Geniusz. Legenda. Etykiety, które są często zużyte, gdy bandied about. Ale podczas gdy 10 listopada 2015 roku może być zwykłym ol’ wtorek dla większości, dziś tak się składa, że jest to świetny dzień, aby uhonorować artystę, który może słusznie położyć roszczenia do legendarnego statusu. Mowa o Ennio Morricone, a.k.a. the Maestro, bo o nim będzie mowa w tym artykule kilkanaście razy.
Ten mistrz aranżacji muzycznych, miksowania dźwięku i awangardowej kreatywności kończy dziś 87 lat. Nie wykazuje żadnych oznak spowolnienia – ma zaplanowaną europejską trasę koncertową na 2016 rok, a jego bardzo oczekiwana pierwsza oryginalna partytura do „Nienawistnej ósemki” Quentina Tarantino jest już w puszce i na horyzoncie – ponad 500 filmów Morricone świadczy o jego silnej etyce pracy i pasji do komponowania filmów. Podjąłem się więc głupiego zadania zagłębienia się w jego dyskografię i wybrania 30 jego najlepszych ścieżek dźwiękowych.
Morricone wciąż mieszka w Rzymie, mieście, w którym się urodził i wychował, i sławnie mówi tylko kilka słów po angielsku. Nie można być bardziej włoskim niż to, ale jak mówi przysłowie, jego muzyka jest językiem uniwersalnym. Najłatwiej kojarzy się go z westernami Sergio Leone, ale jak mam nadzieję pokaże ta lista, jego muzyczny zasięg wykracza daleko poza kino Leone. „Wszystkie są moimi dziećmi… każda partytura, którą zrobiłem” – często mawiał, co miało wpływ na wielu artystów różnych gatunków muzycznych: Yo-Yo Ma, Goldfrapp, Black Sabbath, DJ Premiere i Metallica w tym czy innym momencie złożyli Morricone hołd. Jest on ponad każdym innym kompozytorem filmowym w przeszłości lub obecnie, może z wyjątkiem Bernarda Herrmanna, w rewolucjonizowaniu sposobu, w jaki rozumiemy muzykę filmową.
Popularne na IndieWire
Więc, chwyćcie butelkę dobrego włoskiego czerwonego i użyczcie mi swoich oczu i uszu, gdy będę spisywał najbardziej pamiętne i wpływowe utwory z oszałamiającego dorobku Maestro.
„For A Fistful of Dollars More” (1965)
Włączenie wszystkich trzech partytur z 'Trylogii Dolarów’ na tę listę wydaje się niesprawiedliwe, szczególnie biorąc pod uwagę, że trzaskający jak bicz temat tytułowy z „A Fistful of Dollars” tak przytłaczająco przyćmiewa wszystko inne. Gdyby to była lista „Essential”, a nie „Best Of”, „A Fistful Of Dollars” pewnie by się na niej znalazło, ale ja jestem zdania, że „For A Few Dollars More” jest lepszym reprezentantem rewolucyjnych metod Morricone w stosunku do westernów Leone. Ze względu na twangy jew’s-harps, obłędnie chwytliwe riffy gitarowe, ikoniczne gwizdanie, bicie dzwonów, organy kościelne i muzyczny zegarek kieszonkowy El Indio (Gian Maria Volonte), który „przenosi twoją myśl w inne miejsce” i tak żywo maluje psychologiczny makijaż postaci, „For A Few Dollars More” jest tak samo ikoniczne jak staredown Clinta Eastwooda.
„The Battle Of Algiers” (1966)
Mimo, że jest to jedyna partytura na tej liście, w której obok nazwiska Morricone w napisach końcowych widnieje czyjeś nazwisko, pominięcie „The Battle Of Algiers” byłoby więcej niż bluźnierstwem, dzięki temu jak bardzo stała się archetypiczna. Ze względu na zobowiązania kontraktowe, reżyser Gillo Pontecorvo musiał być wymieniony obok Morricone, a w przypadku „Ali’s Theme”, to właśnie Pontecorvo wymyślił cztery nuty, które zdaniem Morricone „stały się esencją filmu”. Ale to sam Maestro ułożył je w partyturę. Z całym szacunkiem dla Pontecorvo, który wyreżyserował arcydzieło, pracował pod auspicjami mistrza aranżacji, którego permutacje wojskowego bębnienia, rogów i fortepianów rozpalają w obrazie wieczny płomień rewolucyjnej niezależności.
