Genius. Legend. Etiketter som ofta slits ut när de bollas runt. Men även om den 10 november 2015 kanske är en vanlig tisdag för de flesta, råkar dagens dag vara en utmärkt dag för att hedra en artist som med rätta kan göra anspråk på legendarisk status. Jag talar om Ennio Morricone. a.k.a. Maestro, som han är känd och kommer att refereras till i den här artikeln mer än ett dussin gånger.
Denna mästare av musikaliska arrangemang, ljudblandning och avantgardistisk kreativitet fyller i dag spralliga 87 år. Han visar inga tecken på att sakta ner – han har europeiska turnédatum för 2016 och hans efterlängtade första originalmusik till Quentin Tarantinos ”The Hateful Eight” är på gång – Morricones mer än 500 filmmeriter vittnar om hans starka arbetsmoral och passion för att göra filmmusik. Så jag har gjort ett försök att dyka ner i hans diskografi och välja ut 30 av hans allra bästa filmmusik.
Morricone bor fortfarande i Rom, staden där han föddes och växte upp, och talar som bekant bara några få ord engelska. Det går inte att bli mer italiensk än så, men som ordspråket säger är hans musik ett universellt språk. Han är mest förknippad med Sergio Leones westernfilmer, men som den här listan förhoppningsvis kommer att visa sträcker sig hans musikaliska utbud långt bortom Leones filmer. ”De är alla mina barn… varje filmmusik jag har gjort”, säger han ofta, vilket har påverkat en mängd artister i olika musikaliska genrer: artister som Yo-Yo Ma, Goldfrapp, Black Sabbath, DJ Premiere och Metallica har alla hyllat Morricone vid ett eller annat tillfälle. Han står över alla andra filmkompositörer tidigare eller nutida, förutom kanske Bernard Herrmann, när det gäller att revolutionera vårt sätt att förstå filmmusik.
Populär på IndieWire
Så, ta en god flaska italiensk rödvin och låna mig dina ögon och öron när jag går igenom de mest minnesvärda och inflytelserika styckena från Maestros svindlande oeuvre.
”For A Few Dollars More” (1965)
Det verkar orättvist att inkludera alla tre musiken från ”Dollars Trilogy” på den här listan, särskilt med tanke på att det piskrappande titeltemat från ”A Fistful of Dollars” överskuggar allt annat så överväldigande. Om detta vore en ”Essential”- och inte en ”Best Of”-lista skulle ”A Fistful Of Dollars” förmodligen ha kommit med i stället, men jag anser att ”For A Few Dollars More” är den bättre representanten för Morricones revolutionerande metoder för Leones westerns. För sina twangy jew’s-harps, vansinnigt catchy gitarrriffs, ikoniska visslingar, klockringningar, kyrkorglar och El Indios (Gian Maria Volonte) musikaliska fickur, som ”förflyttar dina tankar till en annan plats” och målar karaktärens psykologiska sammansättning så levande, är ”For A Few Dollars More” lika ikonisk som Clint Eastwoods staredown.
”The Battle Of Algiers” (1966)
Även om det är den enda filmmusiken på den här listan som har någon annans namn bredvid Morricones i eftertexterna, skulle det vara mer än lite blasfemiskt att utelämna ”The Battle Of Algiers”, tack vare hur arketypisk den har blivit. På grund av kontraktsförpliktelser var regissören Gillo Pontecorvo tvungen att krediteras tillsammans med Morricone, och för ”Alis tema” var det Pontecorvo som hittade på de fyra toner som enligt Morricone ”blev filmens essens”. Men det var maestron själv som arrangerade dem i musiken. Med all respekt för Pontecorvo, som regisserade ett mästerverk, arbetade han under ledning av en mästerarrangör, vars permutationer av militära trummor, horn och pianon tänder filmens eviga låga av revolutionärt oberoende.
