物語の中で最もパワフルな要素の1つが対話であることに疑いの余地はないでしょう。 映画では、対話によって映画全体のトーンが構築され、登場人物間の関係が確立され、主要なテーマとなるメッセージが観客にさりげなく明らかにされます。
この記事では、以下を検証します：
- ダイアログの意味とは何か？
- 優れたダイアログとは何か？
- ダイアログの進化。
- 優れたダイアログの10の例（2010-20）
異なるジャンルには異なるダイアログがよく機能します。 時には、思いがけない台詞の使い方が、物語を最も効果的にすることもあります。 また、プロットを混乱なく進めるために、予見された対話が必要な場合もあります。 これが、映画用の台詞を書くことが厄介な理由です。
台詞を書くとき、映画制作者は観客に映画をどう受け止めてもらいたいかを決めなければなりません。 喜劇的で皮肉なものなのか？ シリアスで現実的なのか。 多くの場合、映画制作者はこれらの特徴を組み合わせて台詞を書くことになります。
ダイアログの書き方について学ぶ最良の方法の1つは、巨人の肩に立つことです。 そこで今回は、過去10年のアカデミー賞ノミネート・受賞作品の中から、最も優れた台詞の例をいくつか集めてみました。
飛び込む前に、基本を確認しておきましょう。
映画的対話の概要：
映画的対話とは、簡単に言うと
「2 人以上のキャラクター間の口頭での会話」
この単純な定義により、作家は多くの創造性の余地を得ることができます。 その一方で、多くのエラーの余地も与えてくれます。 覚えておかなければなりません。 映画には映画があり、そして偉大な映画がある。 同様に、対話があり、素晴らしい対話があるのです。
結局のところ、優れた対話には目的があります。 優れた台詞には、交わされるそれぞれの言葉に理由があるのです。 もし映画の台詞が性格にそぐわなかったり、不必要だったり、見当違いだったりすると、簡単に作品全体を下げてしまうことになります。
完璧な対話をするために、作家は 2 つの質問を自問する必要があります:
- この会話は観客に何を与えるか?
- この登場人物のこのやりとりによって、映画は何を得るのか
これらの質問に答えられない場合、脚本の修正が必要です。
優れた対話とは何か
何より、対話を書く上で最も重要な用途は展開です。 優れた対話は、物語を無理なく進行させます。 さらに、最も表現力豊かな方法で、登場人物の個性を構築することができます。
作家はよく「show, don’t tell」と言われますが、これはまさにダイアログが行うことです。 観客は自分でキャラクターを判断したいのですが、台詞はそれを可能にする方法なのです。 台詞はキャラクターが自分自身を表現する方法です。 最高の台詞は、実際の内容よりも、そのトーンだけでキャラクターの性格を明らかにすることができます。
優れた対話は、その部分の総和をはるかに超えるものを含んでいます。 それは氷山の一角であり、その下に大きなものを隠していることもある。
優れた台詞は、耳を楽しませる音楽であり、言語的な武器のように、肯定的にも否定的にも（笑わせたり泣かせたり）観客の心の芯に切り込むことができるのです。
対話の進化
映画の対話は、サウンド フィルムとしても知られるトーキー映画で生まれたと一般に指摘されています。 映画の台詞は無声映画時代にまでさかのぼると主張することもできます。 この時代には、地元の俳優が雇われ、映画館で登場人物のセリフを直接演じていました。
さらに、当時の技術の状態により、サウンドフィルムは 1920 年代後半まで商業的に使用されることはありませんでした。 しかし、1930 年代初頭には、サウンドフィルムと、本質的に対話は、世界的な現象となっていました。
その後数十年の間に、監督や脚本家は同期された対話の機会を利用しました。 多くの映画製作者が、非常に綿密で贅沢なダイアログ スタイルを開発しました。 これは、1940 年代の多くのスクリューボール コメディに顕著に見られます。
対照的に、対話を書くことが今や映画にとって疑いようのない主役である中、一部の作家は反対のアプローチを取り、いかに少ないことが多いかを実証しています。 この例は、『ア クワイエット プレイス』にあります。 ジョン・クラシンキ監督によるこの2018年のホラー映画は、91分の映画に対して67ページの短い脚本で、そのほとんどに台詞が含まれていないのが特徴です。
全体的に見ると、台詞は重くて勢いがあってもいいし、短くてシンプルであってもいい。
10 Examples of Great Dialogue
Noah Baumbach のドラマ映画『結婚物語』は第 92 回アカデミー賞で 6 ノミネートを獲得しました。