„The Good, The Bad, And The Ugly” (1966)
Aaah-eee-aaah-eee-Ahhh. Praktycznie urodzinowy dżingiel Morricone, jest to piosenka przewodnia z całego serca, bombastycznie wywrotowego OST do „The Good, The Bad, And The Ugly” Leone. Pierwsze dwie pozycje z trylogii „Dollars” utorowały drogę temu nowemu brzmieniu, ale mogę sobie tylko wyobrazić (i kipieć z wiecznej zazdrości), jak musiało brzmieć dla świeżych uszu pod koniec lat 60-tych słuchanie galopujących rytmów, harmonijki, trąbki i „Ecstasy of Gold” – gdyby istniało laboratorium zajmujące się takimi rzeczami, naukowcy udowodniliby, że jest to jeden z najlepszych utworów muzyki filmowej, jakie kiedykolwiek skomponowano. Zapewne jakaś odmiana „OMFG jak coś może brzmieć tak cholernie fajnie?”. Morricone podążył za swoim awangardowym sercem i wykorzystał prawdziwe dźwięki, „aby nadać filmowi pewien rodzaj nostalgii, którą miał przekazać”. W przypadku „The Good, The Bad, And The Ugly” były to głównie odgłosy zwierząt, a konkretnie to, co stało się znane jako wycie kojota – gatunek westernu oficjalnie już nigdy nie był taki sam.
„Navajo Joe” (1966)
Co, myśleliście, że Morricone najlepsze ze swoich westernowych partytur zostawił tylko dla Sergio Leone? Per favore. Dla innego Sergio, w tym przypadku Corbucciego, rozrzucił swój niepowtarzalny geniusz po całej płycie mikserskiej i być może to jego pseudonim „Leo Nichols” uwolnił bestię, która grasuje po dzikich dźwiękach „Navajo Joe”. Chwytliwe klawisze, posmak szalonej awangardy, emocjonalne narastanie kulminujące w dementi antycypujące jego skłonności do horroru („A Silhouette Of Doom”); aranżacje z melodyjnymi ludzkimi śpiewami „Navajo Joe, Navajo Joeee” – jak niegdyś zasłyszany-pamiętany na zawsze hymn tytułowy- to jedne z najbardziej pomysłowych utworów Maestro w gatunku. Ponownie, możemy podziękować Quentinowi Tarantino za przypomnienie ogółowi społeczeństwa o genialności tego soundtracku, ponieważ wykorzystał on część z niego w „Kill Billu”, ale dobrze byłoby poszukać oryginału.
„Pewnego razu na Zachodzie” (1968)
W jednym ze swoich najbardziej płodnych lat Morricone kontynuował współpracę z Sergio Leone i skomponował to, co dla wielu uszu jest najwspanialszą muzyką słyszaną w filmach westernowych. Włoska piosenkarka Edda Dell’Orso współpracowała z Morricone przy wielu projektach, aż do jego fazy giallo, ale jej głos brzmiał tak anielsko jak w „Once Upon A Time In The West”, z towarzyszeniem zmysłowych smyczków Morricone. Album sprzedał się w ponad 10 milionach egzemplarzy na całym świecie, a kiedy słyszy się „The Man With The Harmonica” po raz tysięczny, pozostaje tylko pytanie: jak to się stało, że sprzedał się tak słabo? Motywy przewodnie opisywały cztery główne postacie w sposób niezapomniany, często powtarzany, ale nigdy nie lepszy, co musiało zadziałać podwójnie mocno, bo Leone puszczał muzykę Morricone na planie, by wprowadzić aktorów w nastrój. Jeden z najwspanialszych przykładów operowego westernu, „Pewnego razu na Zachodzie” plasuje się w ścisłej czołówce, jeśli chodzi o filmowe połączenie obrazu i partytury.
„Eskalacja” (1968)
Jest to jeden z tych przypadków w długiej, pracoholicznej historii Morricone, gdzie dobrze jest wylać dziecko z kąpielą, pod warunkiem, że zostawi się w niej wodę. Oznacza to, że włoska mroczna komedia Roberto Faenzy „Eskalacja” nie jest zbyt dobra, ale Morricone w tym czasie strzelał na wszystkie cylindry, tworząc kolejną niezapomnianą partyturę pełną czystej muzycznej radości. Wyróżnia się funkowe „Dias Irae Psichedelico” (psychodeliczne to prawda) i jego genialny moment ciszy, oraz wszystkie wariacje „Funerale Nero”, w którym Morricone sięga do swoich jazzowych korzeni z trąbkami, które przyprawią Cię o taneczną gorączkę. Senne mikstury brzmią tak, jakby cała orkiestra była na LSD, a funkowość przypomina słuchaczom, jak szeroka była muzyczna sieć Morricone.
