Genie. Legende. Labels die vaak worden versleten wanneer er over wordt gebabbeld. Maar terwijl 10 november 2015 voor de meesten een gewone dinsdag is, is vandaag toevallig een geweldige dag om een artiest te eren die met recht aanspraak kan maken op een legendarische status. Ik heb het over Ennio Morricone. a.k.a. de Maestro, zoals hij bekend staat en waarnaar in dit artikel meer dan een dozijn keer zal worden verwezen.
Deze meester van muzikale arrangementen, geluidsmixen en avant-garde creativiteit wordt vandaag een fleurige 87 jaar. Morricone’s 500+ film credits getuigen van zijn sterke werkethiek en passie voor het scoren van films. Dus heb ik een poging gewaagd om in zijn discografie te duiken en 30 van zijn allerbeste filmmuziekjes uit te zoeken.
Morricone woont nog steeds in Rome, de stad waar hij is geboren en getogen, en hij spreekt zoals bekend maar een paar woorden Engels. Italiaanser kun je het niet krijgen, maar zoals het spreekwoord zegt: zijn muziek is een universele taal. Hij wordt het meest geassocieerd met de westerns van Sergio Leone, maar zoals uit deze lijst hopelijk zal blijken, reikt zijn muzikale bereik veel verder dan Leone’s cinema. “Ze zijn allemaal mijn kinderen… elke partituur die ik heb gedaan,” zegt hij vaak, wat een overvloed aan artiesten in alle muziekgenres heeft beïnvloed: artiesten als Yo-Yo Ma, Goldfrapp, Black Sabbath, DJ Premiere, en Metallica hebben elk op een bepaald moment een eerbetoon gebracht aan Morricone. Hij staat boven elke andere filmcomponist uit het verleden of heden, Bernard Herrmann misschien uitgezonderd, in het revolutioneren van de manier waarop we filmmuziek begrijpen.
Populair op IndieWire
Dus, pak een goede fles Italiaanse rode wijn, en leen me je ogen en oren als ik de meest memorabele en invloedrijke stukken uit het duizelingwekkende oeuvre van de Maestro op een rijtje zet.
“For A Few Dollars More” (1965)
Het lijkt oneerlijk om alle drie de partituren uit de ‘Dollars Trilogie’ in deze lijst op te nemen, zeker als je bedenkt dat het zweepscheurende titelthema uit “A Fistful of Dollars” al het andere als zodanig zo overweldigend overschaduwt. Als dit een “Essential” en geen “Best Of” lijst was geweest, had “A Fistful Of Dollars” er waarschijnlijk wel opgestaan, maar ik ben van mening dat “For A Few Dollars More” de betere vertegenwoordiger is van Morricone’s revolutionaire methodes voor Leone’s westerns. Met zijn twangy jew’s-harps, waanzinnig aanstekelijke gitaarriffs, iconisch gefluit, klokgelui, kerkorgels, en El Indio’s (Gian Maria Volonte) muzikale zakhorloge, dat “je gedachten naar een andere plaats brengt” en de psychologische make-up van het personage zo levendig schildert, is “For A Few Dollars More” net zo iconisch als Clint Eastwood’s staredown.
“The Battle Of Algiers” (1966)
Ondanks dat dit de enige score op deze lijst is waarbij de naam van iemand anders naast die van Morricone in de aftiteling staat, zou het meer dan een beetje blasfemisch zijn om “The Battle Of Algiers” weg te laten, dankzij hoe archetypisch het is geworden. Door contractuele verplichtingen moest regisseur Gillo Pontecorvo gecrediteerd worden naast Morricone, en voor “Ali’s Theme,” was het Pontecorvo die met de vier noten kwam die “de essentie van de film werden” volgens Morricone. Maar het was de Maestro zelf die ze in de partituur arrangeerde. Met alle respect voor Pontecorvo, die een meesterwerk regisseerde, maar hij werkte onder auspiciën van een meesterarrangeur, wiens permutaties van militair drumwerk, hoorns en piano’s de eeuwige vlam van revolutionaire onafhankelijkheid van de film aansteken.
