Writing Dialogue Expertly: Learn from These Great Dialogue Examples

Nie ulega wątpliwości, że jednym z najpotężniejszych elementów w opowiadaniu jest dialog. W filmie, dialog buduje ogólny ton filmu, ustanawia relacje między postaciami i subtelnie ujawnia główne wiadomości tematyczne dla publiczności. Tak więc, pisanie dialogu skutecznie jest krytyczną częścią sukcesu jako każdego rodzaju writer.

W tym artykule będziemy badać:

• Co to jest znaczenie dialogu?
• Co to jest świetny dialog?
• Ewolucja dialogu.
• 10 przykładów wspaniałych dialogów (2010-20)

Różne gatunki funkcjonują dobrze z różnymi dialogami. Czasami jest to nieoczekiwane użycie dialogu, które sprawia, że historia jest najbardziej efektywna. Innym razem, przewidziany dialog jest konieczny, aby posunąć fabułę do przodu bez zamieszania. Dlatego właśnie pisanie dialogów do filmu może być trudne.

Pisząc dialog, filmowcy muszą zdecydować, jak chcą, aby ich publiczność postrzegała ich film. Czy to będzie komediowe i sarkastyczne? Czy będzie poważny i realistyczny? Często filmowcy używają kombinacji tych cech podczas pisania dialogów.

Jednym z najlepszych sposobów na nauczenie się pisania dialogów jest stanie na ramionach gigantów. Aby to ułatwić, zebraliśmy kilka najlepszych przykładów dialogów z dziesięciu godnych uwagi, nominowanych do Oscara/wyróżnionych filmów z ostatniej dekady.

Zanim się zanurzymy, przejdźmy do podstaw.

Przegląd dialogu filmowego:

Dialog filmowy jest definiowany po prostu jako

„ustna rozmowa pomiędzy dwoma lub więcej postaciami.”

Ta prosta definicja daje pisarzowi dużo miejsca na kreatywność. Z drugiej strony, daje też sporo miejsca na błędy. Trzeba pamiętać: Są filmy, a potem są świetne filmy. Tak samo są dialogi, a potem są świetne dialogi.

Wreszcie, wielki dialog ma cel. Wspaniałe dialogi mają powód dla każdego wymienianego słowa. Jeśli dialog w filmie jest poza charakterem, niepotrzebny lub źle umieszczony, może łatwo przynieść całą produkcję w dół. Nie lubimy szkalować, ale czy widzieliście The Room?

Aby udoskonalić dialog, scenarzyści muszą zadać sobie dwa pytania:

• Co ta rozmowa daje widzom?
• Co film zyskuje dzięki tej wymianie zdań między tymi postaciami?

Jeśli nie można odpowiedzieć na te pytania, scenariusz wymaga rewizji.

Co to jest świetny dialog?

Najważniejszym zastosowaniem dialogu jest rozwój. Świetne dialogi rozwijają historię bez wysiłku. Dodatkowo, buduje osobowość bohaterów w najbardziej wyrazisty sposób.

Pisarzom często mówi się „pokaż, nie opowiadaj”, a to jest dokładnie to, co robi dialog. Publiczność chce oceniać postacie dla siebie, a dialog jest jak im na to pozwalasz. Dialog to sposób, w jaki postacie wyrażają siebie. Najlepszy dialog może ujawnić osobowość bohatera tylko przez sam ton, a nie jego rzeczywistą treść.

Wspaniały dialog zawiera o wiele więcej niż suma jego części. Może być wierzchołkiem góry lodowej, ukrywając pod nią bardzo wiele. Albo świetny dialog może być muzyką dla uszu, uwalnianą jak językowa broń, tnącą do samego rdzenia widowni, pozytywnie lub negatywnie (aby ich rozśmieszyć lub doprowadzić do płaczu).

Ewolucja dialogu:

Powszechnie uważa się, że dialog filmowy pojawił się wraz z Talkies, znanymi również jako Filmy Dźwiękowe. Można nawet twierdzić, że dialogi filmowe pochodzą z epoki kina niemego. W tym czasie zatrudniano lokalnych aktorów, którzy odgrywali kwestie bohaterów osobiście w kinie.

