sud sauvage (2012)

Les Bêtes du Sud sauvage de Benh Zeitlin a été nommé pour quatre Oscars lors de la 85e cérémonie des Oscars. Ce film dramatique éclairant a été adapté de la pièce en un acte de la coscénariste Lucy Alibar, Juicy and Delicious. Ce film a également permis à Quvenzhané Wallis, âgée de 9 ans, de décrocher le titre de plus jeune nominée pour la meilleure actrice de l’histoire.

Les Bêtes du Sud sauvage se déroule à La Baignoire, une communauté fictive dans un bayou de Louisiane. Les résidents de La Baignoire refusent de quitter la zone délabrée malgré les graves inondations. La protagoniste du film, Hushpuppy, est une petite fille de six ans pleine d’entrain qui essaie de repousser le monde qui s’écroule autour d’elle tandis que son père, Wink, souffre d’une maladie en phase terminale.

Ce que Beasts of the Southern Wild enseigne sur l’écriture des dialogues, c’est comment démontrer les arrière-pensées d’un personnage à travers son discours.

Par exemple…

Les conversations de Hushpuppy avec Wink nous montrent ses frustrations internes face à la mort. Au départ, l’agressivité verbale de Wink envers Hushpuppy donne au public l’impression qu’il est complètement négligent à son égard. Cependant, chaque morceau de dialogue nous donne de plus en plus d’informations sur le raisonnement derrière son comportement.

Wink essaie de s’éloigner émotionnellement de Hushpuppy à cause de sa maladie. Il veut s’isoler d’elle pour que sa mort soit plus facile pour tous les deux, mais il veut aussi s’assurer qu’elle survivra sans lui. Sa philosophie parentale est un amour dur, qui la met au défi afin qu’elle soit préparée à la vie sans lui.

« Tout le monde perd la chose qui l’a fait. Les hommes courageux restent et regardent ce qui se passe. Ils ne fuient pas ! »

Ceci se voit lors d’une tempête, lorsque Wink met du ruban adhésif sur le sol pour faire une frontière dans la maison, définissant ainsi quel côté est le sien et quel côté est celui de Hushpuppy. Malgré cette séparation physique entre eux, il crie à Hushpuppy de mettre des flotteurs pour les bras au cas où l’eau monterait trop haut. Il lui dit : « C’est mon travail de t’empêcher de mourir, d’accord ? Alors assieds-toi et écoute-moi. »

La tentative de Wink de se dissocier de Hushpuppy échoue continuellement à cause de sa protection innée envers elle. Le dialogue entre eux nous montre que les actions de Wink ne sont pas mal intentionnées, mais plutôt des effets secondaires de la bataille personnelle qu’il mène.

C’est le cas.