Dialoog vakkundig schrijven: Leer van Deze Geweldige Dialoog Voorbeelden

Het lijdt geen twijfel dat een van de krachtigste elementen in een verhaal de dialoog is. In een film bepaalt de dialoog de algemene toon van de film, legt hij de relaties tussen de personages vast en onthult hij subtiel de belangrijkste thematische boodschappen aan het publiek. Het effectief schrijven van dialoog is dus een cruciaal onderdeel van het slagen als schrijver.

In dit artikel zullen we onderzoeken:

• Wat is de betekenis van dialoog?
• Wat is een goede dialoog?
• De evolutie van Dialoog.
• 10 voorbeelden van goede dialogen (2010-20)

Verschillende genres functioneren goed met verschillende dialogen. Soms is het een onverwacht gebruik van dialoog dat het verhaal het meest effectief maakt. Andere keren is een voorziene dialoog noodzakelijk om de plot zonder verwarring vooruit te helpen. Daarom kan het schrijven van een dialoog voor een film een lastige klus zijn.

Bij het schrijven van dialogen moeten filmmakers beslissen hoe ze willen dat hun publiek hun film ziet. Wordt het komisch en sarcastisch? Wordt het serieus en realistisch? Vaak gebruiken filmmakers een combinatie van deze kenmerken bij het schrijven van de dialoog.

Een van de beste manieren om te leren over het schrijven van dialogen is door op de schouders van reuzen te gaan staan. Om je daarbij te helpen, hebben we een aantal van de beste dialoogvoorbeelden verzameld uit tien opmerkelijke Oscar-genomineerde/-winnende films van de afgelopen tien jaar.

Voordat we er echter induiken, overlopen we eerst de basis.

Overzicht van filmische dialoog:

Cinematische dialoog wordt eenvoudig gedefinieerd als

“mondelinge conversatie tussen twee of meer personages.”

Deze eenvoudige definitie geeft de schrijver veel ruimte voor creativiteit. Aan de andere kant geeft het hem ook veel ruimte voor fouten. Men moet onthouden: Er zijn films, en dan zijn er goede films. Evenzo is er dialoog, en dan is er geweldige dialoog.

Eindelijk heeft een goede dialoog een doel. Goede dialogen hebben een reden voor elk uitgewisseld woord. Als de dialoog in een film uit de toon valt, overbodig of misplaatst is, kan dat de hele productie naar beneden halen. We willen niet kwaadspreken, maar heb je The Room gezien?

Om een dialoog te perfectioneren, moeten schrijvers zichzelf twee vragen stellen:

• Wat levert dit gesprek op voor het publiek?
• Wat heeft de film aan deze uitwisseling tussen deze personages?

Als deze vragen niet kunnen worden beantwoord, moet het script worden herzien.

Wat is goede dialoog?

Het meest cruciale nut van het schrijven van dialoog is ontwikkeling. Een goede dialoog zorgt voor een moeiteloze voortgang van het verhaal. Bovendien bouwt het de persoonlijkheid van de personages op de meest expressieve manier op.

Schrijvers krijgen vaak te horen “niet vertellen, maar laten zien”, en dat is precies wat dialoog doet. Het publiek wil de personages zelf beoordelen, en dialoog is de manier waarop je ze dat laat doen. Dialoog is hoe personages zichzelf uitdrukken. De beste dialoog kan de persoonlijkheid van een personage onthullen, alleen al door de toon en niet zozeer door de feitelijke inhoud.

Een goede dialoog is veel meer dan de som der delen. Het kan het topje van een ijsberg zijn, waarachter een heleboel schuilgaat. Of een goede dialoog kan als muziek in de oren klinken, als een linguïstisch wapen worden ingezet en het publiek in positieve of negatieve zin in het hart raken (aan het lachen maken of aan het huilen maken).

Evolutie van Dialoog:

Het is algemeen bekend dat de filmdialoog tot leven kwam met de Talkies, ook bekend als Geluidsfilms. Men zou zelfs kunnen beweren dat de filmdialoog dateert uit het tijdperk van de stomme film. In die tijd werden lokale acteurs ingehuurd om de tekst van de personages persoonlijk in de bioscoop uit te spreken.

