No cabe duda de que uno de los elementos más poderosos de una historia es el diálogo. En el cine, el diálogo construye el tono general de la película, establece las relaciones entre los personajes y revela sutilmente los principales mensajes temáticos al público. Por lo tanto, escribir diálogos con eficacia es una parte fundamental para tener éxito como cualquier tipo de escritor.
En este artículo examinaremos:
- ¿Qué significa el diálogo?
- ¿Qué es un gran diálogo?
- La evolución del diálogo.
- 10 ejemplos de grandes diálogos (2010-20)
- Resumen del diálogo cinematográfico:
- ¿Qué es un gran diálogo?
- Evolución del diálogo:
- 10 ejemplos de grandes diálogos
- Por ejemplo…
- Her (2013)
- El Gran Hotel Budapest (2014)
- Por ejemplo…
- Carol (2015)
- Por ejemplo…
- Mujeres del siglo XX (2016)
- Por ejemplo…
- Salga (2017)
- Por ejemplo…
- El proyecto Florida (2017)
- Por ejemplo…
- Lady Bird (2017)
- Por ejemplo…
- Libro Verde (2018)
- Por ejemplo…
- Bestias del sur salvaje (2012)
- Por ejemplo…
- ¿Qué aporta esta conversación al público?
- ¿Qué gana la película con este intercambio entre estos personajes?
Diferentes géneros funcionan bien con diferentes diálogos. A veces, es un uso inesperado del diálogo lo que hace que la historia sea más efectiva. Otras veces, es necesario un diálogo previsto para que la trama avance sin confusión. Por eso, escribir diálogos para el cine puede ser complicado.
Al escribir diálogos, los cineastas deben decidir cómo quieren que el público perciba su película. ¿Será cómico y sarcástico? ¿Será serio y realista? A menudo, los cineastas utilizan una combinación de estas características al escribir el diálogo.
Una de las mejores maneras de aprender a escribir diálogos es subirse a los hombros de los gigantes. Para ayudar a ello, hemos reunido algunos de los mejores ejemplos de diálogos de diez notables películas nominadas/ganadoras del Oscar de la última década.
Pero antes de entrar en materia, vamos a repasar los aspectos básicos.
Resumen del diálogo cinematográfico:
El diálogo cinematográfico se define sencillamente como
«conversación oral entre dos o más personajes»
Esta sencilla definición da al guionista mucho margen para la creatividad. Por otro lado, también le da mucho margen de error. Hay que recordar: Hay películas, y luego hay grandes películas. Igualmente, hay diálogos, y luego hay grandes diálogos.
En definitiva, los grandes diálogos tienen un propósito. Los grandes diálogos tienen una razón para cada palabra intercambiada. Si los diálogos de una película están fuera de lugar, son innecesarios o están fuera de lugar, pueden hundir fácilmente toda la producción. No nos gusta denostar, pero ¿has visto La habitación?
Para perfeccionar los diálogos, los guionistas deben hacerse dos preguntas:
Si no se puede responder a estas preguntas, el guion necesita una revisión.
¿Qué es un gran diálogo?
Sobre todo, el uso más crucial de escribir diálogos es el desarrollo. Un gran diálogo hace progresar la historia sin esfuerzo. Además, construye la personalidad de los personajes de la manera más expresiva.
A los escritores se les suele decir «muestra, no cuentes», y esto es exactamente lo que hace el diálogo. El público quiere juzgar a los personajes por sí mismo, y el diálogo es la forma en que se lo permites. El diálogo es la forma en que los personajes se expresan. El mejor diálogo puede revelar la personalidad de un personaje sólo por su tono, más que por su contenido real.
Un gran diálogo contiene mucho más que la suma de sus partes. Puede ser la punta de un iceberg que esconde mucho por debajo. O un gran diálogo puede ser música para los oídos, rendido como un arma lingüística, cortando hasta la médula de la audiencia, ya sea positiva o negativamente (para hacerla reír o para hacerla llorar).
Evolución del diálogo:
Se suele decir que el diálogo cinematográfico surgió con los Talkies, también conocidos como películas sonoras. Incluso se podría argumentar que el diálogo cinematográfico se remonta a la época del cine mudo. Durante esta época, se contrataban actores locales para representar las líneas de los personajes en persona en la sala de cine.
