Escrevendo Diálogo Especialmente: Aprenda com estes grandes exemplos de Diálogo

Não há dúvida de que um dos elementos mais poderosos de uma história é o diálogo. No filme, o diálogo constrói o tom geral do filme, estabelece as relações entre os personagens e revela subtilmente as principais mensagens temáticas para o público. Assim, escrever diálogo efetivamente é uma parte crítica do sucesso como qualquer tipo de escritor.

Neste artigo vamos examinar:

• Qual é o significado de diálogo?
• O que é o Grande Diálogo?
• A Evolução do Diálogo.
• 10 Exemplos de Grande Diálogo (2010-20)

Diferentes gêneros funcionam bem com diferentes diálogos. Às vezes, é um uso inesperado do diálogo que torna a história mais eficaz. Outras vezes, é necessário um diálogo previsto a fim de avançar a trama sem confusão. É por isso que escrever diálogos para filmes pode ser complicado.

Ao escrever diálogos, os cineastas devem decidir como querem que o seu público perceba o seu filme. Será cómico e sarcástico? Será sério e realista? Muitas vezes, os cineastas usam uma combinação destas características quando escrevem diálogos.

Uma das melhores maneiras de aprender a escrever diálogo é ficar sobre os ombros de gigantes. Para ajudar nisso, reunimos alguns dos melhores exemplos de diálogos de dez filmes notáveis nomeados/ ganhadores de Oscar da última década.

Antes de mergulharmos no entanto, vamos rever o básico.

Visão geral do Diálogo Cinematográfico:

Diálogo Cinemático é definido simplesmente como

“conversa oral entre dois ou mais personagens”

Esta definição simples dá ao escritor muito espaço para a criatividade. Por outro lado, também lhes dá muito espaço para o erro. É preciso lembrar: Há filmes, e depois há grandes filmes. Da mesma forma, há diálogo, e depois há um grande diálogo.

Ultimamente, o grande diálogo tem um propósito. Os grandes diálogos têm uma razão para cada palavra trocada. Se o diálogo de um filme estiver fora do personagem, desnecessário ou deslocado, ele pode facilmente fazer cair toda a produção. Nós não gostamos de vilipendiar, mas você já viu The Room?

Para aperfeiçoar o diálogo, os escritores devem se fazer duas perguntas:

• O que esta conversa dá ao público?
• O que ganha o filme com esta troca entre estes personagens?

Se estas perguntas não puderem ser respondidas, o guião precisa de revisão.

O que é o Grande Diálogo?

Acima de tudo, o uso mais crucial do diálogo de escrita é o desenvolvimento. O Great Dialogue progride a história sem esforço. Adicionalmente, ele constrói as personalidades dos personagens da maneira mais expressiva.

Diz-se muitas vezes aos escritores “mostrar, não contar”, e é exactamente isto que o diálogo faz. O público quer julgar os personagens por si próprio, e o diálogo é como você os deixa. Diálogo é a forma como os personagens se expressam. O melhor diálogo pode revelar a personalidade de um personagem apenas pelo seu próprio tom, e não pelo seu conteúdo real.

Um grande diálogo contém muito mais do que a soma das suas partes. Pode ser a ponta de um iceberg, escondendo-se muito por baixo dele. Ou um grande diálogo pode ser música para os ouvidos, ceder como uma arma linguística, cortando ao âmago de um público, seja positiva ou negativamente (para os fazer rir ou para os fazer chorar).

Evolução do Diálogo:

É geralmente notado que o diálogo cinematográfico ganhou vida com os Talkies, também conhecidos como Sound Films. Pode-se até argumentar que o diálogo cinematográfico remonta à era do cinema mudo. Durante esse tempo, atores locais eram contratados para representar pessoalmente as falas dos personagens no cinema.

Outras vezes, devido ao estado da tecnologia na época, os Sound Films só entrariam em uso comercial no final da década de 1920. No entanto, no início dos anos 30, os Filmes Sonoros e, inerentemente, o diálogo, eram fenômenos globais.

Com as décadas seguintes, diretores e roteiristas aproveitaram a oportunidade para o diálogo sincronizado. Muitos cineastas desenvolveram estilos de diálogo muito meticulosos e extravagantes. Isto é evidente em muitas comédias de screwball da década de 1940. Uma das mais conhecidas, His Girl Friday, usou um roteiro de 191 páginas em apenas 92 minutos.