”The Good, The Bad, And The Ugly” (1966)
Aaah-eee-aaah-eee-eee-Ahhh. Detta är praktiskt taget Morricones födelsedagsjingel och är temalåten i den helhjärtat, bombastiskt subversiva OST till Leones ”The Good, The Bad, And The Ugly”. De två första bidragen i ”Dollars”-trilogin banade väg för detta nya sound, men jag kan bara föreställa mig (och sjuder av evig avundsjuka) hur det måste ha låtit att lyssna på de galopperande rytmerna, harmonikorna, trumpeterna och ”Ecstasy of Gold” – om det fanns ett labb för sådana saker skulle vetenskapsmännen bevisa att det är ett av de bästa filmmusikstycken som någonsin har komponerats – för fräscha öron i slutet av 60-talet. Någon variant av ”OMFG hur kan något låta så jävla coolt?” förmodligen. Morricone följde sitt avantgardistiska hjärta och använde riktiga ljud ”för att ge ett slags nostalgi som filmen måste förmedla”. I fallet med ”The Good, The Bad, And The Ugly” var det främst djurljud, nämligen det som blivit känt som prärievargens tjut – westerngenren blev officiellt aldrig mer densamma igen.
”Navajo Joe” (1966)
Vad, trodde du att Morricone bara lämnade de bästa av sina westernmusikaler till Sergio Leone? Per favore. Han delade ut sitt unika geni över hela mixerbordet för en annan Sergio, i det här fallet Corbucci, och kanske var det hans pseudonym ”Leo Nichols” som släppte lös odjuret som strövar runt de vilda ljuden i ”Navajo Joe”. Fängslande tangenter, en smak av det galna avantgardet, känslomässiga uppbyggnader som kulminerar i demens som föregriper hans böjelse för skräck (”A Silhouette Of Doom”); arrangemangen med de melodiösa mänskliga sångerna ”Navajo Joe, Navajo Joeee” -som den en gång hörda och alltid ihågkomna titelhymnen- är några av maestros mest uppfinningsrika stycken i genren. Återigen kan vi tacka Quentin Tarantino för att han påminde allmänheten om det briljanta i detta soundtrack, eftersom han återanvände en del av det för ”Kill Bill”, men du gör klokt i att söka upp originalet.
”Once Upon A Time In The West” (1968)
Under ett av sina mest produktiva år fortsatte Morricone sitt samarbete med Sergio Leone och komponerade vad som i mångas öron är den mest underbara musiken som hörts i en westernfilm. Den italienska sångerskan Edda Dell’Orso skulle fortsätta att arbeta med Morricone i många projekt, långt in i hans giallo-fas, men hennes röst skulle låta lika änglalik som i ”Once Upon A Time In The West”, ackompanjerad av Morricones sensuella stråkar. Albumet sålde i över 10 miljoner exemplar världen över, och när man hör ”The Man With The Harmonica” för 1000:e gången är den enda frågan som återstår: hur kommer det sig att det sålde så lite? Ledmotiven beskrev de fyra huvudkaraktärerna på oannonserade, ofta upprepade men aldrig bättre sätt, vilket måste ha fungerat dubbelt så starkt, eftersom Leone spelade Morricones musik på inspelningsplatsen för att få skådespelarna i stämning. ”Once Upon A Time In The West” är ett av de bästa exemplen på den opererade västernfilmen och är fast placerad på högsta nivå när det gäller en filmisk förening av bild och filmmusik.
”Escalation” (1968)
Detta är ett av de fall i Morricones långa, arbetsnarkomiska historia där det är okej att kasta ut barnet så länge man lämnar badvattnet. Det vill säga, Roberto Faenzas italienska mörka komedi ”Escalation” är inte särskilt bra, men Morricone var på alla cylindrar vid den här tiden och producerade ännu en oförglömlig filmmusik full av ren musikalisk glädje. Bland de mest framstående är den funkiga ”Dias Irae Psichedelico” (psykedelisk är rätt) och dess geniala tystnadsmoment, och alla ”Funerale Nero”-variationer, där Morricone gräver ner i sina jazzrötter med trumpeter som ger dig dansfeber. De drömska hopkokningarna låter som om hela orkestern trippade på LSD, medan det funkiga påminner lyssnarna om hur brett Morricones musikaliska nät var.