“The Good, The Bad, And The Ugly” (1966)
Aaah-eee-aaah-eee-Ahhh. Praktisch Morricone’s verjaardag jingle, is dit het thema lied van de volmondig, bombastisch subversieve OST voor Leone’s “The Good, The Bad, And The Ugly.” De eerste twee delen van de ‘Dollars’ trilogie effenden de weg voor dit nieuwe geluid, maar ik kan me alleen maar voorstellen (en zieden van eeuwige jaloezie) hoe het luisteren naar de galopperende ritmes, harmonica’s, trompetten, en “Ecstasy of Gold” -als er een lab voor zulke dingen was, zouden wetenschappers het bewijzen als een van de beste stukken filmmuziek ooit gecomponeerd- geklonken moet hebben in verse oren aan het eind van de jaren ’60. Een variatie van “OMFG hoe kan iets zo verdomd cool klinken?” waarschijnlijk. Morricone volgde zijn avant-gardistische hart en gebruikte echte geluiden “om een soort nostalgie te geven die de film moest overbrengen.” In het geval van “The Good, The Bad, And The Ugly” waren dat vooral dierengeluiden, namelijk wat bekend is geworden als het coyote-gejank – het westerngenre was officieel nooit meer hetzelfde.
“Navajo Joe” (1966)
Wat, dacht je dat Morricone alleen het beste van zijn Western-scores aan Sergio Leone overliet? Per favore. Hij gooide zijn unieke genie over het mengpaneel voor een andere Sergio, in dit geval Corbucci, en misschien was het zijn pseudoniem “Leo Nichols” dat het beest losliet dat ronddoolt in de wilde klanken van “Navajo Joe”. Pakkende toetsen, een voorproefje van de gestoorde avant-garde, emotionele opbouw die uitmondt in een dementie die vooruitloopt op zijn neiging tot horror (“A Silhouette Of Doom”); de arrangementen met de melodieuze menselijke gezangen van “Navajo Joe, Navajo Joeee” -als het ooit gehoorde en nooit vergeten titelanthem- behoren tot de meest inventieve stukken van de Maestro in het genre. Nogmaals, we mogen Quentin Tarantino dankbaar zijn dat hij het grote publiek heeft herinnerd aan de genialiteit van deze soundtrack, want hij hergebruikte een deel ervan voor “Kill Bill”, maar je doet er goed aan om het origineel op te zoeken.
“Once Upon A Time In The West” (1968)
In een van zijn meest productieve jaren zette Morricone zijn samenwerking met Sergio Leone voort en componeerde hij de in veler oren prachtigste muziek die in een westernfilm te horen is geweest. De Italiaanse zangeres Edda Dell’Orso zou met Morricone aan talrijke projecten meewerken, tot ver in zijn giallo fase, maar haar stem zou net zo engelachtig klinken als in “Once Upon A Time In The West”, begeleid door Morricone’s sensuele strijkers. Van het album werden wereldwijd meer dan 10 miljoen exemplaren verkocht, en als je “The Man With The Harmonica” voor de 1000e keer hoort, blijft alleen de vraag over: hoe komt het dat het zo weinig verkocht? De leidmotieven beschreven de vier hoofdpersonages op ongeëvenaarde, vaak herhaalde maar nooit overtroffen manieren, wat dubbel zo sterk moet hebben gewerkt, want Leone speelde Morricone’s muziek op de set om de acteurs in de stemming te krijgen. Once Upon A Time In The West” is een van de beste voorbeelden van de operawestern en staat op de eerste plaats als het gaat om een filmische unie van beeld en partituur.
“Escalation” (1968)
Dit is een van die gevallen in Morricone’s lange, workaholic geschiedenis waarin het goed is om het kind weg te gooien, zolang je het badwater maar laat staan. Dat wil zeggen, Roberto Faenza’s Italiaanse donkere komedie “Escalation” is niet erg goed, maar Morricone draaide op dit moment op volle toeren en draaide weer een onvergetelijke score vol puur muzikaal plezier. Tot de uitschieters behoren het funky “Dias Irae Psichedelico” (psychedelisch klopt) en het geniale moment van stilte, en alle “Funerale Nero”-variaties, waarbij Morricone zijn jazz-roots blootlegt met trompetten die je danskoorts bezorgen. De dromerige hersenspinsels klinken alsof het hele orkest aan het trippen was op LSD, terwijl de funkiness de luisteraar eraan herinnert hoe breed Morricone’s muzikale net was.