『マリッジストーリー』は、対話を書くとき、しばしば不快な真実が最も視聴者の心に響くことを教えてくれる作品です。
『マリッジストーリー』は、台詞を書くときに、不快な真実が最も観客の心に響くことが多いということを教えてくれます。 人間の思いやりと人生の至福の時を思い出させてくれる映画もある。
バームバックは、ほとんどすべての登場人物を精査する傾向があり、私たちの周囲の多くの人々や私たち自身にさえ見出すことができる、耐え難いほど真実の欠点を示しています。 結婚物語』の対話には、ガスライティング、エゴイズム、利己主義、貪欲、そして外的コントロールの喪失が表れているのです。
結局のところ、その結果は、2人の人間が互いの最悪の部分を引き出すという、痛々しいディスプレイなのです。
結局のところ、2人の人間が互いの最悪の部分を引き出している痛々しい姿です。彼らはそれぞれ相手の欠点や不安を指摘し、核心を突いてきます。 長い付き合いの難しさを見事に表現しており、それぞれが相手について多くの知識を持ち、それを武器のように使うことができるのです。
「まず第一に、私は母を愛しています。 第二に、私の母性と母を比べるとは何事だ! 私は父に似ているかもしれませんが、母には似ていません！」
「あなたはそうです！」
「私は父に似ているかもしれませんが、母には似ていません！」
「私は父に似ています。 そして、あなたは私の父のようなものです。 あなたは私の父のようでもあり、母のようでもある。 あなたはすべての人の悪いところばかり！」
たとえば…
問題の離婚したニコールとチャーリー・バーバーが裁判の後で攻撃的に口論したときに見られる光景です。 長くなりますが、チャーリーはニコールに、彼女との生活は喜びがなく、彼女は他の誰かと寝ることが “彼がしたすべて” であることを喜ぶべきであると言います。
ほとんどの視聴者は、このシーンでチャーリーやニコールがお互いに言い合った言葉を認めてはいませんが、その裏にある感情は、残念ながら多くの人に違和感なく伝わっています。 この映画の台詞は確かに複雑で、あまりに残酷な文章の羅列が多いのが特徴です。
この不快でありながら認識可能なスピーチは、たとえそれが実際には誰にも直接当てはまらないとしても、いかに台詞が異なる人々にとって真実となりうるかを示しているのです。
Her（2013）
スパイク・ジョーンズは、奇抜なSF恋愛劇『Her』で単独脚本デビューを果たしました。 Her』は2013年のアカデミー賞で最優秀脚本賞を受賞した。 本作では、セオドア・トゥオンブリーと人工知能OSであるバーチャルアシスタント、サマンサとの対話が多く描かれています。
『her／世界でひとつの彼女』が対話の書き方について映画製作者に教えているのは、登場人物がスクリーン上でどのように表現されるかにかかわらず、いかにしてリアルな感情を帰属させるかということです。 サマンサはOSなので、観客は視覚的に彼女の顔を見ることはありません。 にもかかわらず、観客はセオドアとの会話を通してのみ、彼女の人格が形作られるのを目撃することができるのです。
「そして、私は恐ろしいことを考えたのです。 この感情は本物なのだろうか？ それとも、ただのプログラミングなのか？
それだけでなく、サマンサとの関係が進むにつれて、セオドアの性格が変わっていく様子も見ることができます。 そして、サマンサとの会話をきっかけに、ついに前妻との離婚届にサインをすることになる。 さらに、二人の関係がもたらす効果は、ダイアログがプロットを前進させる力を持つことを示している。
『Her』は、台詞を書くのに従来の形式をとる必要はないことを教えてくれます。
映画は、最もありえない人物を登場させることができ、それでも視聴者の目に合理性を見いだすことができるのです。
『Her』における対話のあり方は、2人の登場人物が互いに語り合うことでお互いを知るという、ほとんど古典的なものに感じられます。 未来的な設定の中で、この古典主義が知的でやりがいのあるものに感じられるのです。
グランド・ブダペスト・ホテル（2014）
Wes Anderson監督の『グランド・ブダペスト・ホテル』は、彼の他の多くの作品同様、かなりデッドパンだが魅力ある対話で知られています。 このコメディドラマは、第87回アカデミー賞で9部門中4部門でノミネートされました。
『グランド・ブダペスト・ホテル』では、状況や内容がかなり奇抜であっても、台詞の多くは淡々と語られています。
『グランド・ブダペスト・ホテル』では、状況や内容がかなり奇妙であるにもかかわらず、台詞の多くは淡々と話されています。これは、映画全体の皮肉を高めています。