Ponadto, ze względu na ówczesny stan technologii, filmy dźwiękowe nie weszły do użytku komercyjnego aż do późnych lat dwudziestych. Jednak już na początku lat 30. filmy dźwiękowe, a co za tym idzie – dialogi, stały się fenomenem na skalę światową.

W ciągu następnych kilku dekad reżyserzy i scenarzyści skorzystali z możliwości zsynchronizowanych dialogów. Wielu filmowców rozwinęło bardzo drobiazgowe i ekstrawaganckie style dialogowe. Jest to widoczne w wielu komediach z lat 40. Jedna z najbardziej znanych, His Girl Friday, wykorzystała 191-stronicowy scenariusz w ciągu zaledwie 92 minut.

Kontrastowo, z pisaniem dialogów będących obecnie niekwestionowaną podstawą filmów, niektórzy pisarze przyjęli odwrotne podejście, pokazując, jak czasami mniej znaczy więcej. Przykładem tego jest w A Quiet Place. Ten horror z 2018 roku, w reżyserii Johna Krasinki, zawiera krótki, 67-stronicowy scenariusz do 91-minutowego filmu, z czego prawie żaden nie zawiera dialogu.

Ogółem, dialog może być ciężki i wartki, lub może być krótki i prosty. Tak długo, jak każda linia ma wpływ i wkład, dialog może z pewnością unieść cały film.

10 przykładów świetnych dialogów

Dramat Noah Baumbacha „Historia małżeńska” otrzymał sześć nominacji do 92. nagrody Akademii Filmowej. Scenariusz filmu podkreśla emocjonalne zawirowania związane z rozwodem i zdobył uznanie krytyków za ostrość i realizm.

Małżeńska historia uczy nas, że jeśli chodzi o pisanie dialogów, niewygodna prawda może często najbardziej rezonować z widzami. Publiczność lubi łączyć się z filmem, nawet w najbardziej nieprawdopodobny sposób. Niektóre filmy przypominają nam o ludzkim współczuciu i błogich chwilach w życiu. Dialog w Opowieści Małżeńskiej nie jest tego przykładem.

Baumbach ma tendencję do przyglądania się niemal wszystkim swoim postaciom, eksponując przejmująco prawdziwe wady, które można znaleźć w wielu ludziach wokół nas, a nawet w nas samych. W dialogach zawartych w Marriage Story można znaleźć dowody na gaslighting, egoizm, samolubstwo, chciwość i zewnętrzną utratę kontroli.

W ostatecznym rozrachunku rezultatem jest bolesny pokaz dwojga ludzi wydobywających z siebie nawzajem to, co najgorsze. Każdy z nich wskazuje na wady i niepewność drugiego, tnąc do samego rdzenia. To genialnie ukazuje trudności długotrwałego związku, w którym każdy posiada tak wiele wiedzy o drugim, że może ją wykorzystać jak broń.

„Po pierwsze, kocham moją matkę, była wspaniałą matką. Po drugie, jak śmiesz porównywać moje macierzyństwo do mojej matki! Mogę być jak mój ojciec, ale nie jestem jak moja matka!”

„Jesteś! A ty jesteś jak mój ojciec. Jesteś też jak moja matka. Jesteś wszystkimi złymi rzeczami w tych wszystkich ludziach!”

Na przykład…

Widzimy to, gdy Nicole i Charlie Barber, rozwódka i rozwodnik, o których mowa, mają agresywną kłótnię po dacie sądowej. Krótko mówiąc, Charlie mówi Nicole, że życie z nią było beznadziejne, a ona powinna się cieszyć, że spanie z kimś innym było „wszystkim, co robił”. On przechodzi do gwałtownego krzyku do niej, „każdego dnia, budzę się i mam nadzieję, że jesteś martwy.”

Większość widzów nie pochwala słów Charliego lub Nicole do siebie w tej scenie, ale emocje, które za nimi stoją są niestety i niesamowicie znajome dla wielu ludzi. Dialogi w filmie są z pewnością skomplikowane, zawierają wiele ciągów zdań tak okrutnych, że są wręcz nie do zniesienia.