“Come Play With Me” (1968)
Beter bekend als “Gracie Zia,” Salvatorre Samperi’s speelfilmdebuut is nu zo goed als vergeten. De positieve restanten zijn vooral terug te vinden in Morricone’s belachelijk grappige soundtrack, te beginnen met “Guerra E Pace, Pollo E Brace” en de combinatie van ritmische percussie met wat klinkt als een heel kinderkoor. “Inflicting pleasure” was onderdeel van de marketingtaal van de film -het verhaal gaat over een incestueuze relatie tussen een tante en haar neef- wat Morricone’s voornaamste antifoon-achtige medley perfect beschrijft. En wacht maar tot je je oren tegoed doet aan ‘Shake Introspettivo;’ met zijn slangachtige synth, zal je repeat-knop misbruikt worden als nooit tevoren. “Come Play With Me’ is ook een fantastische vroege kennismaking met de giallo-kant van Morricone, vooral door zijn gebruik van verontrustende wiegeliedjes.
“The Mercenary” (1968)
De tweede niet-Sergio Leone western die genoemd moet worden is weer een Sergio Corbucci film, en de taak om te kiezen tussen deze en “The Great Silence,” Corbucci’s andere western die in hetzelfde jaar uitkwam, heeft me een paar nachten wakker gehouden. Na een paar luisterbeurten heb ik gekozen voor “The Mercenary”, vooral omdat het fluitje het beste fluitje ooit is. Met wat hulp van zijn vaste medewerker Bruno Nicolai maakte Morricone van het “Il Mercenario” thema – vooral de sonore “L’Arena” variatie die Tarantino hergebruikte – een van zijn beste Western composities. Probeer maar eens naar die romantisch melancholieke gitaar in “Liberta” te luisteren zonder kippenvel te krijgen.
“The Sicilian Clan” (1969)
Vóór “Once Upon A Time In America” en “The Untouchables,” drukte Morricone zijn geniale voorliefde voor melodieuze misdaadfilms uit in “The Sicilian Clan” van Henri Verneuil. De film die de inspiratie vormde voor een van Morricone’s meest herkenbare stukken, waarschijnlijk door het intimiderende trio van suave poster-boys: Alain Delon, Jean Gabin en Lino Ventura. De jew’s-harps en whistles huwen deze crime caper met de sfeer van een van Morricone’s Westerns, maar met alleen wat gracieuze jazz (“Snack Bar”) als intermezzo, bloeit de onnavolgbare muziek voor “The Sicilian Clan” in rusteloos tempo stukken als “Tema Per Le Gofi” en, natuurlijk, het hoofd ostinato dat druipt van sensuele nostalgie en elektrische cool. Onmogelijk om niet urenlang te neuriën na het beluisteren ervan.
“Burn!” (1969)
Of je de film nu kent onder de Italiaanse naam “Queimada” of onder de prachtige Engelse titel, je weet dat deze film van Gillo Pontecorvo, naast een van de ongelooflijkste prestaties van Marlon Brando, de meest emotioneel opzwepende soundtrack van Ennio Morricone heeft. De openingscanto van “Abolisson, abolisson!” doet denken aan de revolutionaire vrije geest die Morricone op ongelooflijke wijze in muziek wist te vertalen – hoe harder het wordt, hoe nadrukkelijker je haren overeind gaan staan. Zoals met bijna alles wat hij in deze periode dirigeerde, ving Morricone de essentie van een speelfilm in noten, harmonieën en arrangementen. Zijn ‘Jose Dolores’ thema is een van de beste voorbeelden van eenvoudige akkoorden die tot iets heel diepzinnigs worden geleid.