たとえば…
ホテルの銃撃シーンでは、実際には十数人がホテルのフロア全体からお互いを撃ち合っています。
しかし、この映画では、一人の捜査官が「匍匐前進だ！」と叫ぶだけで、全員がその命令に従うのです。 調査官であるアルバート・ヘンケルスは、”誰が誰を撃っているのか “ということを言いながら進んでいきます。 そして登場人物たちは実際に反応する。
ここから、銃撃戦の元凶であるディミトリが、グスタフ・Hを殺人者、泥棒と呼び、簡単な説明をします。 そして、グスタフはディミトリについて、彼が殺したすべての人々を思い出しながら、はきはきと、しかし詳細に説明します。
このやりとりは、ほとんどの人がまだお互いに銃を構え合っているときに行われています。 この文脈での対話の非現実性が、アンダーソンの皮肉なトーン全体を強めている。
キャロル（2015）
『キャロル』はパトリシア・ハイスミスの1952年の小説『塩の値段』を基にした恋愛ドラマ映画である。 トッド・ヘインズ監督が手掛けたこの感動作は、2015年最も評価の高い作品となった。 世界的な賞賛に加え、『キャロル』は第88回アカデミー賞で脚色賞のノミネートを含む6部門にノミネートされました。
本作は、テレーズ・ベリヴェとキャロル・エアドの禁断のロマンスを描いた作品です。
映画の前半を通して、テレーズとキャロルの愛情は決して明言されません。
映画の前半を通して、テレーズとキャロルの愛情は決して明言されませんが、その代わりに観客は、彼らの恋愛感情を感じ取ることができるさまざまな対話の手がかりを提示されます。
たとえば…
キャロルがテレーズに夫と離婚することを告げるとき、観客は 2 人の共通の魅力の最初の言語的概念を受け取ります。 そして彼女は、Therese が一人暮らしをしているかどうかを尋ね、Therese は「はい」と答えます。
テレーズはさらに、自分と結婚したいという男性、リチャードのことを話します。 キャロルはThereseに彼と結婚したいかと尋ね、Thereseは “Well, I barely even know what to order for lunch. “と答えます。 表立っては何も言わないが、二人の登場人物は互いに、そして観客に対して、自分の人生に関わる男性に対する嫌悪感を微妙に表現しているのである。
“I would have very doubt with lunch with him.”
この対話は映画の舞台になった時代について非常に言及的である。 1950 年代は同性間の性的魅力が嫌われていたため、この話題に関する会話はほとんどストレートなものではありませんでした。
キャロルの離婚弁護士は、彼女の過去の女性関係を示唆するときに、「行動パターン」や「行動様式」といったフレーズを使用します。 さらに、キャロルの夫もまた、彼女のセクシュアリティを直接的に述べることはありません。 その代わり、”君のような女性がいる “といった言い方で、この件について彼女に語りかけている。
このような些細な工夫により、キャロルは映画の前半を、明白であからさまな台詞を使わずに観客を運ぶことができるのです。 これは、サスペンスを構築し、キャロルとテレーズの関係の「秘密」の性質をさらに高めるだけでなく、時代の文脈に忠実である。
20th Century Women (2016)
1970年代サンタバーバラでの思春期に基づいた、この総合青春コメディドラマ映画でマイクミルズが執筆と監督を担当しました。 20世紀ウィメン」は、第89回アカデミー賞脚本賞にノミネートされました。
本作では、主人公たちの背景となる物語的なモノローグが多く登場します。
この映画では、主人公たちの背景となる物語が多く語られますが、それ以上に、その背景の物語が登場人物の人格をどのように形成しているかを示すのが、この映画の台詞なのです。
たとえば…
この例として、グレタ・ガーウィグが演じたアビー・ポーターが挙げられます。 ドロシアと暮らす前のアビーの人生を詳述したモノローグは、彼女がいかにしてこの自由奔放で気骨のあるフォトジャーナリストになったかを観客に伝えています。
アビーの母親はアビーに癌のことを話さず、罪悪感から彼女を恨みます。 そのため、アビーはドロシアに部屋を借りるようになる。
ある夜、ドロシアの家での夕食の集まりで、アビーはテーブルに頭をつけている。 ドロテアはアビーに「起きろ」と言い、アビーは「生理中だ」と言う。”
この後、アビーは、なぜ男女が生理についてもっと気楽に話すべきなのかを、もどかしげに説明するのです。
これは、アビーの母親が困難な状況について話したがらないことが、アビーの現在の大胆さをいかに誘発しているかを観客に示しています。