Door de stand van de techniek in die tijd werden geluidsfilms pas aan het eind van de jaren twintig commercieel gebruikt. Tegen het begin van de jaren dertig waren geluidsfilms en, daarmee samenhangend, dialoog, echter wereldwijde fenomenen.

In de daaropvolgende decennia maakten regisseurs en scenarioschrijvers gebruik van de mogelijkheid van gesynchroniseerde dialogen. Veel filmmakers ontwikkelden zeer nauwgezette en extravagante dialoogstijlen. Dit is duidelijk te zien in veel screwball komedies uit de jaren 1940. Een van de bekendste, His Girl Friday, gebruikte een script van maar liefst 191 pagina’s in slechts 92 minuten.

In contrast hiermee, nu het schrijven van dialogen een onbetwistbaar hoofdbestanddeel van films is geworden, hebben sommige schrijvers voor de tegenovergestelde benadering gekozen, door te laten zien dat minder soms meer is. Een voorbeeld hiervan is te zien in A Quiet Place. Deze horrorfilm uit 2018, geregisseerd door John Krasinki, heeft een kort scenario van 67 pagina’s voor een film van 91 minuten, waarvan nauwelijks een deel dialoog bevat.

Over het geheel genomen kan dialoog zwaar en bruusk zijn, of het kan kort en eenvoudig zijn. Zolang elke regel impact heeft en een bijdrage levert, kan dialoog een hele film dragen.

10 voorbeelden van goede dialogen

Noah Baumbachs dramafilm Marriage Story kreeg zes nominaties bij de 92e Academy Awards. Het scenario van de film belicht de emotionele turbulentie van een echtscheiding en kreeg lovende kritieken voor zijn scherpte en realisme.

Marriage Story leert ons dat als het gaat om het schrijven van dialogen, de ongemakkelijke waarheid vaak het meeste weerklank vindt bij de kijkers. Een publiek houdt ervan om zich met een film te verbinden, zelfs op de meest onwaarschijnlijke manieren. Sommige films herinneren ons aan het medeleven van de mensheid en de gelukzalige momenten van het leven. De dialoog in Marriage Story is daar geen voorbeeld van.

Baumbach heeft de neiging om bijna al zijn personages onder de loep te nemen, waarbij hij ondraaglijk waarheidsgetrouwe gebreken tentoonspreidt die in veel van de mensen om ons heen en zelfs in onszelf te vinden zijn. In de dialoog van Marriage Story is er bewijs van gaslighting, egoïsme, egoïsme, hebzucht, en extern verlies van controle.

Het resultaat is uiteindelijk een pijnlijke vertoning van twee mensen die het slechtste in elkaar naar boven halen. Ze wijzen elkaars gebreken en onzekerheden aan en snijden tot de kern. Het is een briljante demonstratie van de moeilijkheden van een langdurige relatie, waarbij de een zoveel kennis over de ander bezit dat hij het als een wapen kan gebruiken.

“Ten eerste, ik hou van mijn moeder, ze was een geweldige moeder. Ten tweede, hoe durf je mijn moederschap met mijn moeder te vergelijken! Ik mag dan op mijn vader lijken, maar ik ben niet zoals mijn moeder!”

“Dat ben je wel! En je bent als mijn vader. Je bent ook net als mijn moeder. Je bent al het slechte van al deze mensen!”

Bijvoorbeeld…

Dit zien we als Nicole en Charlie Barber, de scheidende en gescheiden vrouw in kwestie, een agressieve woordenwisseling hebben na een datum in de rechtbank. Lang verhaal kort, Charlie vertelt Nicole dat het leven met haar was vreugdeloos, en ze moet blij zijn slapen met iemand anders was “alles wat hij deed.” Vervolgens schreeuwt hij met geweld tegen haar: “Elke dag word ik wakker en hoop ik dat je dood bent.”