„Come Play With Me” (1968)
Better known as „Gracie Zia”, Salvatorre Samperi’s debut feature is now all but forgotten. Jego pozytywne pozostałości są głównie emblematyczne w absurdalnie zabawnej ścieżce dźwiękowej Morricone, rozpoczynającej się od „Guerra E Pace, Pollo E Brace” i połączenia rytmicznej perkusji z tym, co brzmi jak cały chór dzieci. „Zadawanie przyjemności” było częścią języka marketingowego filmu – historia dotyczy kazirodczego związku między ciotką a jej siostrzeńcem – co doskonale opisuje główny antyfonowy medley Morricone. Poczekajcie, aż usłyszycie „Shake Introspettivo”, którego wężowy syntezator sprawi, że przycisk „repeat” będzie nadużywany jak nigdy dotąd. „Come Play With Me” to również fantastyczne wczesne wprowadzenie do giallo Morricone, szczególnie z jego wykorzystaniem niepokojących kołysanek.
„The Mercenary” (1968)
Drugi nie-Sergio Leone western, o którym trzeba wspomnieć, to kolejny film Sergio Corbucciego, a zadanie wyboru między nim a „Wielką ciszą”, innym westernem Corbucciego wydanym w tym samym roku, nie dawało mi spać przez kilka nocy. Po kilku pełnych odsłuchach, zdecydowałem się na „The Mercenary”, głównie dlatego, że jego charakterystyczny gwizd jest najwspanialszym gwizdem w historii. Z pomocą długoletniego współpracownika Bruno Nicolai, Morricone przekształcił temat „Il Mercenario” – zwłaszcza dźwięczną wariację „L’Arena”, którą Tarantino ponownie wykorzystał – w jedną ze swoich najwspanialszych westernowych kompozycji. Spróbuj tylko posłuchać tej romantycznie melancholijnej gitary w „Libercie”, a nie dostaniesz gęsiej skórki.
„Klan Sycylijczyków” (1969)
Przed „Pewnego razu w Ameryce” i „Nietykalnymi”, Morricone zaznaczył swoje genialne zamiłowanie do melodyjnych filmów kryminalnych w „Klanie Sycylijczyków” Henri Verneuila. Film, który stał się inspiracją dla jednego z najbardziej rozpoznawalnych dzieł Morricone, najprawdopodobniej z powodu onieśmielającego trio przystojniaków z plakatów: Alain Delon, Jean Gabin i Lino Ventura. Żydowskie dźwięki i gwizdki łączą ten kryminalny kaprys z klimatem jednego z westernów Morricone, ale gdy tylko jakiś zgrabny jazz („Snack Bar”) pełni rolę przerywnika, niepowtarzalna muzyka do „Klanu Sycylijczyków” rozkwita w niespokojnych tempach takich jak „Tema Per Le Gofi” i oczywiście w głównym ostinato, które ocieka zmysłową nostalgią i elektrycznym chłodem. Nie sposób nie nucić go godzinami po przesłuchaniu.
„Burn!” (1969)
Czy znasz go pod jego włoską nazwą „Queimada”, czy pod cudownie trafiającym w sedno angielskim tytułem, wiesz, że to, co ten film Gillo Pontecorvo ma oprócz jednego z bardziej niesamowitych występów Marlona Brando, to najbardziej emocjonalnie poruszająca ścieżka dźwiękowa Ennio Morricone. Otwierające canto „Abolisson, abolisson!” przywodzi na myśl rewolucyjnego wolnego ducha, którego Morricone miał niesamowitą umiejętność przekładania na muzykę – im głośniej rośnie, tym mocniej włosy stają dęba. Jak w przypadku większości muzyki, którą dyrygował w tym okresie, Morricone uchwycił esencję filmu w nutach, harmoniach i aranżacjach. Jego temat 'Jose Dolores’ to jeden z najlepszych przykładów prostych akordów poprowadzonych w coś na wskroś głębokiego.