これは、アビーの母親が難しい話をしたがらなかったことが、今のアビーの大胆さを生んだということを観客に示しています。 この場面は、フェミニズムの視点に関する短いコミカルなジレンマ以上の役割を担っている。 その目的は、アビーの過去と照らし合わせながら、現在のアビーの人格を明らかにすることにある。
Get Out (2017)
Jordan Peele監督の『ゲットアウト』はアカデミー賞4部門でノミネート、オスカーでは脚本賞を獲得しました。 この驚くべきホラー映画が、タイム誌の2017年のトップ10映画のひとつとされたのも不思議ではありません。 ピールの脚本は、雰囲気を作り出すサブテキストの力と、台詞を書くときにそれがいかに重要かを教えてくれます
映画の冒頭を通して、多くの登場人物に不快な感じがあります。
たとえば…
最初、主人公のクリスは、白人の集まる場所で、同じ黒人のローガン・キングを見かけ、安堵感を味わうことになります。
この安堵感は、クリスの挨拶に対するローガンの異常な反応によって、すぐに懸念へと変わります。 クリスはローガンに “It’s good to see another brother around here. “と気軽に挨拶するのだが、ローガンは “It’s good to see another brother around here. “と言う。 ローガンは不安そうに「ハイ、そうだね、もちろんだよ」と答えます。 ローガンの不気味なほどフォーマルな反応に、クリスは戸惑う。
ローガンは身を乗り出して、妻に「クリスは、私がここにいることで、どれだけ安心したかを話していたんだ」と言う。
ローガンは身を乗り出し、妻に「クリスは、私がここにいることで、どんなに楽になったか話してくれたんだ」と伝えます。
“Logan, I hate you tear away dear but, the Wincotts were asking about you.”
微妙でありながら奇妙でインパクトある対話を加えることによって、ほとんど語られていないのに、根底のメッセージが感知されるのである。 なぜ間違っているのかわからないまま、何かが間違っていることを知るという概念が確立されているのです。 そこから観客は災害の発生を感じ、その全貌を知りたくなるのです。
The Florida Project (2017)
The Florida Projectはウェス・アンダーソンのものとは全く逆の対話スタイルを持っている映画です。 監督と共同脚本のショーン・ベイカーは、アカデミー賞にノミネートされたこの作品で、実は多くの「非プロフェッショナル」を雇っています。
『フロリダ・プロジェクト』が台詞の書き方について教えてくれるのは、いつ、どのようにして物語の現実に忠実であり続けるか、ということです。
『フロリダ・プロジェクト』が台詞の書き方について教えてくれるのは、いつ、どのようにして物語の現実に忠実であり続けるか、ということです。 物事をありのままに受け止め、観客にそのまま提示する。
このような現実を見据えた対話は、賞賛に値します。 フロリダ州オーランド近郊のおんぼろモーテルを舞台に、ムーニーとその母ハレーを中心に描かれています。
たとえば…
この映画の対話がいかに本物であるかを示す完璧な例が、映画の終盤で起こります。 このとき、DCF はムーニーをハレーから取り上げています。 ハレーと警察の間で感情が爆発した後、ムーニーもパニックになり、チャイルドサービスのカウンセラーから逃げ出す。
この部分のセリフは、露骨で、攻撃的で、感情的です。
この部分のセリフは露骨で、攻撃的で、感情的です。多くの貧困家庭の実情を描いたこのような激しいシーンでは、リアルであること以外の必要性はありません。 汚い言葉も、つぶやきも、言葉の途切れさえも、あるに違いない。 これを否定すると、映画がナイーブで現実世界に対して鈍感になってしまう。
Lady Bird (2017)
Greta Gerwig監督の『Lady Bird』はアカデミー賞5部門でノミネートがあった作品である。 強気な思春期の機能不全な人間関係を中心とした脚本が活きる作品です。
『レディ・バード』が台詞の書き方について教えてくれるのは、映画が言葉だけでいかに対立を作り出せるか、ということです。 レディ・バード』の台詞は、多くの登場人物を怒らせ、彼らの行動を後押しするものです。
たとえば…
これは映画のわずか3分の間に見られることです。 クリスティン (レディ・バード) と母親のマリオンが車で家に帰るとき、彼らはジョン・スタインベックの「怒りの葡萄」の音声を聴き終えます。