Ta niewygodna, ale rozpoznawalna mowa pokazuje, jak dialog może być prawdziwy dla różnych ludzi, nawet jeśli nie odnosi się bezpośrednio do żadnego z nich.

Her (2013)

Spike Jonze zaznaczył swój solowy debiut scenopisarski ekscentrycznym dramatem romantycznym sci-fi, Her. Film zdobył Oscara 2013 w kategorii Najlepszy Scenariusz Oryginalny. W tym filmie wiele dialogów toczy się między Theodorem Twombly a jego wirtualną asystentką, Samanthą, która jest systemem operacyjnym opartym na sztucznej inteligencji.

To, czego Her uczy filmowców na temat pisania dialogów, to jak przypisać realistyczne emocje swoim postaciom niezależnie od tego, jak są one przedstawione na ekranie. Samantha jest systemem operacyjnym, więc widzowie nigdy wizualnie nie mają z nią do czynienia. Mimo to, widz jest w stanie zaobserwować, jak kształtuje się jej osobowość wyłącznie dzięki rozmowom z Theodorem.

„I wtedy przyszła mi do głowy ta straszna myśl. Czy te uczucia są w ogóle prawdziwe? A może są tylko zaprogramowane? Ten pomysł naprawdę boli.”

Nie tylko to, ale publiczność jest również w stanie zobaczyć zmianę osobowości Theodore’a, jak jego związek z Samanthą postępuje. Jego rozmowy z Samanthą popychają go do ostatecznego podpisania papierów rozwodowych z byłą żoną. Dodatkowo, efekty ich relacji pokazują zdolność dialogów do poruszania fabuły do przodu.

Her uczy nas, że pisanie dialogów nie musi przybierać konwencjonalnych form. W filmie mogą pojawić się najbardziej nieprawdopodobne postaci, a i tak mogą znaleźć rację bytu w oczach widza.

Sposób, w jaki kształtują się dialogi w Her, sprawia wrażenie niemal klasycznego, po prostu dwie postacie poznają się poprzez rozmowę ze sobą. W futurystycznej scenerii ten klasycyzm wydaje się inteligentny i satysfakcjonujący.

Wielki Budapesztański Hotel (2014)

Wielki Budapesztański Hotel Wesa Andersona, podobnie jak wiele innych jego filmów, znany jest z dość martwych, ale przekonujących dialogów. Ten komediodramat zdobył cztery z dziewięciu nominacji do 87. nagrody Akademii Filmowej. Scenariusz Andersona uczy nas, że przy pisaniu dialogów niedopowiedzenia mogą służyć podkreśleniu tonu filmu.

W Grand Budapest Hotel wiele dialogów wypowiadanych jest w sposób rzeczowy, mimo że sytuacje lub treści w nich zawarte są dość dziwaczne. To, co robi to podniesienie komediowej ironii w całym filmie.

Na przykład…

W scenie strzelaniny w hotelu, jest praktycznie tuzin ludzi strzelających do siebie z całej podłogi hotelu. W rzeczywistości trudno określić, jakimi słowami można by powstrzymać tylu ludzi od strzelania do siebie nawzajem.

Jednakże w tym filmie wystarczy, że jeden śledczy krzyknie „gniot ognia!” i wszyscy natychmiast wykonują jego polecenie. Śledczy, Albert Henckels, przechodzi do pytania „kto do kogo strzela?”. I bohaterowie rzeczywiście odpowiadają.

Z tego Dimitri, pierwotny inicjator strzelaniny, przedstawia krótki opis Gustawa H., nazywając go mordercą i złodziejem. Następnie Gustaw podaje zwięzły, ale szczegółowy opis Dimitriego, wspominając wszystkich ludzi, których zamordował. Żadna z postaci nie wypowiada tych szczegółów z przerażeniem czy grozą, lecz raczej z dziecinną pewnością, która naśladuje powiedzenie „on to zrobił!”

Ta wymiana zdań odbywa się w momencie, gdy większość z nas wciąż trzyma broń w górze. Niepraktyczność dialogu odbywającego się w tym kontekście jest tym, co wzmacnia ogólny ironiczny ton Andersona. Choć daleki od realizmu, dialog jest tym, co sprawia, że film jest tak wyjątkowy.