“The Bird With The Crystal Plumage” (1970)
Aan het begin van de jaren ’70 begonnen de Italiaanse bioscopen te bloeden van de giallo-horror, en wie was er nu beter in staat om het spook in de verbeelding van de mensen te injecteren dan de porseleinen poppenverzameling van je griezelige buurman? Alleen de meest alomtegenwoordige Italiaanse filmcomponist die er is, de man die in een duizelingwekkend tempo van 12-13 partituren per jaar werkte in deze periode. De eerste van Morricone’s onvergetelijke bijdragen aan het genre kwam voor Dario Argento’s speelfilmdebuut (en een van zijn beste) “The Bird With The Crystal Plumage.” Morricone was waarschijnlijk geïnspireerd door Krzysztof Komeda’s wiegeliedcompositie in “Rosemary’s Baby” toen hij voor Argento zijn eigen griezelig sublieme la-la-la kinderliedje maakte, doorspekt met paranoïde trompetten en xylofoons, die het gevoel kristalliseren dat er iemand met kwade bedoelingen vlak achter je staat.
“Investigation Of A Citizen Above Suspicion” (1970)
Tricky, gewiekst, licht pervers en eeuwig op de tenen boven de verdenking, Morricone’s score voor Elio Petri’s Academy Award-winnende satire is een van zijn meest aanstekelijke melodieën. “Ik moest een soort muziek schrijven voor het groteske met een folkloristisch tintje,” legt Morricone uit in deze Criterion-film, en zijn combinaties van mandoline en jew’s-harp met typische orkestinstrumenten is ongeëvenaard als het gaat om het bijbrengen van een gevoel van duivels plezier. Morricone’s creativiteit met synthesizergeluiden en zijn bovennatuurlijke oor voor het uitspelen van muzikale hooks maken “Investigation Of A Citizen Above Suspicion” tot een van zijn populairste nummers, dat vaak te horen is tijdens zijn live-concerten.
“Maddalena” (1971)
Morricone kwam in de vroege jaren ’70 als een bezetene met zijn partituren, zodat de grootsheid van zijn muziek vaak lichtjaren vooruitliep op de eigenlijke film waarvoor hij die componeerde. Dit is nergens duidelijker dan in Jerzy Kawalerowicz’ “Maddalena”, een wegwerpfilm over een vrouw die op zoek is naar liefde en die vindt bij een priester. Het is meer dan 40 jaar geleden, dus het is OK om toe te geven dat het enige echt geweldige dat uit de hele affaire is voortgekomen Morricone’s welsprekende en symfonische score is. Samen met Edda Dell’Orso voor de glorieuze 9 minuten durende opener “Come Maddalena”, en het componeren van “Chi Mai” (dat later nog populairder zou worden bij de BBC in “The Life And Times Of David Lloyd George”), onderbrak Morricone wat misschien wel zijn meest succesvolle jaar is met zijn kenmerkende fusie van jazz, koorzangen en eindeloos resonerende polyfonieën.
“Lizard In A Woman’s Skin” (1971)
Het is paranoia wat de boventoon voert in Morricone’s giallo score voor “Lizard In A Woman’s Skin”, die vorig jaar werd heruitgebracht door platenmaatschappij Death Waltz met een toepasselijk verbluffend hoesontwerp. Deze Lucio Fulci filmische nachtmerrie inspireerde een van Morricone’s grootse composities; een prachtige kakofonie van jazz, funk, kerkorgels, blaaspijpen, fluitjes, en Edda Dell’Orso’s stem. Dit zijn elementen die al deel uitmaakten van zoveel Morricone-scores hiervoor, maar door zijn chirurgische bewerking voelen ze onuitputtelijk fris en verleidelijk aan. Of het nu de fluiten van “La Lucertola” zijn, de surfgitaar van “Notte di giorno” of de dromerige duik in het konijnenhol van Fulci in “Spiriti”, dit is weer zo’n Morricone-score die je doet denken dat je stereo is bezeten door een demon met een werkelijk fantastische muzieksmaak.