この1つの意見の相違からすぐに口論になるのですが、内容は拡大し、わずか数分の間に登場人物の性格の全体像が明らかになるように展開されるのです。 この短いやりとりの結果は、単なる映画の紹介にとどまりません。 クリスティーンとマリオンの性格、そして母娘の関係を総合的にまとめているのである。
「誰もあなたに完璧を求めない、ただ思いやりがあればいい」
このワンシーンから、クリスティンがいかに人生から多くを得たくてたまらないか、そしてその甘えが今の人生をいかに評価していないかがわかるでしょう。 一方、マリオンは現実的な性格で、自分がしてきたことを台無しにするクリスティンに憤慨している。
このシーンを締めくくるのに、クリスティーンはあっさりと車から身を投げてしまうのです。
グリーンブック（2018）
グリーンブックは、キャラクターの人格を本当に例証する対話の例である。 この伝記コメディドラマは、アカデミー賞で作品賞、脚本賞、助演男優賞の3部門を受賞しました。 また、アメリカ映画協会（AFI）が選ぶその年のトップ10作品にも選ばれている。
『レディ・バード』と同様、『グリーンブック』でも、登場人物たちの個性が強烈に、そして素早く見えてくるのは、彼らが互いに対照的であるからでしょう。 グリーンブック』が対話の書き方について映画製作者に教えてくれるのは、登場人物を引き離すことで、いかに物語を一つにまとめあげることができるかということです。
この映画では、トニー・リップは現在失業中の用心棒です。 酔っぱらいを手荒く扱う仕事をしてきたにもかかわらず、トニーは率直で、淡々としていて、気立てがいい。 一方、ドン・シャーリー医師は、過剰なほど堅苦しく、秩序を重んじ、トニーの気さくさに批判的である。
イタリア系白人のトニーは、黒人ピアニストのシャーリー博士の運転手兼護衛として、南部でのコンサートツアーに参加することになる。
「グリーンブック」の会話は、トニーとシャーリー博士の個性がよく出ていて、観客を楽しませてくれます。
たとえば…
トニーの面接の際、シャーリー博士はトニーに、「あなたはトラブルを処理する生来の能力で何人もの人に感銘を与えた」と話します。
シャーリー博士とトニーの語法の対比は、型破りな対話を書くことは、必ずしも脚本とジャンル、文脈と反応の対立ではなく、キャラクター自体の型破りさでもあり得ることを教えてくれます。
Beasts of the Southern Wild (2012)
Benh Zeitlin監督の『Beasts of the Southern Wild』は第85回アカデミー賞で4部門でノミネートをされました。 この作品は、共同脚本家ルーシー・アリバーの一幕劇「ジューシー・アンド・デリシャス」を映画化したものであり、このドラマは光り輝く。 また、この作品は9歳のクヴェンジャネ・ウォリスに史上最年少の主演女優賞ノミネートの称号を与えました。
『ビースト・オブ・ザ・サザン・ワイルド』の舞台は、ルイジアナ州のバイユーにある架空のコミュニティ「バスタブ」です。 洪水が頻発する荒れ果てた地域だが、住人たちは引っ越しを拒んでいる。
『ビースト・オブ・ザ・サザン・ワイルド』がダイアログの書き方について教えてくれるのは、登場人物の下心を会話で示す方法です。
たとえば…
ハッシュパピーとウィンクの会話から、死ぬことに対する彼の内なるフラストレーションがわかります。 当初、ウィンクのハッシュパピーに対する言葉の攻撃は、彼がハッシュパピーを完全に無視しているという印象を観客に与える。
ウィンクは病気のためにハッシュパピーから精神的に距離を置こうとします。
ウィンクは病気のため、ハッシュパピーと精神的に距離を置こうとする。自分が死んで楽になるためと、ハッシュパピーが自分なしで生きていけるようにするためだ。
「誰もが自分を作り上げてきたものを失うんだ。 勇者はそこに留まり、それを見守る。
嵐の中、ウィンクが床にテープを貼って家の中の境界線を作り、どちらが自分の家でどちらがハッシュパピーの家かを定義しているところにも表れています。 このように物理的な隔たりがあるにもかかわらず、ウィンクはハッシュパピーに、水かさが増すと困るから腕に浮き輪をつけるようにと怒鳴りつける。 そして、「お前が死なないようにするのが俺の仕事だ、いいか？
ウィンクがハッシュパピーから自分を切り離そうとする試みは、ハッシュパピーに対する生来の保護意識のために、常に失敗しています。
ウィンクがハッシュパピーと距離を置こうとするのは、ハッシュパピーを守るためであり、ウィンクの行動は悪意があるわけではなく、個人的な戦いの副作用であることが二人の会話から読み取れます。