”Come Play With Me” (1968)
Bättre känd som ”Gracie Zia” är Salvatorre Samperis debutfilm nu så gott som bortglömd. Dess positiva kvarlevor är mest emblematiska i Morricones löjligt roliga soundtrack, som sparkar igång med ”Guerra E Pace, Pollo E Brace” och kombinationen av rytmiskt slagverk med vad som låter som en hel kör av barn. ”Inflicting pleasure” var en del av filmens marknadsföringsspråk – historien handlar om ett incestuöst förhållande mellan en moster och hennes brorson – vilket beskriver Morricones huvudsakliga antifonliknande medley perfekt. Och vänta tills du får njuta av ”Shake Introspettivo”; med sin ormliknande synt kommer repetitionsknappen att missbrukas som aldrig förr. ”Come Play With Me” är också en fantastisk tidig introduktion till Morricones giallo-sida, särskilt med hans användning av störande vaggvisor.
”The Mercenary” (1968)
Den andra västernfilmen som inte är från Sergio Leone och som måste nämnas är en annan Sergio Corbucci-film, och uppgiften att välja mellan denna och ”The Great Silence”, Corbuccis andra västernfilm som släpptes samma år, höll mig vaken några nätter. Efter några fullständiga lyssningar bestämde jag mig för ”The Mercenary”, främst för att dess signaturvisselpipa är den bästa visselpipan någonsin. Med hjälp av Bruno Nicolai, som samarbetade med honom sedan länge, förvandlade Morricone ”Il Mercenario”-temat – särskilt den klangfulla ”L’Arena”-variationen som Tarantino återanvände – till en av sina bästa kompositioner för västernfilmer. Försök bara att lyssna på den romantiskt melankoliska gitarren i ”Liberta” utan att få gåshud.
”Den sicilianska klanen” (1969)
För ”Once Upon A Time In America” och ”The Untouchables” satte Morricone sin geniala förkärlek för melodiösa kriminalfilmer i Henri Verneuils ”Den sicilianska klanen”. Filmen som inspirerade ett av Morricones mest igenkännbara stycken, troligen på grund av dess skrämmande trio av suave poster-boys: Alain Delon, Jean Gabin och Lino Ventura. Judisk-harps och visselpipor gifter sig med denna kriminalkapell med stämningen i en av Morricones västernfilmer, men med bara lite graciös jazz (”Snack Bar”) som fungerar som ett mellanspel, frodas den oefterhärmliga musiken till ”The Sicilian Clan” i rastlöst tempofyllda stycken som ”Tema Per Le Gofi” och, naturligtvis, den huvudsakliga ostinato som dryper av sensuell nostalgi och elektrisk kyla. Det är omöjligt att inte nynna i timmar efter att ha lyssnat på den.
”Burn!” (1969)
Oavsett om du känner till den under det italienska namnet ”Queimada” eller den underbart träffsäkra engelska titeln vet du att det som denna Gillo Pontecorvo-film har förutom en av de mer otroliga Marlon Brando-prestationerna är Ennio Morricones mest känslomässigt medryckande soundtrack. Den inledande kanton av ”Abolisson, abolisson!” för tankarna till den revolutionära fria andan som Morricone hade en otrolig talang för att översätta till musik – ju högre den växer, desto mer eftertryckligt reser sig dina hårstrån. Som med nästan allt han dirigerade under denna tidsperiod fångade Morricone essensen av en film i toner, harmonier och arrangemang. Hans ”Jose Dolores”-tema är ett av de bästa exemplen på enkla ackord som leder till något helt djupgående.
