Le jazz est un goût acquis. Je dis cela même si c’est mon genre de musique préféré et en tant que guitariste de jazz. Nous pouvons également dire cela pour une variété d’autres styles, mais le jazz spécifiquement semble toujours être jeté dans la catégorie de la » musique du musicien « , ou quelque chose que vous ne pouvez apprécier que si vous le comprenez ou l’avez étudié.
Dans une certaine mesure, cela pourrait avoir une certaine validité. Dans les années vingt, trente et même dans les années quarante, le swing des big bands, le ragtime et d’autres sous-genres de jazz faisaient fureur et pouvaient être considérés comme la musique la plus populaire de l’époque. Hormis le fait que c’était une partie de la seule musique diffusée à l’époque, les gens appréciaient vraiment quelque chose sur lequel ils pouvaient danser et qu’ils pouvaient voir en direct pour s’évader de leur quotidien.
Maintenant, nous sommes à une époque où plus la musique est simple, plus elle est populaire. Nous préférons avoir un refrain entraînant et des rythmes de danse plutôt qu’un trompettiste ou un saxophoniste qui part dans un solo de dix minutes. Mais, historiquement, le jazz a abrité certains des musiciens les plus talentueux et les plus géniaux de tous les genres. L’un des noms qui revient toujours dans chaque conversation sur le jazz est celui de John Coltrane.
John Coltrane a maintenu une carrière réussie en tant que saxophoniste de jazz pendant environ vingt-deux ans, pendant et après lesquels il sera désigné comme l’un des musiciens les plus influents de l’histoire. Coltrane a travaillé avec de nombreux musiciens majeurs de son époque, comme Miles Davis, Thelonious Monk, McCoy Tyner et bien d’autres. Coltrane est essentiellement devenu un facteur déterminant dans chaque sous-genre dans lequel il s’est aventuré, en commençant par ses jours dans le groupe de Miles Davis et en se traduisant dans chaque groupe qu’il a dirigé ou dans lequel il a figuré.
Tous ses albums sont des explorations et des voyages à plusieurs couches qui emmènent l’auditeur dans des endroits où il ne s’attendait pas à aller. À travers sa longue discographie avec des labels comme Impulse, Blue Note, Atlantic, et d’autres, Coltrane a expérimenté de nombreux sons, instruments et concepts. Du jazz straight ahead, à la forme libre et expérimentale, Coltrane a tout fait et est considéré comme le champion en titre du saxophone jazz.
Il y a tellement d’albums de Coltrane (et d’autres sur lesquels il est apparu) à écouter et tous sont fantastiques en soi. Jetons un coup d’œil à 5 de ses plus grandes offrandes à la communauté du jazz.
*Pour rappel, cette liste est très difficile à compiler car TOUS les albums de Coltrane sont des chefs-d’œuvre.
5). Giant Steps
Ah Giant Steps ; la mélodie qui est le fléau de l’existence de tout joueur de jazz. Cet air au tempo élevé et à la conduite rectiligne met non seulement en scène John Coltrane dans son jeu – livrant l’un des plus grands solos joués sur une chanson swing à tempo rapide – mais présente également certains des changements d’accords les plus difficiles de la musique. Il est difficile de faire un solo sur ce morceau ! L’album Giant Steps a été enregistré en 1959 et est sorti au début de 1960. C’est le premier album que Coltrane enregistre avec Atlantic Records et il comporte une section rythmique étonnante composée de Tommy Flanagan au piano, Paul Chambers à la basse et Art Taylor à la batterie. L’album contient de nombreux morceaux au rythme rapide qui maintiennent votre attention tout au long de l’album et vous font vous demander comment quelqu’un peut jouer du saxophone ténor de cette façon. La ballade « Naima » est toujours considérée comme l’une de ses plus belles compositions. Il l’a écrite pour sa femme Juanita, qu’il appelait Naima. Cet album a montré Coltrane dans la fleur de l’âge de sa phase de jazz straight-ahead tout en donnant des indices de son éventuelle nature exploratoire.