Además, debido al estado de la tecnología de la época, las películas sonoras no se utilizarían comercialmente hasta finales de la década de 1920. Sin embargo, a principios de la década de 1930, las películas sonoras e, inherentemente, los diálogos, eran fenómenos mundiales.
En las siguientes décadas, los directores y guionistas aprovecharon la oportunidad de los diálogos sincronizados. Muchos cineastas desarrollaron estilos de diálogo muy meticulosos y extravagantes. Esto es evidente en muchas comedias screwball de los años 40. Una de las más conocidas, His Girl Friday, utilizó la friolera de un guión de 191 páginas en sólo 92 minutos.
En cambio, con la escritura de diálogos que ahora es un elemento básico incuestionable para las películas, algunos escritores han adoptado el enfoque opuesto, demostrando cómo a veces menos es más. Un ejemplo de ello está en Un lugar tranquilo. Esta película de terror de 2018, dirigida por John Krasinki, cuenta con un breve guion de 67 páginas para una película de 91 minutos, en la que apenas hay diálogos.
En general, el diálogo puede ser pesado y enérgico, o puede ser corto y sencillo. Siempre que cada línea sea impactante y contribuya, el diálogo puede, sin duda, llevar toda una película.
10 ejemplos de grandes diálogos
La película dramática Historia de un matrimonio, de Noah Baumbach, recibió seis nominaciones en la 92ª edición de los premios de la Academia. El guión de la película pone de relieve la agitación emocional del divorcio y recibió elogios de la crítica por su agudeza y realismo.
Historia de un matrimonio nos enseña que, a la hora de escribir diálogos, la verdad incómoda es la que más puede resonar en los espectadores. Al público le gusta conectar con una película, incluso de las formas más inverosímiles. Algunas películas nos recuerdan la compasión de la humanidad y los momentos felices de la vida. Los diálogos de Historia de un matrimonio no son un ejemplo de ello.
Baumbach tiene una tendencia a escudriñar a casi todos sus personajes, exhibiendo defectos insoportablemente verdaderos que se pueden encontrar en muchas de las personas que nos rodean e incluso en nosotros mismos. En los diálogos de Historias de Matrimonio se evidencia la luz de gas, el egoísmo, la codicia y la pérdida de control externo.
En definitiva, el resultado es una muestra dolorosa de dos personas que sacan lo peor del otro. Cada uno de ellos señala los defectos e inseguridades del otro, llegando a su núcleo. Es brillantemente demostrativo de las dificultades de una relación a largo plazo, cada uno tiene tanto conocimiento sobre el otro que puede usarlo como un arma.
«En primer lugar, quiero a mi madre, era una madre maravillosa. En segundo lugar, ¡cómo te atreves a comparar mi forma de ser madre con mi madre! ¡Puedo ser como mi padre pero no soy como mi madre!»
«¡Lo eres! Y tú eres como mi padre. También eres como mi madre. Eres todo lo malo de toda esa gente!»
Por ejemplo…
Lo vemos cuando Nicole y Charlie Barber, la divorciada y el divorciado en cuestión, tienen una agresiva discusión tras una cita en el juzgado. Resumiendo, Charlie le dice a Nicole que la vida con ella no tenía alegría, y que debería alegrarse de haberse acostado con otra persona «lo único que hizo». Procede a gritarle violentamente: «todos los días me despierto y espero que estés muerta»
La mayoría de los espectadores no aprueban las palabras de Charlie o Nicole entre sí en esta escena, pero las emociones que hay detrás de ellas son desgraciadamente e increíblemente familiares para mucha gente. Los diálogos de la película son ciertamente complejos, con muchas cadenas de frases tan crueles que casi resultan insoportables.
Este discurso incómodo, pero reconocible, demuestra cómo el diálogo puede sonar a diferentes personas, incluso si puede no ser realmente aplicable a ninguna de ellas directamente.
Her (2013)
Spike Jonze marcó su debut como guionista en solitario con su excéntrico drama romántico de ciencia ficción, Her. Her ganó el Premio de la Academia 2013 al Mejor Guión Original. En esta película, gran parte del diálogo es entre Theodore Twombly y su asistente virtual, Samantha, que es un sistema operativo de inteligencia artificial.