Contrastingly, com a escrita de diálogos agora sendo um grampo inquestionável para os filmes, alguns escritores adotaram a abordagem oposta, demonstrando como às vezes menos se mais. Um exemplo disso está em A Quiet Place. Este filme de terror de 2018, dirigido por John Krasinki, apresenta um pequeno roteiro de 67 páginas para um filme de 91 minutos, sendo que praticamente nenhum deles contém diálogo.

Overtudo, o diálogo pode ser pesado e vivo, ou pode ser curto e simples. Desde que cada linha seja impactante e contributiva, dialog pode certamente carregar um filme inteiro.

10 Exemplos de Grande Diálogo

O filme dramático de Noé Baumbach Marriage Story recebeu seis indicações para o 92º Oscar. O roteiro do filme destaca a agitação emocional do divórcio e recebeu aclamação da crítica por sua nitidez e realismo.

Marriage Story nos ensina que quando se trata de escrever diálogos, a verdade incômoda pode muitas vezes ressoar mais com os espectadores. Um público gosta de se ligar a um filme, mesmo das formas mais improváveis. Alguns filmes nos recordam a compaixão da humanidade e os momentos de felicidade da vida. O diálogo em Marriage Story não é um exemplo disso.

Baumbach tem a tendência de escrutinar quase todos os seus personagens, exibindo falhas excruciantemente verdadeiras que podem ser encontradas em muitas das pessoas ao nosso redor e até mesmo em nós mesmos. No diálogo de Marriage Story, há evidências de gaslighting, egoísmo, egoísmo, ganância e perda externa de controle.

Ultimamente, o resultado é uma dolorosa exibição de duas pessoas trazendo à tona o pior um do outro. Cada um aponta as falhas e inseguranças do outro, cortando até o seu núcleo. É brilhantemente demonstrativo das dificuldades de um relacionamento de longo prazo, cada um detendo tanto conhecimento sobre o outro, que podem entregá-lo como uma arma.

“Primeiro de tudo, eu amo a minha mãe, ela era uma mãe maravilhosa. Segundo, como te atreves a comparar a minha mãe com a minha mãe! Posso ser como o meu pai, mas não sou como a minha mãe!”

“Tu és! E tu és como o meu pai. Tu também és como a minha mãe. Tu és todas as coisas más sobre todas estas pessoas!”

Por exemplo…

Vemos isto quando a Nicole e o Charlie Barber, a divorciada e divorciada em questão, têm uma discussão agressiva depois de um encontro em tribunal. Resumindo, Charlie conta a Nicole que a vida com ela era sem alegria, e que ela deveria estar feliz por dormir com outra pessoa era “tudo o que ele fazia”. Ele continua a gritar violentamente para ela, “todos os dias, eu acordo e espero que você esteja morto”

Os telespectadores não aprovam as palavras de Charlie ou Nicole um para o outro nesta cena, mas as emoções por trás delas são, infelizmente e sem querer, familiares a muitas pessoas. O diálogo do filme é certamente complexo, apresentando muitas cordas de frases tão cruéis que são quase demais para suportar.

Este discurso desconfortável, mas reconhecível, demonstra como o diálogo pode soar verdadeiro para diferentes pessoas, mesmo que não seja realmente aplicável a nenhuma delas directamente.

Her (2013)

Spike Jonze marcou sua estréia como roteirista solo com seu excêntrico filme de drama romântico de ficção científica, Ela. Ela ganhou o Oscar de Melhor Roteiro Original de 2013. Neste filme, grande parte do diálogo é entre Theodore Twombly e sua assistente virtual, Samantha, que é um sistema operacional de inteligência artificial.

O que Ela ensina aos cineastas a escrever diálogos é como atribuir emoções realistas aos seus personagens, independentemente de como são apresentadas na tela. Samantha é um sistema operacional, por isso o público nunca lhe dá um rosto visual. Apesar disso, o espectador é capaz de testemunhar a forma da sua personalidade apenas através das suas conversas com Theodore.

“E então eu tive este pensamento terrível. Estes sentimentos são mesmo reais? Ou são apenas programação? Essa ideia dói mesmo.”