„Ptak z kryształowym pióropuszem” (1970)
Na początku lat 70. ekrany włoskich kin zaczęły krwawić horrorem giallo, a kto mógł zaszczepić w ludzkiej wyobraźni straszydła groźniej niż kolekcja porcelanowych lalek twojego strasznego sąsiada? Tylko najbardziej wszechobecny włoski kompozytor filmowy, człowiek, który w tym czasie pracował w oszałamiającym tempie 12-13 partytur rocznie. Pierwszy z niezapomnianych wkładów Morricone w gatunek przyszedł do debiutanckiego (i jednego z jego najlepszych) filmu Dario Argento „Ptak o kryształowym upierzeniu”. Prawdopodobnie Morricone zainspirował się kompozycją kołysanki Krzysztofa Komedy z „Dziecka Rosemary”, kiedy stworzył dla Argento swój własny, niesamowicie wysublimowany wierszyk la-la-la, naszpikowany paranoicznymi trąbkami i ksylofonami, krystalizujący uczucie, że ktoś o złych zamiarach stoi tuż za tobą.
„Investigation Of A Citizen Above Suspicion” (1970)
Tricky, zgrabny, lekko perwersyjny i wiecznie na paluszkach ponad podejrzeniami, score Morricone do nagrodzonej Oscarem satyry Elio Petriego jest jedną z jego najbardziej zaraźliwych melodii. „Musiałem napisać rodzaj muzyki dla groteski z ludową nutą” – wyjaśnia Morricone w filmie Criterion, a jego kombinacja mandoliny i jew’s-harp z typowymi instrumentami orkiestrowymi nie ma sobie równych, jeśli chodzi o zaszczepienie poczucia diabelskiej zabawy. Eksperymentujący awangardowy artysta, jakim Morricone był we wczesnym okresie swojej kariery, jego kreatywność z dźwiękami syntezatorów i nadprzyrodzone ucho do tworzenia muzycznych haków sprawiają, że „Investigation Of A Citizen Above Suspicion” jest jednym z jego najpopularniejszych utworów, często słyszanych na koncertach.
„Maddalena” (1971)
Morricone serwował partytury jak nietoperz z piekła rodem we wczesnych latach 70-tych, więc często majestat jego muzyki wyprzedzał o lata świetlne film, do którego ją skomponował. Nigdy nie było to bardziej widoczne niż w przypadku „Maddaleny” Jerzego Kawalerowicza, wyrzuconego na śmietnik obrazu o kobiecie szukającej miłości i znajdującej ją u księdza. Minęło ponad 40 lat, więc można przyznać, że jedyną naprawdę wspaniałą rzeczą, która wyszła z tej całej sprawy jest wymowna i symfoniczna partytura Morricone. Współpracując z Eddą Dell’Orso przy wspaniałym, 9-minutowym otwieraczu „Come Maddalena” i komponując „Chi Mai” (które później zostanie jeszcze bardziej spopularyzowane przez BBC w „The Life And Times Of David Lloyd George”), Morricone zapoczątkował to, co jest prawdopodobnie jego najbardziej znaczącym rokiem z jego charakterystyczną fuzją jazzu, chóralnych hymnów i niekończących się rezonansowych polifonii.
„Lizard In A Woman’s Skin” (1971)
To paranoja centralna w barokowych odcieniach, które przenikają partyturę Morricone do „Lizard In A Woman’s Skin”, która została wznowiona w zeszłym roku przez wytwórnię Death Waltz z odpowiednio oszałamiającą okładką. Ten filmowy koszmar Lucio Fulciego zainspirował jedną z najwspanialszych kompozycji Morricone; piękną kakofonię jazzu, funku, organów kościelnych, dęciaków, gwizdków i głosu Eddy Dell’Orso. Są to elementy, które były nieodłączną częścią tak wielu partytur Morricone przed nią, ale dzięki jego chirurgicznej aranżacji, czują się niewyczerpanie świeże i uwodzicielskie. Czy to przez flety w „La Lucertola”, surfującą gitarę w „Notte di giorno”, czy senne zanurzenie się w króliczej norze Fulciego w „Spiriti”, jest to kolejna partytura Morricone, która sprawi, że pomyślisz, że twoje stereo jest opętane przez jakiegoś demona, który ma naprawdę, naprawdę, świetny gust muzyczny.