Lo que Her enseña a los cineastas sobre cómo escribir diálogos es cómo atribuir emociones realistas a sus personajes independientemente de cómo se presenten en pantalla. Samantha es un sistema operativo, por lo que el público nunca le pone cara visualmente. A pesar de ello, el espectador es capaz de presenciar cómo se perfila su personalidad únicamente a través de sus conversaciones con Theodore.
«Y entonces tuve este terrible pensamiento. ¿Son reales estos sentimientos? O son sólo una programación? Esa idea realmente duele.»
No sólo eso, sino que el público también es capaz de ver cómo cambia la personalidad de Theodore a medida que avanza su relación con Samantha. Sus conversaciones con Samantha le empujan a firmar finalmente los papeles del divorcio con su ex mujer. Además, los efectos de su relación demuestran la capacidad de los diálogos para hacer avanzar la trama.
Her nos enseña que escribir diálogos no tiene por qué adoptar formas convencionales. Una película puede contar con los personajes más inverosímiles y seguir encontrando la racionalidad en los ojos del espectador.
La forma de los diálogos en Her parece casi clásica, dos personajes que se conocen hablando entre sí. En un escenario futurista, este clasicismo se siente inteligente y gratificante.
El Gran Hotel Budapest (2014)
El Gran Hotel Budapest de Wes Anderson, al igual que muchas de sus otras películas, es conocido por sus diálogos más bien inexpresivos pero convincentes. Esta película de comedia-drama obtuvo cuatro de las nueve nominaciones a los 87º Premios de la Academia. El guión de Anderson nos enseña que, cuando se escriben diálogos, la subestimación puede servir para enfatizar el tono de una película.
En El gran hotel Budapest, gran parte de los diálogos se pronuncian con naturalidad aunque las situaciones o el contenido sean bastante extraños. Lo que hace esto es elevar la ironía cómica a lo largo de la película.
Por ejemplo…
En la escena del tiroteo en el hotel, hay prácticamente una docena de personas disparándose desde el otro lado del piso del hotel. En la realidad, es difícil determinar qué palabras se podrían decir para evitar que tanta gente se dispare entre sí.
Sin embargo, en esta película, basta con que un investigador grite «¡fuego de pliegues!» para que todos obedezcan inmediatamente su orden. El investigador, Albert Henckels, procede a decir «¿quién dispara a quién?». Y los personajes responden realmente.
A partir de esto, Dimitri, el instigador original del tiroteo, ofrece una breve descripción de Gustave H., llamándolo asesino y ladrón. A continuación, Gustave hace una descripción enérgica pero detallada de Dimitri, recordando a todas las personas que ha asesinado. Ninguno de los dos personajes afirma estos detalles con miedo o terror, sino más bien con una seguridad infantil que imita la frase chismosa «¡él lo hizo!»
Este intercambio tiene lugar mientras casi todo el mundo sigue apuntando con sus armas a los demás. La impracticabilidad del diálogo que tiene lugar en este contexto es lo que refuerza el tono irónico general de Anderson. Aunque está lejos de ser realista, el diálogo es lo que hace que la película sea tan distinguible.
Carol (2015)
Carol es una película de drama romántico basada en la novela de 1952 El precio de la sal, de Patricia Highsmith. Esta emotiva película, dirigida por Todd Haynes, fue la más criticada de 2015. Además de los elogios a nivel mundial, Carol recibió seis nominaciones al Oscar en la 88ª edición de los premios de la Academia, incluyendo una nominación a Mejor Guión Adaptado.
La película narra el romance prohibido entre Therese Belivet y Carol Aird. Carol nos enseña que cuando se trata de escribir diálogos, los detalles sutiles lo son todo.
A lo largo de la primera mitad de la película, el afecto de Therese y Carol por el otro nunca se declara explícitamente. En cambio, el público recibe varias pistas de diálogo que hacen perceptible su sentimiento romántico.
Por ejemplo…
El público recibe la primera noción verbal de la atracción que comparten cuando Carol le dice a Therese que se va a divorciar de su marido. A continuación, le pregunta si Therese vive sola, a lo que ésta responde que sí.
Therese pasa a mencionar a Richard, un hombre que quiere casarse con ella. Carol le pregunta a Therese si quiere casarse con él, y Therese responde «Bueno, apenas sé qué pedir para comer». Aunque no se dice nada exteriormente, ambos personajes expresan sutilmente, entre sí y ante el público, su desagrado por los hombres de su vida.
«Dudo mucho que hubiera ido a comer con él.»