”The Bird With The Crystal Plumage” (1970)
I början av 70-talet började de italienska filmdukarna blöda av giallo-skräck, och vem fanns där för att injicera spöket i folks fantasi på ett mer hotfullt sätt än din läskiga grannes porslinsdocksamling? Bara den mest allestädes närvarande italienska filmkompositören, mannen som arbetade i en häpnadsväckande takt på 12-13 partitur per år under denna tid. Det första av Morricones oförglömliga bidrag till genren kom till Dario Argentos debutfilm (och en av hans bästa) ”The Bird With The Crystal Plumage”. Troligtvis inspirerades Morricone av Krzysztof Komedas vaggspelskomposition i ”Rosemary’s Baby” när han gjorde sin egen kusligt sublima la-la-la-la-barnsång för Argento, pepprad med paranoida trumpeter och xylofoner, som kristalliserar känslan av att någon med onda avsikter står precis bakom dig.
”Investigation Of A Citizen Above Suspicion” (1970)
Snålt, smidigt, lätt perverst och evigt på tå ovanför all misstänksamhet är Morricones partitur till Elio Petris Oscarsbelönade satir en av hans mest smittsamma melodier. ”Jag var tvungen att skriva en sorts musik för det groteska med en folklig känsla”, förklarar Morricone i denna Criterion-film, och hans kombinationer av mandolin och johannesbräda med typiska orkesterinstrument är oöverträffade när det gäller att ingjuta en känsla av djävulsk glädje. Morricones kreativitet med synthesizerljud och hans övernaturliga öra för att få fram musikaliska krokar gör ”Investigation Of A Citizen Above Suspicion” till en av hans mest populära låtar, som ofta hörs i hans livekonserter.
”Maddalena” (1971)
Morricone serverade filmmusik som en fladdermus från helvetet i början av 70-talet, så ofta var den majestätiska musiken ljusår före den film han komponerade den till. Detta är aldrig mer uppenbart än med Jerzy Kawalerowiczs ”Maddalena”, en slumpmässig film om en kvinna som söker kärlek och finner den hos en präst. Det har gått mer än 40 år, så det är okej att erkänna att det enda riktigt bra som kommit ut ur hela affären är Morricones vältaliga och symfoniska filmmusik. Morricone samarbetade med Edda Dell’Orso för den härliga nio minuter långa öppningsfilmen ”Come Maddalena” och komponerade ”Chi Mai” (som senare skulle populariseras ytterligare av BBC i ”The Life And Times Of David Lloyd George”). Morricone satte punkt för vad som kanske är hans enskilt mest framgångsrika år med sin karakteristiska fusion av jazz, körsånger och oändligt resonerande polyfonier.
”Lizard In A Woman’s Skin” (1971)
Det är paranoia som står i centrum i de barocka nyanser som genomsyrar Morricones giallomusik till ”Lizard In A Woman’s Skin”, som återutgavs förra året av skivbolaget Death Waltz med en lämpligt fantastisk omslagsdesign. Denna filmiska mardröm från Lucio Fulci inspirerade en av Morricones mest storslagna kompositioner; en vacker kakofoni av jazz, funk, kyrkorglar, vindpipor, visselpipor och Edda Dell’Orsos röst. Detta är element som har varit en del av så många Morricone-musikstycken före detta, men genom hans kirurgiska arrangemang känns de outtömligt fräscha och förföriska. Vare sig det gäller flöjterna i ”La Lucertola”, surfgitarren i ”Notte di giorno” eller det drömska fallet ner i Fulcis kaninhål i ”Spiriti” är detta ännu ett Morricone-musikstycke som får dig att tro att din stereo är besatt av någon demon som har en riktigt, riktigt, riktigt bra musiksmak.