Não só isso, mas o público também é capaz de ver a mudança de personalidade do Theodore à medida que a sua relação com a Samantha avança. Suas conversas com Samantha o levam a finalmente assinar os papéis do divórcio com sua ex-mulher. Além disso, os efeitos de seu relacionamento demonstram a capacidade dos diálogos de levar a trama adiante.

Ela nos ensina que escrever diálogos não tem que assumir formas convencionais. Um filme pode apresentar os personagens mais improváveis e ainda pode encontrar raciocínio nos olhos do espectador.

O modo como o diálogo se forma nela é quase clássico, apenas dois personagens conhecendo um e outro conversando um com o outro. Num cenário futurista, este classicismo sente-se inteligente e gratificante.

The Grand Budapest Hotel (2014)

Wes Anderson’s The Grand Budapest Hotel, como muitos dos seus outros filmes, é conhecido por ser um diálogo um tanto morto, mas convincente. Este filme de comédia-drama ganhou quatro das nove nomeações para o 87º Oscar. O roteiro de Anderson nos ensina que, ao escrever diálogos, subentendimentos podem realmente servir para enfatizar o tom de um filme.

No Grand Budapest Hotel, muito do diálogo é falado de fato, mesmo que as situações ou conteúdos sejam bastante bizarros. O que isso faz é elevar a ironia cômica ao longo do filme.

Por exemplo…

Na cena de filmagens do hotel, há praticamente uma dúzia de pessoas filmando umas nas outras do outro lado do hotel. Na realidade, é difícil determinar que palavras se poderia dizer para impedir que tantas pessoas disparem umas contra as outras.

No entanto, neste filme, basta um investigador para gritar “crease fire!” e todos obedecem imediatamente ao seu comando. O investigador, Albert Henckels, prossegue para dizer “quem está a filmar quem?” E os personagens respondem de facto.

A partir disto, Dimitri, o instigador original do tiroteio, fornece uma breve descrição de Gustave H., chamando-o de assassino e ladrão. Gustave então dá uma descrição rápida mas detalhada do Dimitri, lembrando todas as pessoas que ele assassinou. Nenhum dos personagens diz esses detalhes com medo ou terror, mas sim com uma segurança infantil que imita a frase “ele fez isso!”

Essa troca está ocorrendo porque a maioria ainda guarda armas uns para os outros. A impraticabilidade do diálogo que está acontecendo neste contexto é o que fortalece o tom irônico geral de Anderson. Embora longe de ser realista, o diálogo é o que torna o filme tão distinto.

Carol (2015)

Carol é um drama romântico baseado no romance O Preço do Sal de Patricia Highsmith, de 1952. Este filme emocional, realizado por Todd Haynes, foi o filme mais revisto de 2015. Além de elogios globais, Carol recebeu seis indicações ao Oscar no 88º Oscar, incluindo uma nomeação para Melhor Roteiro Adaptado.

O filme conta o romance proibido entre Therese Belivet e Carol Aird. Carol nos ensina que quando se trata de escrever diálogos, detalhes sutis são tudo.

Atravessando a primeira metade do filme, o carinho de Therese e Carol um pelo outro nunca é declarado explicitamente. Ao invés disso, o público é apresentado com várias pistas de diálogo que tornam perceptível o seu sentimento romântico.

Por exemplo…

O público recebe a primeira noção verbal da atracção partilhada da dupla quando Carol diz a Therese que se está a divorciar do marido. Ela então pergunta se Therese vive sozinha, ao que Therese responde que sim.

A Therese continua a mencionar Richard, um homem que quer casar com ela. Carol pergunta a Therese se ela quer casar com ele, e Therese responde: “Bem, eu mal sei o que pedir para o almoço”. Embora nada seja dito externamente, ambos os personagens expressam subtilmente, um para o outro e para o público, um desgosto pelos homens em suas vidas.

“Duvido muito se eu teria ido almoçar com ele”

Este diálogo é muito referencial para o período de tempo em que o filme se passa. Como a atração por pessoas do mesmo sexo foi desaprovada nos anos 50, a maioria das conversas sobre o tema quase nunca foram diretas. Muitas vezes, qualquer coisa referente à homossexualidade era falada com discrição.