De meeste kijkers zijn het niet eens met wat Charlie en Nicole in deze scène tegen elkaar zeggen, maar de emoties die erachter schuilgaan komen velen helaas en griezelig bekend voor. De dialoog in de film is zeker complex, met veel reeksen zinnen die zo wreed zijn dat ze bijna te veel zijn om te verdragen.

Deze ongemakkelijke, maar herkenbare toespraak laat zien hoe dialogen verschillende mensen kunnen raken, ook al zijn ze eigenlijk op geen van hen direct van toepassing.

Her (2013)

Spike Jonze markeerde zijn soloscenarioschrijvende debuut met zijn excentrieke sci-fi romantische dramafilm, Her. Her won in 2013 de Academy Award voor Best Original Screenplay. In deze film wordt een groot deel van de dialoog gevoerd tussen Theodore Twombly en zijn virtuele assistente, Samantha, die een besturingssysteem is op basis van kunstmatige intelligentie.

Wat Her filmmakers leert over het schrijven van dialogen is hoe ze realistische emoties kunnen toekennen aan hun personages, ongeacht hoe ze op het scherm worden gepresenteerd. Samantha is een besturingssysteem, dus het publiek heeft nooit een visueel gezicht bij haar. Desondanks is de kijker in staat om haar persoonlijkheid zich te zien vormen, louter door haar gesprekken met Theodore.

“En toen kreeg ik die vreselijke gedachte. Zijn deze gevoelens wel echt? Of zijn ze gewoon geprogrammeerd? Dat idee doet echt pijn.”

Niet alleen dat, maar het publiek is ook in staat om te zien hoe Theodore’s persoonlijkheid verandert naarmate zijn relatie met Samantha vordert. Zijn gesprekken met Samantha zetten hem ertoe aan om uiteindelijk de scheidingspapieren met zijn ex-vrouw te tekenen. Bovendien blijkt uit de effecten van hun relatie dat de dialogen de plot vooruit kunnen helpen.

Her leert ons dat het schrijven van dialogen geen conventionele vormen hoeft aan te nemen. Een film kan de meest onwaarschijnlijke personages bevatten en toch in de ogen van de kijker ratio vinden.

De manier waarop de dialoog zich in Her vormt, voelt bijna klassiek aan, gewoon twee personages die elkaar leren kennen door met elkaar te praten. In een futuristische setting voelt dit classicisme intelligent en lonend.

The Grand Budapest Hotel (2014)

Wes Andersons The Grand Budapest Hotel staat, net als veel van zijn andere films, bekend om de nogal doodse maar meeslepende dialogen. Deze komedie-dramafilm won vier van de negen nominaties bij de 87e Academy Awards. Andersons script leert ons dat understatements bij het schrijven van dialogen juist kunnen dienen om de toon van een film te benadrukken.

In The Grand Budapest Hotel worden veel dialogen nuchter uitgesproken, ook al zijn de situaties of de inhoud vrij bizar. Dit verhoogt de komische ironie in de film.

Bijvoorbeeld…

In de scène van de schietpartij in het hotel schieten bijna een dozijn mensen op elkaar vanuit de hele hotelkamer. In werkelijkheid is het moeilijk te bepalen welke woorden iemand zou kunnen zeggen om zoveel mensen ervan te weerhouden op elkaar te schieten.

Hoewel, in deze film is er maar één onderzoeker voor nodig om te roepen “vouw vuur!” en iedereen gehoorzaamt onmiddellijk aan zijn bevel. De onderzoeker, Albert Henckels, gaat verder met te zeggen “Wie schiet op wie?” En de personages reageren.

Daarop geeft Dimitri, de oorspronkelijke aanstichter van de schietpartij, een korte beschrijving van Gustave H. en noemt hem een moordenaar en een dief. Gustave geeft vervolgens een korte, maar gedetailleerde beschrijving van Dimitri, en herinnert zich alle mensen die hij heeft vermoord. Geen van beide personages vertelt deze details met angst of vrees, maar eerder met een kinderlijke zekerheid die de kletspraatzin “hij heeft het gedaan!” nabootst

Deze uitwisseling vindt plaats terwijl bijna iedereen nog steeds wapens op elkaar gericht houdt. Het onpraktische van de dialoog die binnen deze context plaatsvindt, versterkt Andersons algehele ironische toon. Hoewel verre van realistisch, is de dialoog wat de film zo onderscheidend maakt.