„Cold Eyes Of Fear” (1971)
Jeśli jesteś w nastroju na najbardziej awangardową stronę Morricone, stronę, która sprawia, że najbardziej dysonansowe dźwięki w filmie Davida Lyncha brzmią jak Buddy Holly, nie szukaj dalej niż „Cold Eyes Of Fear”.” Thriller Enzo Castellariego nie dorównuje innym giallos swoich czasów, ale ta rtęciowa, kwaśno-jazzowa ścieżka dźwiękowa od Maestro wpełznie ci pod skórę i sprawi, że będziesz chodził jak na szpilkach przez wiele godzin, a akordy wiolonczeli i trąbki będą powracać w wielu kolejnych koszmarach. Najbardziej celowo dysharmonijna z partytur Morricone, „Cold Eyes Of Fear” to spoglądanie w filmową otchłań za pomocą dźwięków i gongów. To także jeden z najważniejszych punktów kariery kompozytora w aranżacji giallo, mocno przypominający jego wczesne dni jako awangardowego improwizatora w Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza.
„Cat O’ Nine Tales” (1971)
W bezpośrednim kontraście do „Cold Eyes Of Fear”, kompozycje Morricone do „Cat O’ Nine Tails,”, drugiego filmu Dario Argento, jest wypełniona pięknymi, niemal uduchowionymi harmoniami, których typowym przykładem jest temat główny „Ninna Nanna”, gdzie ponownie wykorzystuje on wokalne umiejętności Dell’Orso do wysoce hipnotycznych efektów. Prawdopodobnie rozpoznacie wywołujący strach „Paranoia Prima”, ponieważ został on ponownie zaadoptowany przez Tarantino w „Kill Bill Vol. 1”, podczas gdy reszta partytury jest zaśmiecona głębokimi basowymi nutami wiolonczeli i rodzajem szumu w tle, który maluje tysiące mrocznych obrazów. Do tego czasu – i nie, to nie jest literówka, wciąż jesteśmy w 1971 roku – było jasne, że Morricone nie tylko opanował i posiadł gatunek westernu, ale także pierwotne dźwięki włoskich filmów slasherowych.
„Duck, You Sucker!” (1971)
Nie jest jednak tak, że w ’71 chodziło mu wyłącznie o giallos. Morricone zajmował się wszystkim, co mógł zmieścić w swoim absurdalnie skondensowanym grafiku. Obejmowało to kolejną wirtuozerską partyturę do westernu Sergio Leone, w tym przypadku „Duck, You Sucker!” (a.k.a. „A Fistful of Dynamite”). Może to być najbardziej kapryśna z partytur Morricone do Leone, z niezapomnianą mieszanką komizmu i operowości, która działa cuda, co od razu słychać w „Main Theme” filmu. Rozkołysane smyczki, które w pewnym momencie przejmują kontrolę, zabierają nas w magiczny świat filmów, zanim operowy mezzosopran Dell’Orso doda nieoczekiwaną warstwę. Sam kompozytor opisał ten film w wywiadzie dla Quietus, ponad wszystkie inne, jako świetny przykład jego „mieszania muzyki tonalnej i awangardowej.”
„What Have You Done To Solange?” (1972)
Achh, ten fortepian. Dodajmy do tego kolejną zwycięską współpracę z Eddą Dell’Orso w filmie giallo, która jest warta metryki partytury Morricone. „What Have You Done To Solange?” Massimo Dallamano jest przesiąknięty tajemnicą, prawdziwym dreszczykiem emocji i rodzajem paranoi, która jest ciaśniejsza niż drut fortepianowy. Począwszy od otwierającego utwór tematu tytułowego, poprzez jazzujące klimaty „Una Tromba E La Sua Notte”, aż po karuzelowe dźwięki „Fragile Organetto”, partytura ta jest kolejnym subtelnie rozczłonkowanym i prowokującym utworem muzyki filmowej, który tym, którzy widzieli film, od razu nasunie obrazy księdza-mordercy Fabia Testiego i Elżbiety Cristiny Galbo, a tych, którzy nie widzieli, zachęci do sięgnięcia po niego. Partytura Morricone jest tu tak paraliżująco dobra, że nie pozwala nawet śmiać się z mało subtelnego dubbingu.