”Cold Eyes Of Fear” (1971)
Om du är på humör för Morricones mest avantgardistiska sida, den sida som får de mest dissonanta ljuden i en David Lynch-film att låta som Buddy Holly, behöver du inte leta längre än till ”Cold Eyes Of Fear”.” Enzo Castellaris thriller är inte mycket värre än de andra giallos från sin tid, men det här skiftande, syrligt-jazziga soundtracket från Maestro kommer att krypa in under huden på dig och få dig att gå på nålar i flera timmar i sträck, med celloackord och trumpeter som återkommer i många mardrömmar som kommer att följa. ”Cold Eyes Of Fear” är utan tvekan den mest målmedvetet disharmoniska av Morricones partitur och stirrar in i den filmiska avgrunden med hjälp av ljud och klockspel. Det är också en av kompositörens höjdpunkter i karriären när det gäller gialloarrangemang, som starkt påminner om hans tidiga dagar som avantgardistisk improvisatör i Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza.
”Cat O’ Nine Tales” (1971)
I direkt kontrast till ”Cold Eyes Of Fear” står Morricones kompositioner till ”Cat O’ Nine Tails”,”, Dario Argentos andra film, är fyllda av vackra, nästan själfulla harmonier, typiskt för huvudtemat ”Ninna Nanna”, där han återigen använder sig av Dell’Orsos sångförmåga till mycket hypnotiska effekter. Du kommer förmodligen att känna igen den skräckframkallande ”Paranoia Prima” eftersom den återanvändes av Tarantino i ”Kill Bill Vol. 1”, medan resten av musiken är översållad med djupa bascellotoner och den typ av bakgrundsbrus som målar upp tusen mörka bilder. Vid den här tiden – och nej, det är inget stavfel, vi är fortfarande år 1971 – stod det klart att Morricone inte bara behärskade och ägde westerngenren, utan även de ursprungliga ljuden från italienska slasherfilmer.
”Duck, You Sucker!” (1971)
Det är dock inte så att han bara handlade om giallos 1971. Morricone var helt och hållet intresserad av allt han kunde få plats med i sitt löjligt komprimerade schema. Detta innefattade ännu ett virtuost soundtrack till en Sergio Leone-western, i det här fallet ”Duck, You Sucker!”. (alias ”A Fistful of Dynamite”). Det kan mycket väl vara den mest nyckfulla av Morricones Leone-musik, med sin oförglömliga blandning av det komiska och operatiska som gör underverk, vilket omedelbart hörs i filmens ”Main Theme”. De svajande stråkarna som tar över vid ett tillfälle tar dig med in i filmens magiska värld, innan Dell’Orsos operaiska mezzosopran lägger till ett oväntat lager. Kompositören själv beskrev denna film i en Quietus-intervju, framför alla andra, som ett utmärkt exempel på hans ”blandning av tonal musik och avantgardemusik.”
”What Have You Done To Solange?” (1972)
Ahhh, det där pianot. Lägg till ännu ett vinnande samarbete med Edda Dell’Orso i en giallofilm som är värd samma metthet som ett Morricone-musikverk. Massimo Dallamanos ”What Have You Done To Solange?” är genomsyrad av mystik, äkta spänning och en sorts paranoia som är hårdare än pianotråd. Från det inledande titeltemat till de jazziga miljöerna i ”Una Tromba E La Sua Notte” och karusellljuden i ”Fragile Organetto” är partituret ännu ett subtilt osammanhängande och provocerande stycke filmmusik som omedelbart kommer att projicera bilder av Fabio Testi’s mördarpräst och Cristina Galbo’s Elisabet för dem som sett filmen, samtidigt som det lockar dem som inte sett filmen att leta upp den. Morricones musik är så förlamande bra här att den inte ens tillåter dig att skratta åt det osubtila dubbningsjobbet.