Os advogados de divórcio da Carol usam frases como “padrão de comportamento” e “forma de conduta” quando aludem aos seus relacionamentos anteriores com mulheres. Além disso, o marido de Carol também nunca declara diretamente a sua sexualidade. Em vez disso, ele fala com ela sobre o assunto, dizendo coisas como “mulheres como você”.

Por usar detalhes menores como estes, Carol é capaz de levar a audiência através da primeira metade do filme sem usar nenhum diálogo óbvio e ostensivo. Isto não só cria suspense, promovendo a natureza ‘secreta’ da relação de Carol e Therese, mas também se mantém fiel ao contexto do período.

Mulheres do Século 20 (2016)

Baseando o filme em sua adolescência em Santa Bárbara, nos anos 70, Mike Mills escreveu e dirigiu este abrangente filme de comédia de vinda de idade – drama. Mulheres do Século 20 foi indicado para Melhor Roteiro Original no 89º Oscar.

O filme apresenta um monte de monólogo narrativo que fornece histórias de fundo para os personagens principais. Contudo, é o diálogo neste filme que vai ainda mais longe para nos mostrar como estas histórias de fundo moldam as personalidades dos personagens. O que as Mulheres do Século XX nos ensinam sobre escrever diálogos é como manter detalhes sobre o tema e em conexão uns com os outros.

Por exemplo…

Um exemplo disso é a personagem de Greta Gerwig, Abbie Porter. O monólogo que detalha a vida de Abbie antes de viver com Dorothea conta ao público como ela chegou a ser esta fotojornalista de espírito livre e espirituosa. Também nos conta a história de Abbie com câncer no colo do útero, que ela recebeu devido ao uso de uma droga de fertilidade pela mãe quando foi concebida.

A mãe de Abbie não fala com Abbie sobre seu câncer, e se ressente dela por culpa. Por causa disso, a Abbie começa a alugar um quarto a Dorothea.

Uma noite, Abbie tem a cabeça sobre a mesa durante um jantar na casa de Dorothea. Dorothea diz a Abbie para acordar e Abbie diz: “Estou menstruada”.” A franqueza de Abbie choca Dorothea, que lhe diz que nem todos precisam saber que ela está menstruada.

O que se segue é Abbie frustrantemente detalhando porque homens e mulheres deveriam estar mais confortáveis falando sobre a menstruação. Ela até faz com que vários homens na mesa repitam a palavra “menstruação” de volta para ela casualmente para mostrar que não é nada demais.

Isto mostra ao público como a mãe de Abbie relutou em falar sobre situações difíceis com a sua ousadia atual induzida por ela. Abbie está agora ainda mais inclinada a confrontar tópicos desconfortáveis com outros. Esta cena serve como mais do que um breve dilema cômico em relação à perspectiva feminista. Seu propósito é iluminar a personalidade atual de Abbie com referência ao seu passado.

Get Out (2017)

Jordan Peele’s Get Out foi nomeada para quatro Oscars e ganhou um Oscar de Melhor Argumento Original. Não é de admirar que este incrível filme de terror tenha sido rotulado como um dos dez melhores filmes da revista Time Magazine de 2017. O roteiro de Peele nos mostra o poder do subtexto na criação da atmosfera e como é importante quando se escreve diálogos.

Atrás do início do filme, há uma sensação desconcertante com muitos dos personagens.

Por exemplo…

Inicialmente, o nosso protagonista, Chris, experimenta uma sensação de alívio quando vê Logan King, outro homem negro, num encontro cheio de pessoas brancas.

Este alívio rapidamente se transforma em preocupação por causa da resposta incomum de Logan à saudação de Chris. Chris saúda o Logan casualmente dizendo, “é bom ver outro irmão por aqui.” Logan responde desconfortavelmente dizendo, “Olá, sim, claro que é.” A resposta misteriosamente formal do Logan deixa o Chris confuso. A confusão dele aumenta ainda mais quando a mulher branca e muito mais velha do Logan aparece.

Logan inclina-se e diz à mulher: “O Chris estava a dizer-me como se sentia muito mais confortável com a minha presença aqui.” Esta invulgar expressão de detalhe é reconhecida pela esposa do Chris e do Logan, que o apressa a cumprimentar os outros convidados.