„Revolver” (1973)
To kolejny przypadek, gdy mniej znana muzyka Morricone została ponownie wykorzystana przez Tarantino (tym razem w „Inglourious Basterds”) i jeśli zastanawiasz się, „Czy po prostu zawarłeś wszystko, co QT ponownie wykorzystał na tej liście?”, to odpowiedź brzmi: prawie, ale nie dlatego, że chciałem to zrobić. Gust muzyczny Tarantino jest olbrzymi, niezależnie od tego, co sądzisz o jego pracy czy wielkości jego ego, a podczas przeglądania ogromnego dorobku Morricone, to, co rzuca się w oczy, jest częściej tym, co rzuciło się w oczy samemu Tarantino. Choć gdyby „Revolver” Sergio Sollimy sprowadzał się do emocjonalnie rozbuchanych smyczków z „Un Amico”, prawdopodobnie nie znalazłby się w zestawieniu. Dwunastominutowy utwór tytułowy ma niezwykły napęd, z jego warstwowymi rogami, a „Quasi Vivaldi” to przyjemny mały ukłon w stronę słynnego kompozytora.
„Spasmo” (1974)
Ostatni z giallos, który znalazł się na tej liście, „Spasmo” wyróżnia się od reszty pięknymi częściami „Bambole” i „Spasmo”. W 1974 roku Morricone miał już oczywiście opanowane partytury do giallo, dzięki pracy z Argento i Dallamano, ale wciąż pozostała mu jedna oszałamiająco sensacyjna partytura dla Umberto Lenzi. Strasznie romantyczna i emocjonalna, aranżacje syntezatorowych melodii, ludzkich brzęczeń i instrumentów dętych rozbrzmiewają daleko poza urządzenie, które odtwarza muzykę (lub, w rzeczy samej, ekran). Mieszając fantastyczne z realnym, jak to w tradycji giallo bywa, mieszanka syntetyzowanego i naturalnego w partyturze Morricone zajmuje czołowe miejsce w „Spasmo”, prawdopodobnie jednej z najpiękniejszych partytur, jakie kiedykolwiek skomponowano do horroru.
„Egzorcysta II: Heretyk” (1977)
Od pięknego do absolutnie obłąkanego, wciąż grając w tej samej piaskownicy. „Egzorcysta II” to totalna katastrofa filmowa, sequel biednego człowieka autorstwa skądinąd wspaniałego Johna Boormana. Ale jak to bywa z kilkoma innymi na tej liście, za fatalnym filmem kryje się czasem niesamowicie dobra ścieżka dźwiękowa, co Morricone, ponad wszelkimi innymi kompozytorami filmowymi, udowadniał raz po raz, dając świetne przykłady jak ten. Zaczyna się ładnie i pięknie od „Regan’s Theme”, ale już niedługo „Egzorcysta II” pogrąża się w szaleństwie za sprawą śpiewów „Pazuz” i kobiecych zawodzeń „Little Afro-Flemish Mass”. Gdy docieramy do szalonego „Magic And Ecstasy”, uderza nas, że to najbardziej szalony utwór, jaki kiedykolwiek słyszeliśmy u Morricone. I to jest niesamowite.
„Days Of Heaven” (1978)
Pierwsza z pięciu nominacji Morricone do Oscara (z których wszystkie pięć w końcu straci: wstyd!), „Days Of Heaven” to jedna z tych wymarzonych kolaboracji reżyser-kompozytor. Pracując po raz pierwszy z Terrence’em Malickiem, Morricone stworzył jedną ze swoich największych amerykańskich ścieżek dźwiękowych, która doskonale uzupełnia głęboko odczuwalne tendencje tematyczne Malicka i wysublimowane zdjęcia Nestora Almendrosa. Otwierający album senny „Aquarium” nie jest oryginałem Morricone, ale pięknie nadaje ton ikonicznemu, pełnemu nostalgicznej tęsknoty utworowi tytułowemu, leniwym fletom w „Happiness” i przypominającemu wiatr kołysaniu smyczków w „Harvest”. Wszystko to tworzy kompozycję, która jest magią muzyki filmowej. A oto coś, co podsyci Wasze oczekiwanie: Morricone i Malick mają ponownie współpracować przy długo oczekiwanym dokumencie reżysera „Voyage Of Time”.
„The Thing” (1982)
Wiem, że ten score był nominowany do Razzie, ok? Ale chrzanić to, bo „The Thing” z biegiem czasu i zdrowego rozsądku został uznany za jeden z najsroższych utworów Ennio Morricone. John Carpenter słynnie postanowił nie komponować do tego filmu, zamiast tego zlecając to zadanie Maestro (najwyraźniej jako fan twórczości Włocha z gatunku giallo). Choć legenda głosi, że Carpenter nie był zbytnio zadowolony z pracy Morricone, wykorzystując jedynie jej fragmenty w ostatecznej wersji filmu, oryginalnie wydany OST zawiera utwory, które wybrał sam Morricone. Oczyść swój umysł z szumu otaczającego wydanie i ciesz się jedną z najbardziej nastrojowych partytur Morricone, pięknie przywołującą zimową izolację filmowej scenerii i fantasmagoryczny suspens dominujący w całym filmie. Polecamy z włączonymi słuchawkami i wyłączonymi światłami.