“Cold Eyes Of Fear” (1971)
Als je in de stemming bent voor Morricone’s meest avant-gardistische kant, de kant die de meest dissonante geluiden in een David Lynch-film laat klinken als Buddy Holly, kijk dan niet verder dan “Cold Eyes Of Fear.” Enzo Castellari’s thriller houdt een wankele kaars aan de andere giallos van zijn tijd, maar deze kwikzilveren, acid-jazzy soundtrack van de Maestro zal onder je huid kruipen en je urenlang op pinnen en naalden laten lopen, met de cello-akkoorden en trompetten die in menig nachtmerrie terugkeren. Cold Eyes Of Fear”, zonder twijfel de meest doelbewuste disharmonische van Morricone’s partituren, is staren in de filmische afgrond door middel van geluiden en klokkenspel. Het is ook een van de hoogtepunten uit de carrière van de componist in giallo-arrangement, dat grimmig doet denken aan zijn vroege dagen als avant-garde improvisator in Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza.
“Cat O’ Nine Tales” (1971)
In direct contrast met “Cold Eyes Of Fear,” Morricone’s composities voor “Cat O’ Nine Tails,”Dario Argento’s tweede film, gevuld met prachtige, bijna soulvolle harmonieën, gekenmerkt door het ‘Ninna Nanna’ hoofdthema, waar hij opnieuw Dell’Orso’s vocale bekwaamheid gebruikt voor zeer hypnotiserende effecten. Je zult waarschijnlijk het angst inboezemende “Paranoia Prima” herkennen, zoals het door Tarantino werd hergebruikt in “Kill Bill Vol. 1”, terwijl de rest van de score bezaaid is met diepe bascello noten en het soort achtergrondgeluid dat duizend duistere beelden schildert. Tegen die tijd -en, nee, dat is geen typefout, we zitten nog steeds in 1971- was het duidelijk dat Morricone niet alleen het westerngenre beheerste, maar ook de oergeluiden van Italiaanse slasherfilms.
“Duck, You Sucker!” (1971)
Het is echter niet zo dat het hem in ’71 alleen maar om giallos ging. Morricone deed alles wat hij in zijn belachelijk verkorte schema kon passen. Daar hoorde weer een virtuoze score bij voor een western van Sergio Leone, in dit geval “Duck, You Sucker!” (a.k.a. “A Fistful of Dynamite”). Het zou wel eens de meest grillige van Morricone’s Leone-scores kunnen zijn, met zijn onvergetelijke mix van het komische en het opera-achtige die wonderen verricht, zoals onmiddellijk te horen is in het “Main Theme” van de film. De zwijmelende strijkers die het op een gegeven moment overnemen, voeren je mee naar de magische wereld van de film, voordat Dell’Orso’s opera-mezzosopraan een onverwachte laag toevoegt. De componist zelf omschreef deze film in een Quietus-interview, boven alle andere, als een geweldig voorbeeld van zijn “vermenging van tonale muziek en avant-garde muziek.”
“What Have You Done To Solange?” (1972)
Ahhh, die piano. Voeg daar nog een winnende samenwerking met Edda Dell’Orso aan toe in een giallo-film die het mettalent van een Morricone-score waard is. Massimo Dallamano’s “What Have You Done To Solange?” is doordrenkt van mysterie, echte sensatie, en een soort paranoia die strakker is dan pianodraad. Van het openingsthema tot de jazzy milieus van “Una Tromba E La Sua Notte” en de carrouselklanken van “Fragile Organetto” is de partituur weer zo’n subtiel onsamenhangend en provocerend stukje filmmuziek dat bij degenen die de film gezien hebben onmiddellijk beelden oproept van Fabio Testi’s moordzuchtige priester en Cristina Galbo’s Elizabeth, terwijl degenen die de film nog niet gezien hebben worden uitgenodigd om hem op te zoeken. Morricone’s score is hier zo verlammend goed, dat je niet eens kunt lachen om de ongenuanceerde nasynchronisatie.
“Revolver” (1973)
Dit is weer zo’n geval van minder bekende muziek van Morricone die door Tarantino is hergebruikt (dit keer in “Inglourious Basterds”) en als je nu denkt: “Heb je nou alles wat QT heeft hergebruikt op deze lijst gezet?”, dan is het antwoord bijna, maar niet omdat ik dat wilde doen. Tarantino’s muzieksmaak is formidabel, ongeacht wat je van zijn werk vindt of hoe groot zijn ego is, en als je door Morricone’s enorme oeuvre gaat, is het materiaal dat eruit springt meestal datgene wat Tarantino zelf ook goed vond. Maar als Sergio Sollima’s “Revolver” alleen maar ging over de emotioneel zinderende strijkers van “Un Amico”, dan was de kans groot dat het de cut niet gehaald zou hebben. De 12 minuten durende titeltrack heeft een opmerkelijke drive, met zijn gelaagde blazers en “Quasi Vivaldi” is een aangenaam duwtje in de rug van de beroemde componist.