Carol (2015)

Carol to romantyczny film dramatyczny oparty na powieści „Cena soli” Patricii Highsmith z 1952 roku. Ten emocjonalny film, wyreżyserowany przez Todda Haynesa, był najlepiej recenzowanym filmem 2015 roku. Oprócz światowych pochwał, Carol otrzymał sześć nominacji do Oscara podczas 88. edycji Nagród Akademii Filmowej, w tym nominację za Najlepszy Scenariusz Adaptowany.

Film opowiada o zakazanym romansie Therese Belivet i Carol Aird. Carol uczy nas, że jeśli chodzi o pisanie dialogów, subtelne szczegóły są wszystkim.

Przez pierwszą połowę filmu, uczucie Therese i Carol do siebie nigdy nie jest powiedziane wprost. Publiczność jest zamiast tego przedstawiona z różnymi wskazówkami dialogowymi, które sprawiają, że ich romantyczne uczucie jest wyczuwalne.

Na przykład…

Widzowie otrzymują pierwsze słowne wyobrażenie o wspólnej atrakcyjności pary, kiedy Carol mówi Therese, że rozwodzi się z mężem. Następnie pyta, czy Therese mieszka sama, na co Therese odpowiada, że tak.

Therese wspomina o Richardzie, mężczyźnie, który chce się z nią ożenić. Carol pyta Therese, czy chce go poślubić, a Therese odpowiada: „Cóż, ledwo wiem, co zamówić na obiad”. Choć nic nie jest powiedziane na zewnątrz, obie postacie subtelnie wyrazić, do siebie i do publiczności, niechęć do mężczyzn w ich życiu.

„Bardzo wątpię, czy poszłabym z nim na lunch.”

Ten dialog jest bardzo nawiązujący do okresu, w którym rozgrywa się film. Ponieważ w latach 50-tych XX wieku nie akceptowano tej samej płci, większość rozmów na ten temat nie była zbyt bezpośrednia. Często, wszystko odnoszące się do homoseksualizmu został wypowiedziany z dyskrecją.

Prawnicy rozwodowi Carol używać zwrotów takich jak „wzór zachowań” i „sposób postępowania”, gdy nawiązując do jej poprzednich związków z kobietami. Dodatkowo, mąż Carol nigdy nie mówi wprost o jej seksualności. Zamiast tego zwraca się do niej w tej sprawie, mówiąc rzeczy takie jak „kobiety takie jak ty”.

Dzięki użyciu drobnych szczegółów, takich jak te, Carol jest w stanie przeprowadzić widzów przez pierwszą połowę filmu bez użycia oczywistych, jawnych dialogów. To nie tylko buduje napięcie, pogłębiając „sekretną” naturę związku Carol i Therese, ale także pozostaje wierne kontekstowi epoki.

20th Century Women (2016)

Opierając film na swoim dorastaniu w latach 70. w Santa Barbara, Mike Mills napisał i wyreżyserował ten kompleksowy komediodramat coming-of-age. 20th Century Women był nominowany do nagrody za Najlepszy Scenariusz Oryginalny podczas 89. edycji Nagród Akademii Filmowej.

Film zawiera wiele narracyjnych monologów, które dostarczają historii tła dla głównych bohaterów. Jednak to właśnie dialog w tym filmie idzie jeszcze dalej, aby pokazać nam, jak te historie tła kształtują osobowości bohaterów. To, czego 20th Century Women uczy nas o pisaniu dialogów, to jak utrzymać szczegóły na temat i w związku ze sobą.

Na przykład…

Przykładem tego jest postać Grety Gerwig, Abbie Porter. Monolog opisujący życie Abbie przed zamieszkaniem z Dorotheą mówi widzom, jak doszła do tego, że stała się tą wolną, energiczną i odważną fotoreporterką. To również mówi nam o historii Abbie z rakiem szyjki macicy, który dostała z powodu jej matki korzystania z leku płodności, kiedy została poczęta.