Carol (2015)

Carol is een romantische dramafilm gebaseerd op de roman The Price of Salt van Patricia Highsmith uit 1952. Deze emotionele film, geregisseerd door Todd Haynes, was de best beoordeelde film van 2015. Naast wereldwijde lof ontving Carol zes Oscarnominaties bij de 88e Academy Awards, waaronder een nominatie voor Beste Aangepaste Scenario.

De film kroniekt de verboden romance tussen Therese Belivet en Carol Aird. Carol leert ons dat bij het schrijven van dialogen subtiele details allesbepalend zijn.

Tijdens de eerste helft van de film wordt de genegenheid van Therese en Carol voor elkaar nooit expliciet uitgesproken. In plaats daarvan krijgt het publiek verschillende aanwijzingen in de dialoog die hun romantische gevoelens voelbaar maken.

Bijvoorbeeld…

Het publiek krijgt de eerste verbale notie van de gedeelde aantrekkingskracht van het paar als Carol aan Therese vertelt dat ze gaat scheiden van haar man. Vervolgens vraagt ze of Therese alleen woont, waarop Therese met ja antwoordt.

Therese heeft het vervolgens over Richard, een man die met haar wil trouwen. Carol vraagt Therese of ze met hem wil trouwen, waarop Therese antwoordt: “Nou, ik weet niet eens wat ik voor de lunch moet bestellen.” Hoewel er naar buiten toe niets wordt gezegd, geven beide personages op subtiele wijze, aan elkaar en aan het publiek, blijk van een afkeer van de mannen in hun leven.

“Ik betwijfel ten zeerste of ik met hem zou zijn gaan lunchen.”

Deze dialoog is zeer referentieel aan de tijdsperiode waarin de film zich afspeelt. Omdat in de jaren vijftig de aantrekkingskracht van mensen van hetzelfde geslacht werd afgekeurd, waren de meeste gesprekken over dit onderwerp bijna nooit rechttoe rechtaan. Over homoseksualiteit werd vaak discreet gesproken.

Carols echtscheidingsadvocaten gebruiken zinnen als “patroon van gedrag” en “manier van doen” als ze zinspelen op haar eerdere relaties met vrouwen. Bovendien heeft Carols echtgenoot haar nooit rechtstreeks op haar seksualiteit gewezen. In plaats daarvan spreekt hij haar erop aan door dingen te zeggen als “vrouwen zoals jij”.

Door kleine details als deze te gebruiken, is Carol in staat het publiek door de eerste helft van de film te slepen zonder gebruik te maken van een duidelijke, openlijke dialoog. Dit bouwt niet alleen spanning op, waardoor het ‘geheime’ karakter van de relatie van Carol en Therese wordt bevorderd, maar het blijft ook trouw aan de context van de tijdsperiode.

20th Century Women (2016)

Mike Mills schreef en regisseerde deze veelomvattende coming-of-age komedie-dramafilm op basis van zijn puberteit in het Santa Barbara van de jaren zeventig. 20th Century Women werd genomineerd voor Best Original Screenplay bij de 89e Academy Awards.

De film bevat veel verhalende monologen die achtergrondverhalen geven voor de hoofdpersonen. Het is echter de dialoog in deze film die nog verder gaat om ons te laten zien hoe deze achtergrondverhalen de persoonlijkheden van de personages vormen. Wat 20th Century Women ons leert over het schrijven van dialogen is hoe je details bij het onderwerp houdt en in verband met elkaar.

Voorbeeld…

Een voorbeeld hiervan is Greta Gerwigs personage, Abbie Porter. De monoloog over Abbie’s leven voordat ze bij Dorothea woonde, vertelt het publiek hoe ze tot deze vrijgevochten, pittige fotojournaliste is gekomen. Het vertelt ons ook over Abbie’s geschiedenis met baarmoederhalskanker, die ze kreeg door het gebruik van een vruchtbaarheidsmedicijn door haar moeder toen ze werd verwekt.