“Spasmo” (1974)
De laatste van de giallos die op deze lijst staat, “Spasmo” onderscheidt zich van de rest met zijn prachtige “Bambole” en “Spasmo” delen. In 1974 had Morricone de gialloscores duidelijk onder de knie, dankzij zijn werk met Argento en Dallamano, maar hij had nog een verbijsterende sensatie van een partituur over voor Umberto Lenzi. Vreselijk romantisch en emotioneel, de arrangementen van synthesizer melodieën, menselijk neuriën en blaasinstrumenten resoneren tot ver buiten het apparaat dat de muziek afspeelt (of, inderdaad, het scherm). De mengeling van het fantastische en het reële, zoals in de giallotraditie, in Morricone’s partituur staat op de voorgrond in “Spasmo”, waarschijnlijk een van de mooiste partituren die ooit voor een horrorfilm zijn gecomponeerd.
“Exorcist II: The Heretic” (1977)
Van het mooie naar het absoluut demente, terwijl het toch in dezelfde zandbak blijft. “Exorcist II’ is een regelrechte ramp van een film, een armzalig vervolg van de anders zo geweldige John Boorman. Maar zoals het geval is met enkele andere op deze lijst, zit er achter een vreselijke film soms een enorm goede score, wat Morricone, boven elke andere filmcomponist, keer op keer bewees, met lichtende voorbeelden als deze. Het begint mooi en prachtig met “Regan’s Theme”, maar het duurt niet lang voor ‘Exorcist II’ ontaardt in waanzin met het gezang van “Pazuz” en het vrouwelijke gejammer van “Little Afro-Flemish Mass”. Eenmaal aangekomen bij het krankzinnige “Magic And Ecstasy,” dringt het tot je door: dit is het gekste dat we Morricone ooit gehoord hebben. En het is geweldig.
“Days Of Heaven” (1978)
Morricone’s eerste van vijf Academy Award-nominaties (die hij uiteindelijk alle vijf zal verliezen: jammer!), “Days Of Heaven” is een van die gedroomde samenwerkingen tussen regisseur en componist. Morricone werkte voor het eerst samen met Terrence Malick en produceerde een van zijn beste Amerikaanse partituren, een partituur die perfect aansluit bij Malicks diep gevoelde thematische tendensen en Nestor Almendros’ sublieme cinematografie. De dromerige opener “Aquarium” is geen origineel van Morricone, maar zet prachtig de toon voor het iconische titelnummer vol nostalgisch verlangen, de zangerige fluiten van “Happiness” en de windachtige zwaai van strijkers in “Harvest”. Dit alles zorgt voor een compositie die de magie van filmmuziek uitstraalt. En hier is iets om je anticipatie te voeden: Morricone en Malick gaan opnieuw samenwerken voor de langverwachte documentaire “Voyage Of Time” van de regisseur.
“The Thing” (1982)
Ik weet dat deze score genomineerd was voor een Razzie, oké? Maar vergeet dat maar, want “The Thing” is mettertijd erkend als een van Ennio Morricone’s griezeligste stukken. John Carpenter besloot de score voor deze film niet zelf te schrijven, maar gaf de Maestro de opdracht (duidelijk als fan van de giallo’s van de Italiaan). Hoewel Carpenter volgens de legende niet echt gelukkig was met Morricone’s werk en er slechts stukjes van gebruikte in de uiteindelijke film, bevat de oorspronkelijk uitgebrachte OST tracks die Morricone zelf selecteerde. Maak je gedachten vrij van de achtergrondgeluiden rond de release en geniet van een van Morricone’s humeurigste scores, die prachtig de winterse isolatie van de filmsetting en de fantasmagorische spanning oproepen die overal in de film aanwezig is. Aanbevolen met de koptelefoon op en de lichten uit.