Abbie matka nie będzie rozmawiać z Abbie o jej raka, i urazy ją z poczucia winy. Z tego powodu, Abbie zaczyna wynajmować pokój od Dorothei.

Jednej nocy, Abbie ma głowę na stole podczas spotkania kolacji w domu Dorothea. Dorothea mówi Abbie się obudzić i Abbie mówi „Jestem menstruacji.” Bezceremonialność Abbie szokuje Dorotheę, która mówi jej, że nie każdy musi wiedzieć, że ma miesiączkę.

Co następuje potem, to frustrujące wyszczególnianie przez Abbie, dlaczego mężczyźni i kobiety powinni czuć się bardziej komfortowo, rozmawiając o menstruacji. Ona nawet sprawia, że kilku mężczyzn przy stole powtarza słowo „menstruacja” z powrotem do niej swobodnie, aby pokazać, że nie jest to wielka sprawa.

To pokazuje publiczności, jak niechęć matki Abbie do rozmowy o trudnych sytuacjach z nią indukowane Abbie obecną śmiałość. Abbie jest teraz jeszcze bardziej skłonna do konfrontacji z niełatwymi tematami z innymi. Scena ta służy nie tylko jako krótki komiczny dylemat dotyczący perspektywy feministycznej. Jej celem jest naświetlenie obecnej osobowości Abbie w odniesieniu do jej przeszłości.

Get Out (2017)

Get Out Jordana Peele’a został nominowany do czterech Oscarów i zdobył Oscara za najlepszy scenariusz oryginalny. Nic dziwnego, że ten niesamowity horror został oznaczony jako jeden z dziesięciu najlepszych filmów 2017 roku magazynu Time. Scenariusz Peele’a pokazuje nam siłę podtekstu w tworzeniu atmosfery i jak ważny jest on przy pisaniu dialogów.

Przez cały początek filmu, z wieloma postaciami wiąże się nieprzyjemne uczucie.

Na przykład…

Początkowo nasz bohater, Chris, doświadcza uczucia ulgi, gdy widzi Logana Kinga, innego Czarnego człowieka, na spotkaniu pełnym białych ludzi.

Ta ulga szybko przeradza się w niepokój z powodu niezwykłej reakcji Logana na powitanie Chrisa. Chris wita Logana zdawkowo, mówiąc: „Dobrze widzieć tu kolejnego brata”. Logan odpowiada niepewnie, mówiąc: „Cześć, tak, oczywiście, że tak”. Niezwykle formalna odpowiedź Logana sprawia, że Chris jest zdezorientowany. Jego dezorientacja jest jeszcze większa, gdy pojawia się dużo starsza, biała żona Logana.

Logan pochyla się i mówi żonie: „Chris właśnie opowiadał mi, jak czuł się o wiele bardziej komfortowo z moją obecnością tutaj.” Ten niezwykły wyraz szczegółu zostaje rozpoznany przez Chrisa i żonę Logana, która popędza go, aby powitać innych gości.

„Logan, nie chcę cię odrywać kochany, ale Wincottowie pytali o ciebie.”

Dodając subtelny, aczkolwiek dziwny i mający wpływ dialog, dostrzega się podstawową wiadomość, mimo że niewiele się mówi. Pojęcie wiedząc coś jest źle, nie wiedząc dokładnie, dlaczego to jest źle jest ustanowiony. Dzięki temu widzowie wyczuwają rozwijającą się katastrofę i z niepokojem oczekują poznania całej historii.

The Florida Project (2017)

The Florida Project to film, który ma zupełnie odwrotny styl dialogowy niż Wes Anderson. Sean Baker, reżyser i współscenarzysta, zatrudnił do tego nominowanego do Nagrody Akademii filmu wielu „nieprofesjonalistów”. Z tego powodu dialogi są bardzo autentyczne w stosunku do scenerii filmu.

To, czego The Florida Project uczy o pisaniu dialogów, to jak i kiedy pozostać wiernym rzeczywistości opowieści. Podczas gdy niektóre filmy rozwijają się z bycia histrionicznymi, a inne rozkoszują się niedocenianiem siebie, dialogi The Florida Project trafiają w sedno dzięki swojemu slice-of-life manner. Traktuje rzeczy takimi, jakimi są, i w taki sposób przedstawia je widzom.