”Revolver” (1973)
Detta är ytterligare ett fall där Morricones mindre kända musik har omarbetats av Tarantino (den här gången i ”Inglourious Basterds”) och om du tänker: ”Tog du bara med allt som QT omarbetat på den här listan?” så är svaret nästan, men inte för att jag har bestämt mig för det. Tarantinos musiksmak är formidabel, oavsett vad man tycker om hans arbete eller storleken på hans ego, och när man går igenom Morricones omfattande produktion är det som sticker ut oftast det som sticker ut för Tarantino själv. Men om Sergio Sollimas ”Revolver” bara handlade om de känslomässigt brinnande strängarna i ”Un Amico” är det troligt att den inte skulle ha kommit med i urvalet. Det 12 minuter långa titelspåret har en anmärkningsvärd drivkraft med sina skiktade horn och ”Quasi Vivaldi” är en trevlig liten knuff till den berömde kompositören.
”Spasmo” (1974)
Den sista av giallos som finns med på den här listan är ”Spasmo”, som sticker ut från resten med sina vackra ”Bambole”- och ”Spasmo”-satser. 1974 hade Morricone uppenbarligen behärskat giallo-musikerna tack vare sitt arbete med Argento och Dallamano, men han hade fortfarande en svindlande sensationell musik kvar i sig för Umberto Lenzi. De fruktansvärt romantiska och känslomässiga arrangemangen av synthesizermelodier, mänskligt nynnande och blåsinstrument ger resonans långt bortom den apparat som spelar upp musiken (eller, förvisso, skärmen). I ”Spasmo”, som förmodligen är en av de vackraste filmmusikerna som någonsin har komponerats för en skräckfilm, blandas det fantastiska med det verkliga, vilket är giallotraditionen, och blandningen av det syntetiska och det naturliga i Morricones filmmusik står i förgrunden.
”Exorcisten II: Kättaren” (1977)
Från det vackra till det helt vansinniga, samtidigt som den fortfarande spelar i samma sandlåda. ”Exorcisten II” är en oändlig katastrof av en film, en fattigmans uppföljare av den annars så storartade John Boorman. Men som det är fallet med några andra på den här listan, finns det ibland bakom en fruktansvärd film en oerhört bra filmmusik, vilket Morricone, mer än någon annan filmkompositör, har bevisat gång på gång, med lysande exempel som detta. Det börjar fint och vackert med ”Regan’s Theme”, men det dröjer inte länge innan ”Exorcist II” urartar i vansinne med sångerna i ”Pazuz” och de kvinnliga klagorna i ”Little Afro-Flemish Mass”. När man väl kommer till den galna ”Magic And Ecstasy” slår det en: det här är det galnaste vi någonsin har hört Morricone. Och det är fantastiskt.
”Days Of Heaven” (1978)
Morricones första av fem Oscarsnomineringar (som han till slut kommer att förlora alla fem: skam!), ”Days Of Heaven” är ett av dessa drömsamarbeten mellan regissör och kompositör. Genom att arbeta med Terrence Malick för första gången producerade Morricone en av sina bästa amerikanska filmmusik, en musik som perfekt kompletterar Malicks djupt kända tematiska tendenser och Nestor Almendros sublima cinematografi. Den drömska öppnare ”Aquarium” är inte ett Morricone-original, men sätter vackert tonen för det ikoniska titelspåret fullt av nostalgisk längtan, de ljungande flöjterna i ”Happiness” och det vindlande svajandet av stråkar i ”Harvest”. Allt för att skapa en komposition som är magisk som filmmusik. Och här är något som kan ge dig lite mat till din förväntan: Morricone och Malick ska återigen samarbeta för regissörens efterlängtade dokumentärfilm ”Voyage Of Time”.
”The Thing” (1982)
Jag vet att det här musiken nominerades till en Razzie, okej? Men skit i det, för ”The Thing” har genom tid och förnuft blivit erkänd som ett av Ennio Morricones kusligaste stycken. John Carpenter bestämde sig som bekant för att inte göra musik till just den här filmen och gav i stället maestroen i uppdrag att göra jobbet (uppenbarligen som ett fan av italienarens gialloarbeten). Även om legenden säger att Carpenter inte var så nöjd med Morricones arbete och bara använde bitar av det i den slutliga filmen, innehåller den ursprungligen utgivna OST spår som Morricone själv valde ut. Rensa ditt sinne från bakgrundsljudet kring utgivningen och njut av ett av Morricones stämningsfullaste soundtrack, som på ett vackert sätt frammanar den vintriga isoleringen i filmens miljö och den fantasmagoriska spänningen som är förhärskande i hela filmen. Rekommenderas med hörlurar på och ljuset släckt.