Abbie’s moeder wil niet met Abbie over haar kanker praten, en neemt haar dat kwalijk uit schuldgevoel. Daarom begint Abbie een kamer te huren bij Dorothea.

Op een avond ligt Abbie met haar hoofd op tafel tijdens een etentje bij Dorothea thuis. Dorothea zegt Abbie wakker te worden en Abbie zegt: “Ik ben ongesteld.” Abbie’s botheid schokt Dorothea, die haar vertelt dat niet iedereen hoeft te weten dat ze ongesteld is.

Wat volgt is Abbie die frustrerend in detail uitlegt waarom mannen en vrouwen zich meer op hun gemak zouden moeten voelen om over menstruatie te praten. Ze laat zelfs verschillende mannen aan tafel het woord “menstruatie” terloops herhalen om te laten zien dat het niet erg is.

Dit laat het publiek zien hoe de tegenzin van Abbie’s moeder om met haar over moeilijke situaties te praten, Abbie’s huidige vrijpostigheid heeft veroorzaakt. Abbie is nu nog meer geneigd om ongemakkelijke onderwerpen met anderen te confronteren. Deze scène is meer dan een kort komisch dilemma over het feministische perspectief. Het doel is om Abbie’s huidige persoonlijkheid te belichten aan de hand van haar verleden.

Get Out (2017)

Jordan Peele’s Get Out werd genomineerd voor vier Academy Awards en won een Oscar voor Best Original Screenplay. Het is geen wonder waarom deze ongelooflijke horrorfilm werd bestempeld als een van Time Magazine’s top tien films van 2017. Peele’s script toont ons de kracht van subtekst in het creëren van sfeer en hoe belangrijk het is bij het schrijven van dialoog.

Doorheen het begin van de film is er een afstotend gevoel bij veel van de personages.

Bijvoorbeeld…

In het begin ervaart onze hoofdpersoon, Chris, een gevoel van opluchting als hij Logan King, een andere zwarte man, ziet op een bijeenkomst vol blanke mensen.

Deze opluchting slaat al snel om in bezorgdheid vanwege Logans ongebruikelijke reactie op Chris’ begroeting. Chris begroet Logan terloops door te zeggen: “Het is goed om hier nog een broeder te zien.” Logan reageert ongemakkelijk door te zeggen: “Hoi, ja, natuurlijk is dat zo.” Het griezelig formele antwoord van Logan maakt Chris in de war. Zijn verwarring wordt nog groter als Logans veel oudere, blanke vrouw verschijnt.

Logan leunt voorover en zegt tegen zijn vrouw: “Chris vertelde me net dat hij zich veel prettiger voelde nu ik hier ben.” Deze ongewone uiting van detail wordt herkend door Chris en Logan’s vrouw, die hem wegjaagt om andere gasten te begroeten.

“Logan, ik vind het vervelend om je weg te slepen, maar de Wincotts vroegen naar je.”

Door subtiele, maar vreemde en impactvolle dialogen toe te voegen, wordt een onderliggende boodschap waargenomen, ook al wordt er maar weinig gezegd. Het idee dat je weet dat iets verkeerd is zonder precies te weten waarom het verkeerd is, komt tot stand. Hieruit kan het publiek een ramp voelen ontwikkelen en is angstig om het volledige verhaal te weten.

The Florida Project (2017)

The Florida Project is een film die nogal een tegengestelde dialoogstijl heeft dan die van Wes Anderson. Sean Baker, de regisseur en co-writer, heeft veel “niet-professionals” ingehuurd voor deze Academy-Award genomineerde film.

Wat The Florida Project leert over het schrijven van dialogen is hoe en wanneer je trouw moet blijven aan de realiteit van een verhaal. Terwijl sommige films er goed in zijn om histrionistisch te zijn en anderen er van genieten om zichzelf te onderschatten, raakt de dialoog van The Florida Project je vanwege de slice-of-life-manier. Het neemt de dingen zoals ze zijn, en presenteert ze als zodanig aan het publiek.