4). Duke Ellington et John Coltrane
C’est un type de « meilleur des deux mondes » en termes de jazz pour moi juste ici. En 1962, Coltrane s’était installé avec ce qui serait connu comme son « quartet classique » qui a duré quatre années solides. Ce quartet était composé de Jimmy Garrison à la basse, Elvin Jones à la batterie et McCoy Tyner au piano. Pour cet enregistrement, Tyner a choisi de s’effacer et de laisser une autre légende chatouiller les ivoires. Duke Ellington est bien sûr connu pour être l’un des meilleurs et des plus prolifiques chefs de big band et pianistes de jazz. Son groupe abritait les meilleurs musiciens du genre et a écrit de nombreux standards de jazz qui sont encore joués aujourd’hui.
Pour cet album marquant, Ellington se débarrasse de son groupe complet et démontre à quel point il est diversifié en jouant dans le petit groupe de Coltrane. L’album est un grand mélange de chansons swing et de ballades et Ellington montre son style de solo élégant et simpliste. Coltrane a déclaré : « J’ai été très honoré d’avoir l’occasion de travailler avec Duke. Ce fut une expérience merveilleuse. Il a établi des normes que je n’ai pas encore rattrapées. J’aurais aimé retravailler tous ces numéros, mais j’imagine que les performances n’auraient pas eu la même spontanéité. Et elles n’auraient peut-être pas été meilleures. »
3). Coltrane Live at the Village Vanguard
Une liste d’albums n’est pas vraiment complète sans un album live déterminant, et Coltrane en a d’incroyables parmi lesquels choisir. Live at the Village Vanguard était le premier album live de Coltrane publié par Impulse ! Records en 1962. L’album original ne contenait que trois chansons, mais il a été réédité en 1997 avec d’autres versions et des chutes. Il comporte un invité spécial à la clarinette basse, Eric Dolphy, qui est un autre grand joueur de jazz à part entière. Ce qui s’est passé dans le célèbre club de jazz de New York ces quelques nuits de novembre 1961 relève du génie musical brut et semble diviser le monde du jazz de l’époque. Le jeu de Coltrane a laissé les gens se demander s’il s’agissait d’expression et d’exploration musicales ou de « pure absurdité musicale ». Comme l’annonçait John Coltrane dans un numéro du magazine Downbeat, « la principale chose qu’un musicien aimerait faire est de donner une image à l’auditeur des nombreuses choses merveilleuses qu’il connaît et sent dans l’univers. » L’album figure aujourd’hui en tête de nombreuses listes des « meilleurs albums de jazz live ».
En tout cas, cet album était une représentation en direct du début de l’ère où le jazz allait et qui allait les y emmener. Tous à bord du Col-train !
2). Blue Train
Si le son avant-gardiste ou expérimental n’est pas pour vous ou si vous n’avez pas encore travaillé jusqu’à ce point, alors Blue Train est un endroit parfait pour commencer. L’album a été enregistré à la fin de 1957 et est sorti en 58. À cette époque, Trane mettait fin à sa collaboration avec Miles Davis après de nombreux albums et tournées avec ses différents groupes et aidait le trompettiste vétéran à consolider son son. Blue Train montre les premiers travaux de Trane avec des lignes rapides mais articulées, sortant du centre de la tonalité et produisant des « feuilles de son », un terme inventé par un critique musical. Il s’agit d’une véritable classe de maître du jazz, avec des musiciens qui sont synonymes de leurs instruments, comme Curtis Fuller au trombone, Lee Morgan à la trompette et Paul Chambers à la basse. L’album a été certifié or et reste comme un classique du jazz à ce jour.
1). A Love Supreme
Cet album n’est pas seulement mon album préféré de John Coltrane (et à mon avis, le meilleur) mais il est également considéré comme l’un des plus grands albums de tous les temps, tous genres confondus. En 1964, le quartet de Coltrane était au sommet de sa carrière et considéré comme le meilleur groupe de jazz de l’époque. Coltrane a traversé de nombreuses épreuves à ce moment-là, luttant contre la drogue et d’autres problèmes personnels tout en essayant de continuer à jouer. À cette époque, il était devenu très spirituel, se tournant vers sa foi dans les moments difficiles. Sa connexion à celle-ci devient évidente dans sa musique, notamment dans A Love Supreme.
À ce stade, le jeu du groupe était une seconde nature ; ils étaient capables d’anticiper le moindre mouvement de l’autre. Lorsqu’un groupe peut atteindre cela, il bénéficie d’une liberté créative totale et peut manipuler la chanson comme il le souhaite au lieu d’en être l’esclave. L’album a très vraiment été un éveil spirituel à bien des égards et démontre ce qui peut arriver lorsqu’un musicien doué se donne à sa musique.