„Once Upon A Time In America” (1984)
Skończyło się na ostatniej współpracy dwóch gigantów kina XXI wieku i drogich przyjaciół, „Once Upon A Time In America” plasuje się bardzo wysoko wśród największych hitów Morricone. Jest to jeden z niewielu przykładów, gdzie możesz losowo wrzucić dowolny utwór i będzie on natychmiast rozpoznawalny jako muzyka Morricone stworzona do arcydzieła Leone; tak emocjonalnie epicki jak sam film, to właśnie ikoniczne użycie głównego fletu pan-fletowego (posłuchaj otwarcia „Childhood Memories” dla szczególnie przeszywającego przykładu) i 'Deborah’s Theme’ unieśmiertelniają partyturę. Podobnie jak w przypadku „West”, Leone grał partyturę Morricone na planie, by wprowadzić aktorów w nastrój filmu, co czyni z Morricone współreżysera. Piękna myśl dla zapierającego dech w piersiach kinowego doświadczenia.
„Misja” (1986)
„Zdecydowanie czułem, że powinienem był wygrać za 'Misję'”, tak powiedział The Guardian w wywiadzie z 2001 roku nieco cantankerous Morricone. I oczywiście powinien był zdobyć Oscara za tę ekspresyjną i operową partyturę. „Gabriel’s Oboe” to 2,5 minutowe odkrycie tego, jak musi brzmieć niebo, podczas gdy jego wrażliwość na tworzenie wiecznie pamiętnych tematów tytułowych kontynuowana jest w „The Mission”, tak pięknej aranżacji muzycznej, jaką kiedykolwiek stworzył wcześniej lub później. Historia głosi, że w rzadkim momencie zwątpienia w siebie, Morricone uznał obrazy Rolanda Joffe za zbyt potężne i uznał, że jego muzyka nie odda im sprawiedliwości. Zobacz także. Nawet geniusze mogą się mylić.
„Nietykalni” (1987)
Brian De Palma i Ennio Morricone świetnie się dogadywali i z powodzeniem współpracowali ponownie przy „Casualties Of War” w 1989 roku, ale to nominowana do Oscara partytura do „Nietykalnych” wydała najbardziej soczyste owoce ich współpracy. Po 1985 roku Morricone zaczął zwalniać tempo w tworzeniu muzyki filmowej, skupiając się na koncertach na żywo, ale tak jak w przypadku pozostałych ścieżek dźwiękowych na tej liście, nadal był w swoim żywiole, gdy musiał dodać muzykę towarzyszącą do ruchomego obrazu. Wzruszająco zwycięski temat „Nietykalnych” brzmi zbyt dobrze, gdy tylko wybrzmi crescendo trąbek, by kiedykolwiek mógł być tandetny, podczas gdy temat „Ala Capone” pasuje do genialnego komicznego występu Roberta De Niro jak ulał.
„Cinema Paradiso” (1988)
Nazwisko Morricone kojarzone jest głównie z kryminalnymi epopejami, westernami i giallo, ale to właśnie takie partytury jak ta, którą skomponował i zaaranżował do „Cinema Paradiso” sprawiają, że można zrobić krok w tył i zdać sobie sprawę, że tak naprawdę nie ma rzeczy, w której ten Maestro nie mógłby zamachnąć się batutą. Była to jego pierwsza partytura dla Giuseppe Tornatore, współpraca, która zaowocuje jeszcze kilkoma niezapomnianymi partyturami w przyszłości, i podobnie jak sam film, wszystkie utwory są odzwierciedleniem bezgranicznej miłości do potęgi kina. Smyczkowe permutacje, które otulają słuchacza wszechogarniającym ciepłem, jak to słychać w „Title Theme” i „Love Theme”, ogłuszą Was do ciszy.