“Once Upon A Time In America” (1984)
Wat uiteindelijk de laatste samenwerking werd tussen twee reuzen van de 21e-eeuwse cinema en goede vrienden, “Once Upon A Time In America” staat zeer hoog genoteerd onder Morricone’s grootste hits. Het is een van de weinige voorbeelden waarbij je willekeurig naar een willekeurig nummer kunt shuffelen en het zal direct herkenbaar zijn als de muziek die Morricone creëerde voor Leone’s meesterwerk; zo emotioneel episch als de film zelf, het is het iconische gebruik van de hoofdpanfluit (luister naar de opening van “Childhood Memories” voor een bijzonder indringend voorbeeld) en ‘Deborah’s Theme’ die de score onsterfelijk maken. Net zoals hij deed met ‘West’, speelde Leone Morricone’s score op de set om de acteurs in de stemming van de film te krijgen, wat Morricone als het ware tot co-regisseur maakt. Een mooie gedachte voor een adembenemende cinematografische ervaring.
“The Mission” (1986)
“Ik had absoluut het gevoel dat ik had moeten winnen voor ‘The Mission,'” vertelde een mogelijk brommerige Morricone aan The Guardian in een interview uit 2001. En natuurlijk had hij de Academy Award moeten winnen voor deze expressieve en opera-achtige score. “Gabriel’s Oboe’ is een 2 minuten durende ontdekking van hoe de hemel moet klinken, terwijl zijn gevoel voor het creëren van voor altijd memorabele titelthema’s wordt voortgezet met ‘The Mission’, een prachtig muzikaal arrangement zoals hij dat nog nooit eerder heeft gemaakt. Het verhaal gaat dat Morricone, in een zeldzaam moment van zelftwijfel, de beelden van Roland Joffe te krachtig vond en dat hij dacht dat zijn muziek ze geen recht zou doen. Zie je wel? Zelfs genieën kunnen het mis hebben.
“The Untouchables” (1987)
Brian De Palma en Ennio Morricone konden het goed met elkaar vinden, en werkten in 1989 weer succesvol samen voor “Casualties Of War”, maar het is de Oscar-genomineerde score voor “The Untouchables” die de sappigste vruchten van hun samenwerking heeft afgeworpen. Morricone begon het wat rustiger aan te doen met filmmuziek na 1985 en ging zich meer toeleggen op live-concerten, maar zoals bij de overige soundtracks op de lijst was hij nog steeds in zijn element wanneer hij een bewegend beeld van begeleidende muziek moest voorzien. Het opzwepende overwinnings-thema van ‘Untouchables’ klinkt te verdomd goed zodra de trompetten crescendo gaan om ooit goedkoop te zijn, terwijl het thema van ‘Al Capone’ perfect past bij de briljante komische vertolking van Robert De Niro.
“Cinema Paradiso” (1988)
Morricone’s naam wordt meestal geassocieerd met misdaadepossen, westerns en giallo’s, maar het zijn partituren zoals die welke hij componeerde en orkestreerde voor “Cinema Paradiso” die je een stapje terug doen en doen beseffen dat er in feite niets was waar deze Maestro zijn dirigeerstokje niet naar kon zwaaien. Het was zijn eerste partituur voor Giuseppe Tornatore, een samenwerking die nog een paar onvergetelijke partituren zou opleveren, en net als de film zelf zijn alle stukken een weerspiegeling van een bodemloze liefde voor de verpletterende krachten van de cinema zelf. De snaarpermutaties die de luisteraar omhullen met een allesomvattende warmte, zoals te horen is in het “Titel Thema” en het “Liefdes Thema”, zullen je doen verstommen.