“Logan, eu odeio ter que te arrancar querido, mas, os Wincotts estavam a perguntar por ti.”

Ao adicionar um diálogo subtil, mas estranho e impactante, uma mensagem subjacente é percebida, mesmo que muito pouco seja dito. Uma noção de saber algo está errada sem saber exactamente porque é que está errada é estabelecida. A partir disso, o público pode sentir um desastre se desenvolvendo e está ansioso para saber a história completa.

The Florida Project (2017)

The Florida Project é um filme que tem um estilo de diálogo bastante oposto ao de Wes Anderson’s. Sean Baker, o diretor e co-escritor, na verdade contratou muitos “não-profissionais” para este filme nomeado pela Academy-Award. Por causa disso, o diálogo é muito genuíno para o cenário do filme.

O que o Projeto Florida ensina sobre escrever diálogo é como e quando se manter fiel à realidade de uma história. Enquanto alguns filmes prosperam por serem histriônicos e outros gostam de se subentender, o diálogo do Projeto Flórida bate em casa por causa de sua fatia de vida. Ele pega as coisas como elas são, e as apresenta para o público como tal.

Este tipo de diálogo, um diálogo que põe a realidade tão no lugar, não pode ser nada menos do que admirado. Acontece nos motéis rickety perto de Orlando, Flórida, o filme centra-se em Moonee e sua mãe Halley. Eles vivem no motel The Magic Castle, na pobreza, mal conseguindo pagar aluguel.

Por exemplo…

Um exemplo perfeito de quão autêntico o diálogo do filme ocorre no final do filme. Neste momento, a DCF está a tirar o Moonee da Halley. Depois de uma explosão emocional entre Halley e a polícia, Moonee também entra em pânico e foge de um conselheiro do serviço de crianças. Ela chega ao motel próximo onde mora seu amigo Jancey.

O diálogo nesta parte do filme é explícito, agressivo e emocional. Com uma cena tão intensa que retrata a realidade de muitas famílias em situação de pobreza, não há necessidade de ser outra coisa que não seja realista. Tem que haver linguagem grosseira, murmuração e interrupções na fala. Negar isso tornaria o filme ingênuo e insensível ao mundo real.

Lady Bird (2017)

Greta Gerwig’s Lady Bird foi nomeada para cinco Prêmios da Academia. Este filme prospera em um roteiro centrado nas relações disfuncionais de um adolescente de cabeça forte. Os zeros do filme comédia de vinda da idade, sobre a ânsia de uma futura aluna do ensino médio e sua aversão pelo mundo ao seu redor.

O que Lady Bird nos ensina sobre escrever diálogo é como um filme pode construir conflitos apenas através das palavras. O diálogo em Lady Bird é o que desencadeia muitos dos personagens e os impulsiona a se comportarem como eles fazem.

Por exemplo…

Vemos isto apenas nos três minutos do filme. Enquanto Christine (Lady Bird) e sua mãe, Marion, dirigem para casa, elas terminam de ouvir o áudio de The Grapes of Wrath, de John Steinbeck. Christine vai ligar o rádio, mas Marion quer sentar-se em silêncio.

Um argumento rapidamente irrompe deste único desacordo, mas o conteúdo se expande e evolui para revelar a totalidade das personalidades dos personagens em apenas alguns minutos. O resultado desta breve troca é mais do que uma simples introdução ao filme. É um resumo geral das personalidades de Christine e Marion e de sua relação mãe-filha.

“Ninguém está pedindo para você ser perfeito, apenas atencioso será.”

Desta cena, podemos ver como Christine está ansiosa para ganhar mais com a vida, mas também como sua ingenuidade turva sua capacidade de apreciar sua vida atual. Por outro lado, Marion é prática e realista, deixando-a ressentida com a capacidade de Christine de minar tudo o que ela tem feito por ela. Estas mentalidades fundamentais chocam durante todo o filme.

Para encerrar esta cena, Christine simplesmente se joga para fora do carro. Este tipo de resolução intemperada simplesmente não se sentaria bem se não fosse premeditado pelo diálogo que se seguiu.