Taki rodzaj dialogu, który tak trafnie oddaje rzeczywistość, jest godny podziwu. Rozgrywający się w rozklekotanych motelach w pobliżu Orlando na Florydzie, film skupia się wokół Moonee i jej matki Halley. Żyją one w motelu Magic Castle w ubóstwie, ledwo mogąc sobie pozwolić na zapłacenie czynszu.

Na przykład…

Doskonały przykład tego, jak autentyczne są dialogi w filmie, pojawia się pod koniec filmu. W tym momencie DCF zabiera Moonee z dala od Halley. Po emocjonalnym wybuchu między Halley a policją, Moonee również wpada w panikę i ucieka przed doradcą Child Service. Ona czyni to do pobliskiego motelu, gdzie jej przyjaciel Jancey mieszka.

Dialog w tej części filmu jest wyraźny, agresywny i emocjonalny. Z tak intensywnej sceny, która przedstawia rzeczywistość wielu rodzin w ubóstwie, nie ma potrzeby, aby być czymś innym niż realistyczne. Nie może zabraknąć ostrego języka, mamrotania i przerywania wypowiedzi. Zaprzeczenie temu sprawiłoby, że film stałby się naiwny i nieczuły na prawdziwy świat.

Lady Bird (2017)

Greta Gerwig’s Lady Bird została nominowana do pięciu Oscarów. Film rozwija się dzięki scenariuszowi, który koncentruje się wokół dysfunkcyjnych relacji dorastającej nastolatki o silnej głowie. Ten komediodramat o dojrzewaniu skupia się na zapale przyszłej absolwentki szkoły średniej i jej niechęci do otaczającego ją świata.

To, czego Lady Bird uczy nas o pisaniu dialogów, to jak film może budować konflikt za pomocą samych słów. Dialog w Lady Bird jest tym, co uruchamia wiele postaci i popycha je do zachowań, które podejmują.

Na przykład…

Widzimy to w ciągu zaledwie trzech minut filmu. Kiedy Christine (Lady Bird) i jej matka, Marion, jadą do domu, kończą słuchać audiobooka Grona gniewu Johna Steinbecka. Christine idzie włączyć radio, ale Marion chce siedzieć w ciszy.

Kłótnia szybko wybucha od tej jednej różnicy zdań, ale treść rozszerza się i ewoluuje, aby ujawnić całość osobowości bohaterów w ciągu zaledwie kilku minut. Rezultat tej krótkiej wymiany zdań jest czymś więcej niż tylko wprowadzeniem do filmu. Jest to ogólne podsumowanie osobowości Christine i Marion oraz ich relacji matka-córka.

„No one’s asking you to be perfect, just considerate will do.”

From this one scene, we can see how anxiously Christine is itching to gain more from life, but also how her naivety clouds her ability to appreciate her current life. Z drugiej strony, Marion jest praktyczny i realistyczny, pozostawiając ją urażony zdolności Christine podważyć wszystko, co zrobiła dla niej. Te podstawowe sposoby myślenia ścierają się przez cały film.

Aby doprowadzić tę scenę do końca, Christine po prostu wyrzuca się z samochodu. Ten rodzaj intemperate resolution po prostu nie siedziałby dobrze, gdyby nie był premedytowany przez dialog, który nastąpił wcześniej.

Green Book (2018)

Green Book jest przykładem dialogu, który naprawdę egzemplifikuje osobowości bohaterów. Ten biograficzny komediodramat zdobył trzy Oscary: za najlepszy film, najlepszy scenariusz oryginalny i najlepszą rolę drugoplanową. Film znalazł się również na liście dziesięciu najlepszych filmów roku Amerykańskiego Instytutu Filmowego (AFI).

Podobnie jak w Lady Bird, w Green Book jesteśmy w stanie dostrzec osobowości bohaterów tak intensywnie i tak szybko dzięki ich wzajemnej sprzeczności. Green Book uczy filmowców o pisaniu dialogów, jak rozdzielić bohaterów, by połączyć historię.