„Frantic” (1988)
Często zapomina się o „Franticu” Romana Polańskiego, gdy wymienia się największe filmy tego reżysera, ale zajmuje on specjalne miejsce w moim sercu. Kiedy ponownie sięgnąłem po partyturę Morricone (niestety jedyny raz, kiedy obaj pracowali razem), od razu przypomniała mi się tajemnica i paranoja, której doświadcza oszołomiony lekarz Harrison Ford. To jedna z najgłębiej subtelnych prac Maestro: jest fachowo nastrojowa, z absolutnie niesamowitym wykorzystaniem dźwięków akordeonu, które wchodzą i wychodzą, zagłuszane przez wysoko postawione smyczki. Jest to fuzja wrażliwości giallo, którą opanował w latach 70-tych z bardziej klasyczną orkiestrową pracą, którą wykonywał w tamtym czasie, a rezultatem jest kolejna cudowna partytura, w której można się całkowicie zatracić.
„Legend Of 1900” (1998)
Pod koniec lat 90-tych Morricone nie był już tak płodny jak w przeszłości, i choć nadal sprawiał, że większość hollywoodzkich kompozytorów wyglądała jak dzieci walące w garnki i patelnie, to jasne jest, że szczyt kariery miał już za sobą (prawdopodobnie osiągnął go, jeśli by go prześledzić, w „Once Upon A Time In America”). Mimo to, nie zabrakło mu inspiracji do stworzenia kilku wspaniałych utworów, bardziej klasycznych niż kiedykolwiek, dla swojego dobrego przyjaciela Giuseppe Tornatore. W „Legendzie 1900”, swoim drugim nagrodzonym Złotym Globem filmie, olśnił namiętnymi kompozycjami fortepianowymi i zawodzącymi smyczkami, które pięknie uchwyciły ducha muzycznego cudotwórcy.
„Malena” (2000)
Jego piąta i ostatnia nominacja do Oscara, zanim głosujący zdali sobie sprawę, że Honorowy Oscar to jedyny sposób, by zachować twarz, „Malena” jest największym dziełem, jakie Morricone skomponował w jesiennej części swojej kariery. Znalazł sposób, by muzycznie opisać uwodzicielską moc Moniki Bellucci, która gra zmysłową kobietę w małym, zacofanym włoskim miasteczku. Emocjonalny rollercoaster, jakim jest film – będący jednocześnie opowieścią o dojrzewaniu i społecznym komentarzem do nietolerancji wąskich środowisk – w muzyce Morricone ujawnia swoją duszę i esencję. Kompozytor sięga do swojego arsenału instrumentalnych aranżacji i tworzy coś jowialnego, niepowtarzalnego i wysublimowanego.
Ponieważ ta lista została wydobyta z ponad 500 kompozycji filmowych, z łatwością można by dodać kolejne 30 partytur Ennio Morricone, a i tak coś by się czuło pominięte. Starałem się oddać sprawiedliwość, biorąc pod uwagę jego wściekły dorobek, ale z ciężkim sercem musiałem wykluczyć niektóre z jego utworów z lat 60-tych i 70-tych, okresu, w którym niewiele zrobił złego. Spośród nich „A Fistful Of Dollars”, zaraźliwie popowy „Slalom”, „Death Rides A Horse” (kolejny western, z którego zapożyczył Tarantino), „The Five Man Army”, niepokojący i dziwaczny „Danger: Diabolik”, „Wielka cisza” Corbucciego oraz „Jastrzębie i wróble” Piera Paola Pasoliniego.
W latach 70-tych, „Violent City”, „Two Mules For Sister Sara”, „The Forbidden Photos Of A Lady Above Suspicion”, „The Fifth Cord”, „Vamos a Matar, Compañeros”, „Working Class Goes To Heaven” i „Who Saw Her Die?”, które o mały włos nie weszły na listę. Jego partytury do „Veruschki” i „Sacco e Vanzetti” z 1971 roku są popularne wśród diehardów, ale tak dobre jak są naprawdę, stwierdziłem, że nie mógłbym ich zastąpić żadną inną. Czy się myliłem? You tell me!
Morricone’s ’80s and ’90s, though not nearly as prolific as the first two decades, still have „White Dog,” „Red Sonja,” „Casualties of War,” „Bugsy” (the only Academy Award nomination not included in the main list), „Hamlet,” „Wolf,” and „Lolita” as some of the stuff that was seriously considered for main entry.
Wśród filmów, które były poważnie brane pod uwagę przy tworzeniu głównego wpisu, znajdują się „White Dog”, „Red Sonja,” „Casualties of War,” „Bugsy” (the only Academy Award nomination not included in the main list), „Hamlet,” „Wolf,” and „Lolita”.