Este diálogo es muy referencial a la época en la que se desarrolla la película. Como la atracción por el mismo sexo estaba mal vista en los años 50, la mayoría de las conversaciones relacionadas con el tema casi nunca eran directas. A menudo, cualquier cosa relacionada con la homosexualidad se hablaba con discreción.
Los abogados del divorcio de Carol utilizan frases como «patrón de comportamiento» y «forma de conducta» cuando aluden a sus anteriores relaciones con mujeres. Además, el marido de Carol tampoco se pronuncia directamente sobre su sexualidad. En cambio, le habla del asunto diciendo cosas como «las mujeres como tú».
Al utilizar detalles menores como estos, Carol es capaz de llevar al público a través de la primera mitad de la película sin utilizar ningún diálogo obvio y abierto. Esto no solo crea suspense, fomentando la naturaleza «secreta» de la relación de Carol y Therese, sino que también se mantiene fiel al contexto de la época.
Mujeres del siglo XX (2016)
Basando la película en su adolescencia en la Santa Bárbara de los años 70, Mike Mills escribió y dirigió esta completa película de comedia-drama sobre la mayoría de edad. 20th Century Women fue nominada a Mejor Guión Original en la 89ª edición de los Premios de la Academia.
La película cuenta con una gran cantidad de monólogos narrativos que proporcionan historias de fondo para los personajes principales. Sin embargo, son los diálogos de esta película los que van más allá para mostrarnos cómo estas historias de fondo dan forma a las personalidades de los personajes. Lo que 20th Century Women nos enseña sobre la escritura de diálogos es cómo mantener los detalles en el tema y en conexión con los demás.
Por ejemplo…
Un ejemplo de esto es el personaje de Greta Gerwig, Abbie Porter. El monólogo en el que se detalla la vida de Abbie antes de vivir con Dorothea cuenta al público cómo llegó a convertirse en esta fotoperiodista de espíritu libre y con carácter. También nos habla de la historia de Abbie con el cáncer de cuello de útero, que contrajo debido al uso de su madre de un medicamento para la fertilidad cuando fue concebida.
La madre de Abbie no quiere hablar con ella sobre su cáncer, y está resentida por culpa. Debido a esto, Abbie comienza a alquilar una habitación a Dorothea.
Una noche, Abbie tiene la cabeza sobre la mesa durante una cena en casa de Dorothea. Dorothea le dice a Abbie que se despierte y Abbie dice «estoy menstruando».» La franqueza de Abbie escandaliza a Dorothea, que le dice que no todo el mundo tiene que saber que tiene la regla.
Lo que sigue es que Abbie detalla de forma frustrante por qué hombres y mujeres deberían sentirse más cómodos hablando de la menstruación. Incluso hace que varios hombres de la mesa le repitan la palabra «menstruación» de forma casual para demostrar que no es un gran problema.
Esto muestra al público cómo la reticencia de la madre de Abbie a hablar de situaciones difíciles con ella indujo el atrevimiento actual de Abbie. Abbie está ahora más dispuesta a afrontar temas incómodos con los demás. Esta escena sirve para algo más que un breve dilema cómico sobre la perspectiva feminista. Su propósito es iluminar la personalidad actual de Abbie con referencia a su pasado.
Salga (2017)
Salga (Get Out), de Jordan Peele, fue nominada a cuatro premios de la Academia y ganó un Oscar al mejor guion original. No es de extrañar que esta increíble película de terror haya sido catalogada por la revista Time como una de las diez mejores películas de 2017. El guion de Peele nos muestra el poder del subtexto a la hora de crear una atmósfera y lo importante que es a la hora de escribir los diálogos.
Durante todo el comienzo de la película, hay una sensación de desconexión con muchos de los personajes.
Por ejemplo…
Al principio, nuestro protagonista, Chris, experimenta una sensación de alivio cuando ve a Logan King, otro hombre negro, en una reunión llena de blancos.
Este alivio se convierte rápidamente en preocupación debido a la inusual respuesta de Logan al saludo de Chris. Chris saluda a Logan despreocupadamente diciendo: «es bueno ver a otro hermano por aquí». Logan responde inquieto diciendo: «Hola, sí, claro que sí». La respuesta extrañamente formal de Logan deja a Chris confundido. Su confusión se acentúa aún más cuando aparece la esposa de Logan, mucho mayor y de raza blanca.