“Frantic” (1988)
Roman Polanski’s “Frantic” wordt vaak vergeten als we de beste films van de regisseur op een rijtje zetten, maar deze heeft een speciaal plekje in mijn hart. Toen ik Morricone’s score opnieuw bekeek (helaas de enige keer dat de twee samenwerkten), moest ik onmiddellijk denken aan het mysterie en de paranoia die Harrison Ford’s in de war gebrachte dokter ervaart. Het is een van de meest diepgaande subtiele werken van de Maestro: het is vakkundig stemmig, met een absoluut ongelooflijk gebruik van accordeongeluiden die in en uit komen, overstemd door de snerpende strijkers. Het is een samensmelting van de giallo-gevoeligheden die hij zich in de jaren ’70 eigen had gemaakt met het meer klassieke orkestrale werk dat hij in die tijd maakte, en het resultaat is weer een wonderbaarlijke partituur waarin je helemaal kunt opgaan.
“Legend Of 1900” (1998)
Toen de jaren ’90 aanbraken, was Morricone lang niet meer zo productief als hij in het verleden was geweest, en hoewel hij de meeste Hollywood-componisten nog steeds liet lijken op kinderen die op potten en pannen stonden te slaan, is het duidelijk dat het hoogtepunt van zijn carrière achter hem lag (waarschijnlijk bereikt in “Once Upon A Time In America”, als je dat zou moeten nagaan). Dat gezegd hebbende, was hij nog steeds geïnspireerd om enkele prachtige muziekstukken te produceren, klassieker dan ooit, voor zijn goede vriend Giuseppe Tornatore. Voor de “Legend Of 1900”, zijn tweede Golden Globe-winst, schitterde hij met gepassioneerde pianocomposities en weemoedige strijkers die de geest van het muzikale wonderkind in het middelpunt prachtig vastlegden.
“Malena” (2000)
De vijfde en laatste Oscarnominatie voordat de kiezers beseften dat een ere-Oscar de enige manier was om hun gezicht te redden. “Malena” is het beste werk dat Morricone in de herfst van zijn carrière componeerde. Hij vond een manier om de verleidelijke krachten van Monica Bellucci, die een sensuele vrouw speelt in een klein achtergebleven Italiaans stadje, muzikaal te beschrijven. De emotionele rollercoaster die de film is – zowel een coming-of-age verhaal als een sociaal commentaar op de intolerantie van bekrompen gemeenschappen – legt zijn ziel en essentie bloot in Morricone’s muziek. De componist graaft in zijn arsenaal van instrumentale arrangementen en creëert iets joviaals, onnavolgbaars en subliems.
Aangezien deze lijst is samengesteld uit meer dan 500 filmcomposities, kunnen er gemakkelijk nog 30 andere Ennio Morricone-scores aan worden toegevoegd en dan nog zou er iets ontbreken. Hoe ik ook mijn best doe om recht te doen aan zijn woedende output, het was met een ongelooflijk zwaar hart dat ik enkele van zijn stukken uit de jaren ’60 en ’70 moest uitsluiten, een periode waarin hij weinig fout deed. Hiervan zijn “A Fistful Of Dollars”, het aanstekelijk poppy “Slalom”, “Death Rides A Horse” (nog een Western juweeltje waar Tarantino van geleend heeft), “The Five Man Army”, het excentrieke en gekke “Danger: Diabolik”, Corbucci’s “The Great Silence” en Pier Paolo Pasolini’s “The Hawks And The Sparrows” springen eruit.
In de jaren 70 waren er “Violent City”, “Two Mules For Sister Sara”, “The Forbidden Photos Of A Lady Above Suspicion”, “The Fifth Cord”, “Vamos a Matar, Compañeros”, “Working Class Goes To Heaven”, en “Who Saw Her Die?” die allemaal net niet binnenkwamen. Zijn 1971-scores voor “Veruschka” en “Sacco e Vanzetti” zijn populair bij diehards, maar hoe goed ze ook zijn, ik vond dat ik ze niet kon vervangen door een van de anderen. Had ik het mis? Zegt u het maar!
Morricone’s jaren ’80 en ’90, hoewel lang niet zo productief als de eerste twee decennia, hebben nog steeds “White Dog”, “Red Sonja”, “Casualties of War”, “Bugsy” (de enige Academy Award-nominatie die niet in de hoofdlijst is opgenomen), “Hamlet”, “Wolf” en “Lolita” als enkele van de werken die serieus overwogen zijn voor de hoofdvermelding.