”Once Upon A Time In America” (1984)
Vad som slutade med att bli det sista samarbetet mellan två giganter inom 2000-talets filmvärld och kära vänner, ”Once Upon A Time In America” rankas mycket högt bland Morricones största hits. Det är ett av få exempel där du kan slumpmässigt shuffla till vilket spår som helst och det kommer omedelbart att kännas igen som den musik Morricone skapade till Leones mästerverk; lika känslomässigt episk som själva filmen är det den ikoniska användningen av den huvudsakliga panflöjten (lyssna på öppningen av ”Childhood Memories” för ett särskilt genomträngande exempel) och ”Deborahs tema” som förevigar partituret. Precis som han gjorde med ”West” spelade Leone Morricones musik på inspelningsplatsen för att få skådespelarna att komma in i filmens stämning, vilket på sätt och vis gör Morricone till en medregissör. En härlig tanke för en hisnande filmupplevelse.
”The Mission” (1986)
”Jag kände definitivt att jag borde ha vunnit för ”The Mission””, sa en möjligen grälsjuk Morricone till The Guardian i en intervju 2001. Och självklart borde han ha vunnit en Oscar för denna uttrycksfulla och operamässiga filmmusik. ”Gabriel’s Oboe” är en två och en halv minut lång upptäckt av hur himlen måste låta, medan hans känsla för att skapa för evigt minnesvärda titelteman fortsätter med ”The Mission”, som är ett så vackert musikaliskt arrangemang som han någonsin har gjort före eller efteråt. Historien säger att Morricone i ett sällsynt ögonblick av självtvivel tyckte att Roland Joffes bilder var för kraftfulla och att han trodde att hans musik inte skulle göra dem rättvisa. Se? Även genier kan ha fel.
”The Untouchables” (1987)
Brian De Palma och Ennio Morricone kom bra överens och samarbetade återigen framgångsrikt för ”Casualties Of War” 1989, men det är den Oscarsnominerade filmmusiken till ”The Untouchables” som bar de saftigaste frukterna av deras samarbete. Morricone började ta det lite långsammare med filmmusik efter 1985 och fokuserade istället på livekonserter, men precis som med de återstående soundtracken på listan var han fortfarande i sitt rätta element när han var tvungen att lägga till ackompanjerande musik till en rörlig bild. Det medryckande segerrika ”Untouchables”-temat låter för jävligt bra när trumpeterna slår crescendo för att någonsin bli fånigt, medan ”Al Capones” tema passar som hand i handske till Robert De Niros briljanta komiska prestation.
”Cinema Paradiso” (1988)
Morricones namn förknippas oftast med kriminalepos, westernfilmer och giallos, men det är partitur som det han komponerade och orkestrerade för ”Cinema Paradiso” som får en att ta ett steg tillbaka och inse att det faktiskt inte fanns något som denne maestro inte kunde svinga sin taktpinne till. Det var hans första filmmusik för Giuseppe Tornatore, ett samarbete som skulle resultera i ytterligare ett par oförglömliga filmmusikfilmer, och precis som själva filmen är alla stycken en återspegling av en bottenlös kärlek till filmens svepande krafter. Stråkpermutationerna som omsluter lyssnaren med en omslutande värme, som hörs i ”Title Theme” och ”Love Theme”, kommer att förvåna dig till tystnad.