Logan se inclina y le dice a su esposa: «Chris me estaba diciendo que se sentía mucho más cómodo con mi presencia aquí». Esta inusual expresión de detalle es reconocida por Chris y la esposa de Logan, que se apresura a alejarse para saludar a otros invitados.
«Logan, odio arrancarte querido pero, los Wincotts estaban preguntando por ti.»
Al añadir un diálogo sutil, pero extraño e impactante, se percibe un mensaje subyacente aunque se diga muy poco. Se establece la noción de que algo está mal sin saber exactamente por qué está mal. A partir de esto, el público puede sentir que se desarrolla un desastre y está ansioso por conocer la historia completa.
El proyecto Florida (2017)
El proyecto Florida es una película que tiene un estilo de diálogo bastante opuesto al de Wes Anderson. Sean Baker, el director y coguionista, contrató a muchos «no profesionales» para esta película nominada al Oscar. Por ello, los diálogos son muy genuinos para la ambientación de la película.
Lo que The Florida Project enseña sobre la escritura de diálogos es cómo y cuándo mantenerse fiel a la realidad de una historia. Mientras que algunas películas prosperan por su histrionismo y otras se complacen en subestimarse a sí mismas, los diálogos de The Florida Project dan en el clavo por su forma de vida. Toma las cosas como son, y las presenta al público como tales.
Este tipo de diálogos, que se ajustan a la realidad, son dignos de admiración. La película, que tiene lugar en los desvencijados moteles cercanos a Orlando, Florida, se centra en Moonee y su madre Halley. Viven en el motel The Magic Castle en la pobreza, apenas pueden pagar el alquiler.
Por ejemplo…
Un ejemplo perfecto de lo auténticos que son los diálogos de la película ocurre al final de la misma. En ese momento, DCF se lleva a Moonee lejos de Halley. Tras un arrebato emocional entre Halley y la policía, Moonee también entra en pánico y huye de un consejero del servicio de menores. Consigue llegar al motel cercano donde vive su amiga Jancey.
El diálogo en esta parte de la película es explícito, agresivo y emotivo. Con una escena tan intensa que retrata la actualidad de muchas familias en la pobreza, no hay necesidad de ser más que realista. Tiene que haber lenguaje soez, murmullos e interrupciones en el discurso. Negar esto convertiría la película en ingenua e insensible al mundo real.
Lady Bird (2017)
Lady Bird, de Greta Gerwig, fue nominada a cinco premios de la Academia. Esta película se nutre de un guión centrado en las relaciones disfuncionales de una adolescente de cabeza dura. La película de comedia-drama sobre la llegada a la edad adulta se centra en el afán de una joven que está a punto de graduarse en el instituto y en su disgusto por el mundo que la rodea.
Lo que Lady Bird nos enseña sobre la escritura de diálogos es cómo una película puede construir un conflicto sólo con palabras. El diálogo en Lady Bird es lo que pone en marcha a muchos de los personajes y los empuja a comportarse como lo hacen.
Por ejemplo…
Lo vemos en tan solo los tres minutos de la película. Mientras Christine (Lady Bird) y su madre, Marion, conducen a casa, terminan de escuchar el audio de Las uvas de la ira, de John Steinbeck. Christine va a encender la radio, pero Marion quiere sentarse en silencio.
De este único desacuerdo surge rápidamente una discusión, pero el contenido se expande y evoluciona para revelar la totalidad de las personalidades de los personajes en sólo un par de minutos. El resultado de este breve intercambio es más que una simple introducción a la película. Es un resumen general de las personalidades de Christine y Marion y de su relación madre-hija.
«Nadie te pide que seas perfecta, basta con que seas considerada.»
A partir de esta única escena, podemos ver cómo Christine ansía obtener más de la vida, pero también cómo su ingenuidad nubla su capacidad para apreciar su vida actual. Por otro lado, Marion es práctica y realista, por lo que está resentida por la capacidad de Christine de socavar todo lo que ha hecho por ella. Estas mentalidades fundamentales chocan a lo largo de toda la película.
Para poner fin a esta escena, Christine simplemente se tira del coche. Este tipo de resolución destemplada simplemente no encajaría bien si no estuviera premeditada por el diálogo que se produce de antemano.