Dit soort dialoog, die de werkelijkheid zo trefzeker weergeeft, is bewonderenswaardig. De film speelt zich af in de krakkemikkige motels in de buurt van Orlando, Florida, en draait om Moonee en haar moeder Halley. Zij leven in armoede in het motel The Magic Castle en kunnen nauwelijks de huur betalen.

Bij wijze van voorbeeld…

Een perfect voorbeeld van hoe authentiek de dialoog in de film is, zien we aan het eind van de film. Op dat moment haalt DCF Moonee weg bij Halley. Na een emotionele uitbarsting tussen Halley en de politie, raakt Moonee ook in paniek en loopt weg van een consulent van de kinderbescherming. Ze bereikt het nabijgelegen motel waar haar vriendin Jancey woont.

De dialogen in dit deel van de film zijn expliciet, agressief en emotioneel. Met zo’n intense scène die de actualiteit van veel gezinnen in armoede portretteert, is er geen reden om iets anders dan realistisch te zijn. Er moet grof taalgebruik zijn, gemompel, en onderbrekingen in het spreken. Dit ontkennen zou de film naïef en ongevoelig voor de echte wereld maken.

Lady Bird (2017)

Greta Gerwig’s Lady Bird werd genomineerd voor vijf Academy Awards. Deze film floreert in een script dat draait om de disfunctionele relaties van een eigenwijze puber. De coming-of-age-komedie-dramafilm concentreert zich op de gretigheid van een binnenkort afgestudeerde middelbare scholiere en haar afkeer van de wereld om haar heen.

Wat Lady Bird ons leert over het schrijven van dialogen is hoe een film een conflict kan opbouwen door woorden alleen. De dialoog in Lady Bird zet veel van de personages op het verkeerde been en zet ze aan tot het gedrag dat ze vertonen.

Bij wijze van voorbeeld…

Dit zien we al in de eerste drie minuten van de film. Als Christine (Lady Bird) en haar moeder, Marion, naar huis rijden, zijn ze klaar met luisteren naar de audio van John Steinbecks The Grapes of Wrath. Christine wil de radio aanzetten, maar Marion wil stil zitten.

Een meningsverschil mondt al snel uit in een ruzie, maar de inhoud breidt zich uit en onthult binnen een paar minuten de hele persoonlijkheid van de personages. Het resultaat van deze korte uitwisseling is meer dan alleen een inleiding tot de film. Het is een algemene samenvatting van Christine’s en Marion’s persoonlijkheden en hun moeder-dochter relatie.

“Niemand vraagt je om perfect te zijn, gewoon attent is genoeg.”

Uit deze ene scène kunnen we opmaken hoe graag Christine meer uit het leven wil halen, maar ook hoe haar naïviteit haar vermogen om haar huidige leven te waarderen vertroebelt. Aan de andere kant is Marion praktisch en realistisch, waardoor ze verontwaardigd is over Christine’s vermogen om alles wat ze voor haar heeft gedaan te ondermijnen. Deze fundamentele denkwijzen botsen de hele film door.

Om deze scène af te sluiten, gooit Christine zichzelf simpelweg uit de auto. Zo’n ongenuanceerde resolutie zou gewoon niet goed zitten als deze niet was voorbedacht door de dialoog die eraan voorafging.

Green Book (2018)

Green Book is een voorbeeld van dialoog die echt de personages van de personages uitbeeldt. Dit biografische komedie-drama won drie Oscars voor Beste Film, Beste Originele Scenario en Beste Bijrol Acteur. De film stond ook op de lijst van het American Film Institute (AFI) van de beste tien films van het jaar.

Net als in Lady Bird krijgen we in Green Book de persoonlijkheden van de personages zo intens en zo snel te zien, omdat ze zo tegengesteld aan elkaar zijn. Wat Green Book filmmakers leert over het schrijven van dialogen is hoe het uit elkaar houden van je personages je verhaal kan samenbrengen.