”Frantic” (1988)
Roman Polanskis ”Frantic” glöms ofta bort när man räknar upp regissörens största filmer, men den har en speciell plats i mitt hjärta. När jag återbesökte Morricones filmmusik (tyvärr den enda gången de två arbetade tillsammans) blev jag omedelbart påmind om det mysterium och den paranoia som Harrison Fords förvirrade läkare upplever. Det är ett av maestroens mest djupt subtila verk: det är skickligt stämningsfullt, med en helt otrolig användning av dragspelsljud som kommer in och ut, dränkt av de höga strängarna. Det är en sammansmältning av giallo-känslor som han behärskade på 70-talet med det mer klassiska orkesterarbete som han gjorde vid den tiden, och resultatet är ännu en underbar filmmusik som man helt och hållet kan gå vilse i.
”Legend Of 1900” (1998)
När 90-talet kom var Morricone inte alls lika produktiv som han hade varit tidigare, och även om han fortfarande fick majoriteten av Hollywoods kompositörer att se ut som barn som slår på grytor och kastruller, är det uppenbart att toppen av hans karriär låg bakom honom (troligen uppnådd, om man skulle spåra den, i ”Once Upon A Time In America”). Med det sagt var han fortfarande inspirerad att producera några underbara musikstycken, mer klassiska än någonsin, för sin gode vän Giuseppe Tornatore. För ”Legend of 1900”, hans andra Golden Globe-vinst, bländade han med passionerade pianokompositioner och sorgliga stråkar som vackert fångade andan hos det musikaliska underbarnet i centrum.
”Malena” (2000)
Hans femte och sista Oscarsnominering innan väljarna insåg att en heders-Oscar var det enda sättet att rädda ansiktet, är ”Malena” det största verket Morricone komponerade under höstdelen av sin karriär. Han hittade ett sätt att musikaliskt beskriva de förföriska krafterna hos Monica Bellucci, som spelar en sensuell kvinna i en liten efterbliven italiensk stad. Den känslomässiga berg- och dalbana som filmen är – både en berättelse om hur man blir vuxen och en social kommentar om intolerans i trångsynta samhällen – får sin själ och sin essens i Morricones musik. Kompositören gräver i sin arsenal av instrumentala arrangemang och skapar något jovialiskt, oefterhärmligt och sublimt.
Med tanke på att den här listan har tagits fram av mer än 500 filmkompositioner kan man lätt lägga till ytterligare 30 Ennio Morricone-musiken och något skulle fortfarande kännas saknas. Hur jag än försöker göra rättvisa med tanke på hans rasande produktion var det med otroligt tungt hjärta som jag var tvungen att utesluta en del av hans verk från 60- och 70-talen, en period där han inte gjorde så mycket fel. Av dessa är ”A Fistful Of Dollars”, den smittsamt poppiga ”Slalom”, ”Death Rides A Horse” (en annan westernpärla som Tarantino lånade från), ”The Five Man Army”, den udda och knasiga ”Danger: Diabolik”, Corbuccis ”The Great Silence” och Pier Paolo Pasolinis ”The Hawks And The Sparrows” sticker ut.
På 70-talet finns ”Violent City”, ”Two Mules For Sister Sara”, ”The Forbidden Photos Of A Lady Above Suspicion”, ”The Fifth Cord”, ”Vamos a Matar, Compañeros”, ”Working Class Goes To Heaven” och ”Who Saw Her Die?”, som alla missade inträdet med en kattfjäril. Hans partitur från 1971 för ”Veruschka” och ”Sacco e Vanzetti” är populära bland diehards, men hur bra de än är så fann jag att jag inte kunde ersätta dem med någon av de andra. Hade jag fel? Du får berätta!
Morricones 80- och 90-tal, även om de inte är lika produktiva som de två första decennierna, har fortfarande ”White Dog”, ”Red Sonja”, ”Casualties of War”, ”Bugsy” (den enda Oscarsnominering som inte finns med i huvudlistan), ”Hamlet”, ”Wolf” och ”Lolita” som några av de verk som på allvar övervägdes för att komma med i huvudlistan.