W tym filmie, Tony Lip jest obecnie bezrobotnym bramkarzem. Pomimo jego historii pracy w szorstkich pijaków, Tony jest szczery, nonszalancki i dobroduszny. Z drugiej strony, dr Don Shirley jest nadmiernie formalny, uporządkowany i krytyczny wobec łatwości bycia Tony’ego.

Tony, biały Włoch, dostaje pracę jazdy i ochrony Dr Shirley, pianista Black, w całej jego trasy koncertowej w głębokim południu. The unlikely pair end up learning and growing from each other more than they expected.

The dialogue in Green Book keeps the audience entertained because of how much personality is given to both Tony and Dr. Shirley.

Na przykład…

Podczas przesłuchania Tony’ego do pracy, Dr Shirley mówi Tony’emu, „zaimponowałeś kilku osobom swoją wrodzoną zdolnością do radzenia sobie z problemami.” Tony odpowiada: „W porządku, sprawa wygląda tak, że nie mam problemu z byciem w drodze z Chu, ale nie jestem lokajem.”

Kontrast w dykcji między dr Shirley a Tonym pokazuje nam, że pisanie niekonwencjonalnych dialogów nie zawsze jest opozycją między scenariuszem a gatunkiem lub kontekstem a odpowiedzią, ale może być również niekonwencjonalnością między samymi postaciami.

Beasts of the Southern Wild (2012)

Beasts of the Southern Wild Bena Zeitlina był nominowany do czterech Oscarów podczas 85. edycji Nagród Akademii Filmowej. Ten pouczający film dramatyczny został zaadaptowany na podstawie jednoaktówki Lucy Alibar „Juicy and Delicious”. Film ten dał również 9-letniej Quvenzhané Wallis tytuł najmłodszej w historii nominacji do nagrody dla najlepszej aktorki.

Beasts of the Southern Wild rozgrywa się w The Bathtub, fikcyjnej społeczności w zatoce Luizjany. Mieszkańcy The Bathtub odmawiają wyprowadzenia się z zapuszczonego obszaru, pomimo poważnych powodzi. Główna bohaterka filmu, Hushpuppy, jest uduchowioną sześcioletnią dziewczynką próbującą odeprzeć rozpadający się świat wokół niej, podczas gdy jej ojciec, Wink, cierpi na nieuleczalną chorobę.

To, czego Beasts of the Southern Wild uczy o pisaniu dialogów, to jak zademonstrować ukryte motywy postaci poprzez ich mowę.

Na przykład…

Rozmowy Hushpuppy z Winkiem pokazują nam jego wewnętrzne frustracje związane z umieraniem. Początkowo słowna agresja Wink’a wobec Hushpuppy daje widzom wrażenie, że jest on całkowicie lekceważący wobec niej. Jednak każdy kawałek dialogu daje nam coraz więcej wgląd w uzasadnienie jego zachowania.

Wink próbuje emocjonalnie zdystansować się od Hushpuppy z powodu swojej choroby. On chce odizolować się od niej, aby jego śmierć łatwiejsze na obu z nich, ale on również chce zapewnić ona będzie przetrwać bez niego. Jego filozofia rodzicielska to twarda miłość, wyzywająca ją, aby była przygotowana na życie bez niego.

„Każdy traci to, co go stworzyło. Odważni ludzie zostają i patrzą, jak to się dzieje. Oni nie uciekać!”

To widać podczas burzy, kiedy Wink stawia taśmę na podłodze, aby granicę w domu, określając, która strona jest jego i która strona jest Hushpuppy’s. Pomimo podejmowania tej fizycznej separacji między nimi, on krzyczy na Hushpuppy umieścić na pływakach ramion w przypadku woda wzrasta zbyt wysoko. On mówi do niej, „to moja praca, aby utrzymać cię od śmierci, dobrze? Więc usiądź i posłuchaj mnie.”

Wink próba odcięcia się od Hushpuppy ciągle nie udaje się z powodu jego wrodzonej opiekuńczości nad nią. Dialog między nimi pokazuje nam, że działania Wink nie są złe intencje, ale raczej skutki uboczne osobistej bitwy on walczy.