In deze film is Tony Lip een momenteel werkloze uitsmijter. Ondanks het feit dat hij dronkenlappen heeft opgejaagd, is Tony openhartig, nonchalant en goedmoedig. Aan de andere kant is Dr. Don Shirley overdreven formeel, ordelijk en kritisch over Tony’s gemakzucht.

Tony, een blanke Italiaan, krijgt een baan als chauffeur en als beschermer van Dr. Shirley, een zwarte pianist, tijdens zijn concerttournee in het diepe zuiden. Het onwaarschijnlijke duo leert en groeit meer van elkaar dan ze hadden verwacht.

De dialogen in Green Book blijven het publiek boeien door de persoonlijkheid van zowel Tony als Dr. Shirley.

Bij wijze van voorbeeld…

Tijdens het sollicitatiegesprek met Tony zegt dr. Shirley tegen Tony: “Je hebt op verschillende mensen indruk gemaakt met je aangeboren vermogen om met problemen om te gaan.” Tony antwoordt: “Oké, het zit zo, ik heb er geen moeite mee om met jou op pad te zijn, maar ik ben geen butler.”

Het contrast in dictie tussen Dr. Shirley en Tony laat ons zien dat het schrijven van onconventionele dialogen niet altijd een tegenstelling is tussen script en genre of context en antwoord, maar ook de onconventionaliteit tussen de personages onderling kan zijn.

Beasts of the Southern Wild (2012)

Benh Zeitlins Beasts of the Southern Wild werd genomineerd voor vier Oscars bij de 85e Academy Awards. Deze verhelderende dramafilm was een bewerking van het eenakter Juicy and Delicious van medeschrijfster Lucy Alibar. Deze film bezorgde ook de 9-jarige Quvenzhané Wallis de titel van jongste Best Actress genomineerde in de geschiedenis.

Beasts of the Southern Wild speelt zich af in The Bathtub, een fictieve gemeenschap in een Louisiana Bayou. Bewoners van The Bathtub weigeren te verhuizen uit de vervallen wijk ondanks de ernstige overstromingen. De hoofdpersoon van de film, Hushpuppy, is een pittig zesjarig meisje dat zich probeert te weren tegen de afbrokkelende wereld om haar heen terwijl haar vader, Wink, lijdt aan een terminale ziekte.

Wat Beasts of the Southern Wild leert over het schrijven van dialogen is hoe je de bijbedoelingen van een personage kunt laten zien door middel van hun spraak.

Bijvoorbeeld…

Hushpuppy’s gesprekken met Wink laten ons zijn interne frustraties over het sterven zien. Aanvankelijk wekt Wink’s verbale agressie jegens Hushpuppy bij het publiek de indruk dat hij haar volkomen verwaarloost. Elk stukje dialoog geeft ons echter meer en meer inzicht in de redenering achter zijn gedrag.

Wink probeert emotioneel afstand te nemen van Hushpuppy vanwege zijn ziekte. Hij wil zich van haar afzonderen om zijn dood voor hen beiden gemakkelijker te maken, maar hij wil er ook voor zorgen dat zij zonder hem overleeft. Zijn ouderlijke filosofie is harde liefde, waarbij hij haar uitdaagt zodat ze voorbereid is op een leven zonder hem.

“Iedereen verliest datgene wat hem gemaakt heeft. De dappere mannen blijven en zien het gebeuren. Ze vluchten niet!”

Dit is te zien tijdens een storm wanneer Wink tape op de vloer plakt om een grens in het huis te maken, waarmee hij bepaalt welke kant van het huis van hem is en welke kant van Hushpuppy. Ondanks deze fysieke scheiding, roept hij tegen Hushpuppy dat ze drijvers aan moet doen voor het geval het water te hoog stijgt. Hij zegt tegen haar: “Het is mijn taak om te zorgen dat je niet doodgaat, oké? Dus leun achterover en luister naar me.”

Wink’s poging om zich van Hushpuppy te distantiëren mislukt voortdurend vanwege zijn aangeboren beschermingsdrang jegens haar. De dialoog tussen hen laat ons zien dat Wink’s acties niet onbedoeld zijn, maar eerder neveneffecten van de persoonlijke strijd die hij voert.