Livro Verde (2018)

Livro Verde é um exemplo de diálogo que realmente exemplifica as personas dos personagens. Esta comédia biográfica-drama ganhou três Óscares de Melhor Foto, Melhor Argumento Original e Melhor Ator Coadjuvante. O filme também fez parte da lista dos dez melhores filmes do ano do American Film Institute (AFI).

Similiar a Lady Bird, em Livro Verde, podemos ver as personalidades dos personagens tão intensa e rapidamente por causa do contraste entre eles. O que o Livro Verde ensina aos cineastas sobre o diálogo na escrita é como separar seus personagens pode unir sua história.

Neste filme, Tony Lip é um saltitante actualmente desempregado. Apesar de sua história de trabalho em bêbados rudes, Tony é franco, indiferente e bem-humorado. Por outro lado, o Dr. Don Shirley é excessivamente formal, ordeiro e crítico da facilidade de vida de Tony.

Tony, um italiano branco, consegue um emprego dirigindo e protegendo o Dr. Shirley, um pianista negro, durante sua turnê de concertos no sul profundo. O improvável par acaba aprendendo e crescendo um do outro mais do que esperavam.

O diálogo no Livro Verde mantém o público entretido por causa da personalidade que é dada tanto a Tony como ao Dr. Shirley.

Por exemplo…

Ao entrevistar o Tony para o trabalho, a Dra. Shirley diz ao Tony, “você impressionou várias pessoas com a sua capacidade inata de lidar com problemas.” Tony responde com, “ok aqui está o acordo, eu não tenho problemas em estar na estrada com chu, mas eu não sou mordomo”

O contraste na dicção entre Dr. Shirley e Tony nos mostra que escrever diálogos não convencionais nem sempre é uma oposição entre roteiro e gênero ou contexto e resposta, mas também pode ser a não-convencionalidade entre os próprios personagens.

Beasts of the Southern Wild (2012)

Benh Zeitlin’s Beasts of the Southern Wild foi nomeado para quatro Óscares no 85º Academy Awards. Este iluminador filme dramático foi adaptado da peça Juicy and Delicious da co-escritora Lucy Alibar de um acto. Este filme também deu a Quvenzhané Wallis, de 9 anos de idade, o título de melhor atriz nomeada mais jovem da história.

Beasts of the Southern Wild tem lugar em The Bathtub, uma comunidade fictícia em uma Louisiana Bayou. Residentes de The Bathtub recusam-se a sair da área degradada, apesar das suas graves inundações. A protagonista do filme, Hushpuppy, é uma garota de seis anos de idade que tenta se defender do mundo que a cerca, enquanto seu pai, Wink, sofre de uma doença terminal.

p>O que Bestas do Sul Selvagem ensina sobre o diálogo escrito é como demonstrar os motivos posteriores de um personagem através de seu discurso.

Por exemplo…

As conversas de Hushpuppy com Wink nos mostram suas frustrações internas com a morte. Inicialmente, a agressão verbal de Wink para com Hushpuppy dá à audiência a impressão de que ele é completamente negligente para com ela. No entanto, cada peça de diálogo nos dá mais e mais discernimento sobre o raciocínio por trás do seu comportamento.

Wink tenta distanciar-se emocionalmente do Hushpuppy por causa da sua doença. Ele quer se isolar dela para facilitar sua morte aos dois, mas também quer garantir que ela sobreviva sem ele. A sua filosofia parental é o amor duro, desafiando-a para que ela esteja preparada para a vida sem ele.

“Toda a gente perde aquilo que os fez. Os homens corajosos ficam e vêem isso acontecer. Eles não correm!”

Isto é visto durante uma tempestade quando Wink coloca fita adesiva no chão para fazer uma borda na casa, definindo qual é o lado dele e qual é o lado do Hushpuppy’s. Apesar de fazer esta separação física entre eles, ele grita ao Hushpuppy para colocar no braço flutuadores caso a água suba muito alto. Ele diz-lhe: “O meu trabalho é evitar que morras, está bem? Então sente-se e ouça-me.”

A tentativa do Hushpuppy de se dissociar do Hushpuppy falha continuamente por causa da sua protecção inata sobre ela. O diálogo entre eles mostra-nos que as acções do Wink não são mal intencionadas, mas sim efeitos secundários da batalha pessoal que ele está a travar.