Libro Verde (2018)
Libro Verde es un ejemplo de diálogo que realmente ejemplifica las personas de los personajes. Esta comedia-drama biográfica ganó tres Oscar a la mejor película, al mejor guión original y al mejor actor de reparto. La película también estuvo en la lista del American Film Institute (AFI) de las diez mejores películas del año.
Al igual que en Lady Bird, en Green Book somos capaces de ver las personalidades de los personajes de forma tan intensa y rápida por su contrariedad entre ellos. Lo que Green Book enseña a los cineastas sobre la escritura de diálogos es cómo el hecho de separar a tus personajes puede unir tu historia.
En esta película, Tony Lip es un portero de discoteca actualmente en paro. A pesar de su historial de trabajo en el que se dedica a maltratar a los borrachos, Tony es franco, despreocupado y de buen carácter. Por otro lado, el doctor Don Shirley es excesivamente formal, ordenado y crítico con el desenfado de Tony.
Tony, un italiano blanco, consigue un trabajo para conducir y proteger al Dr. Shirley, un pianista negro, a lo largo de su gira de conciertos en el sur profundo. La improbable pareja acaba aprendiendo y creciendo el uno del otro más de lo que esperaban.
Los diálogos de Green Book mantienen al público entretenido por la gran personalidad que se les da tanto a Tony como al Dr. Shirley.
Por ejemplo…
Al entrevistar a Tony para el trabajo, la doctora Shirley le dice a Tony: «has impresionado a varias personas con tu habilidad innata para manejar los problemas». Tony responde: «vale, este es el trato, no tengo ningún problema en estar en la carretera con chu, pero no soy un mayordomo».
El contraste de dicción entre la doctora Shirley y Tony nos muestra que escribir diálogos poco convencionales no siempre es una oposición entre el guion y el género o el contexto y la respuesta, sino que también puede ser la falta de convencionalidad entre los propios personajes.
Bestias del sur salvaje (2012)
Bestias del sur salvaje, de Benh Zeitlin, fue nominada a cuatro Oscar en la 85ª edición de los premios de la Academia. Esta esclarecedora película dramática fue adaptada de la obra de teatro en un acto Juicy and Delicious, de la coguionista Lucy Alibar. Esta película también dio a Quvenzhané Wallis, de 9 años de edad, el título de candidata más joven a la Mejor Actriz de la historia.
Beasts of the Southern Wild tiene lugar en The Bathtub, una comunidad ficticia en un Bayou de Luisiana. Los residentes de La Bañera se niegan a abandonar la zona degradada a pesar de sus graves inundaciones. La protagonista de la película, Hushpuppy, es una enérgica niña de seis años que intenta defenderse del mundo que se desmorona a su alrededor mientras su padre, Wink, padece una enfermedad terminal.
Lo que Beasts of the Southern Wild enseña sobre la escritura de diálogos es cómo demostrar los motivos ocultos de un personaje a través de su discurso.
Por ejemplo…
Las conversaciones de Hushpuppy con Wink nos muestran sus frustraciones internas al morir. Inicialmente, la agresividad verbal de Wink hacia Hushpuppy da al público la impresión de que es completamente negligente con ella. Sin embargo, cada trozo de diálogo nos da más y más pistas sobre el razonamiento que hay detrás de su comportamiento.
Wink intenta distanciarse emocionalmente de Hushpuppy a causa de su enfermedad. Quiere aislarse de ella para que su muerte sea más fácil para los dos, pero también quiere asegurarse de que ella sobrevivirá sin él. Su filosofía paterna es el amor duro, desafiándola para que esté preparada para la vida sin él.
«Todo el mundo pierde lo que le hizo. Los valientes se quedan a ver qué pasa. No huyen!»
Esto se ve durante una tormenta cuando Wink pone cinta adhesiva en el suelo para hacer una frontera en la casa, definiendo qué lado es el suyo y qué lado es el de Hushpuppy. A pesar de hacer esta separación física entre ellos, le grita a Hushpuppy que se ponga flotadores en los brazos por si el agua sube demasiado. Le dice: «mi trabajo es evitar que mueras, ¿vale? Así que siéntate y escúchame»
El intento de Wink de desvincularse de Hushpuppy fracasa continuamente debido a su innata capacidad de protección sobre ella. El diálogo entre ellos nos muestra que las acciones de Wink no son malintencionadas, sino efectos secundarios de la batalla personal que está librando.