Der Begriff analytischer Kubismus definiert die frühe Phase des Kubismus und beschreibt die Innovationen und Experimente der beiden Künstler Pablo Picasso und Georges Braque. Die beiden Maler, die als Väter der kubistischen Bewegung gelten, revolutionierten das Gesicht der Kunst. Die von 1909 bis 1912 entstandenen Bilder des analytischen Kubismus zeichnen sich durch ein fragmentarisches Erscheinungsbild, einen linearen Aufbau, die Reduktion der Farbe auf eine fast monochromatische Farbpalette, das Verständnis der Objekte als geometrische Grundformen und die Verwendung mehrerer Blickwinkel aus. Im Gegensatz zu anderen Avantgarde-Bildern, die von den italienischen Futuristen, Piet Mondrian oder dem Pionier der abstrakten Kunst Wassily Kandinsky geschaffen wurden, blieben die Bilder des analytischen Kubismus offen für Interpretationen und wurden nicht von einem Manifest des Künstlers begleitet. Seit Jahren analysieren Kunsthistoriker und Kritiker den analytischen Kubismus und versuchen, seine fragmentierten Formen, flachen und stark bearbeiteten Oberflächen zu verstehen.
Die Anfänge des analytischen Kubismus – Was trieb das Neue an?
Die kubistischen Künstler forderten den Kanon der Kreativität heraus und zielten darauf ab, die Kunst neu zu beleben, damit sie besser mit den Innovationen und der Entstehung der Moderne übereinstimmt. An der Wende zum 20. Jahrhundert befanden sich die Künstler inmitten eines großen Wandels. Technologische Fortschritte, dramatische politische und soziale Veränderungen fanden zu dieser Zeit statt. Die Geburt der Fotografie veränderte die Rolle und den Bedarf der bildenden Kunst für immer, da sie zur Dokumentation der Veränderungen in der Welt eingesetzt wurde. Für viele Maler und Künstler musste die Kreativität diese neuen Energien und Ideen widerspiegeln. Die beiden Autoren Picasso und Braque lehnten, inspiriert von dem postimpressionistischen Künstler Paul Cezanne, die Regel der Dreidimensionalität und der Perspektive in der Kunst ab und begannen, mit flachen Oberflächen, der Reduktion von Form und Farbe und dem Verständnis der Natur in Form von geometrischen Grundformen zu experimentieren. In dem Bestreben, ein Gefühl der Totalität zu schaffen, das das Bedürfnis nach Neuem widerspiegelt, arbeiteten die beiden Künstler zusammen, kommunizierten täglich und experimentierten mit Raum, Zeit und der Darstellung der Welt.
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Der Stil des analytischen Kubismus
Als eine besonders rigide Form der Avantgardekunst war der analytische Kubismus die intellektuellste und kompromissloseste Phase der kubistischen Bewegung. Der analytische Kubismus ist die intellektuellste und kompromissloseste Phase der kubistischen Bewegung und spiegelt die Abkehr von den früheren helleren Bildern hin zu einer analytischeren Herangehensweise an das Thema wider. Die strukturierte Zergliederung des Motivs, Blickpunkt für Blickpunkt, führte zu einem fragmentarischen Bild und sich überschneidenden Ebenen. In den Jahren 1910 bis 1912 abstrahierten Picasso und Braque ihre Werke bis zu dem Punkt, an dem sie auf ein bloßes Spiel von Flächen und Facetten reduziert wurden. Das entstandene Ergebnis lässt sich am besten als Collage verschiedener Ansichten beschreiben, die wieder zu einem Gesamtbild zusammengeklebt werden. Durch die Reduktion der Farbe auf die fast monochromen Grau-, Braun- und Schwarztöne blieb der Fokus auf die Struktur der Form und die Dichte des Bildes in der Mitte der Leinwand gerichtet. Die bevorzugten Motive waren in der Regel Stillleben mit Musikinstrumenten, Flaschen, Krügen, Gläsern, Zeitungen sowie das menschliche Gesicht und Figuren. Landschaftsbilder waren selten.
In Fortführung der Erforschung der zweidimensionalen Fläche und der Ablehnung der Einpunktperspektive waren die Bilder des analytischen Kubismus eigenständige Objekte. Dieses Verständnis der kubistischen Kunstwerke wurde von dem Kritiker Clement Greenberg vertreten, der die Bilder als Konstruktionen aus verschiedenen Teilen definierte, die die Realität sowohl darstellen als auch neu verstehen.
Die Bedeutung des analytischen Kubismus und seiner Bilder
Das Gemälde Porträt von Ambroise Vollard gilt als das Bild, das den Stil des analytischen Kubismus definiert. In diesem Werk hat Pablo Picasso eine menschliche Figur in eine Reihe von flachen, transparenten, geometrischen Platten zerlegt. Der frühe kubistische Malstil mit seiner Konzentration auf würfelförmige Bilder ist verschwunden, und an seiner Stelle wird uns ein Bild geboten, das die Fläche feiert. Die allgemeine Qualität der Dekonstruktion und der anschließenden Kreation des Bildes, die durch die vielschichtigen Anordnungen sich überlappender Flächen unterstützt wird, ist eines der Schlüsselelemente des neuen künstlerischen Stils.
Die Bedeutung des Analytischen Kubismus liegt in der Infragestellung des traditionellen künstlerischen Kanons. Die Ablehnung der Dreidimensionalität und die Reduktion der Form auf die Grundidee der flachen Fläche beeindruckte nicht nur die Maler, sondern prägte auch das neue Verständnis von Skulptur und Architektur. Der analytische Kubismus endete 1912, und an seiner Stelle boten die beiden Künstler den Synthetischen Kubismus an, einen ebenso revolutionären Kreativitätsstil, der neben Farbe und Leinwand auch gefundene Gegenstände und Materialien einbezog. Diese beiden Stile definierten die kubistische Bewegung, die für viele als die Geburtsstunde der ungegenständlichen Kunst gilt.
Die zentrale Phase der modernen Kunst, der analytische Kubismus, erreichte ihren Höhepunkt in den zwei Jahren zwischen 1910 und 1912. Der kreative Austausch zwischen den beiden Meistern Pablo Picasso und Georges Braque führte zur kubistischen Bewegung, die als eine der revolutionärsten Perioden der Kunst gilt. Das Buch ist die erste Publikation, die sich eingehend mit diesen beiden intensiven Jahren der Produktivität befasst und das faszinierende malerische Spiel zwischen diesen beiden großen Künstlern aufdeckt. In den Essays prominenter Kuratoren und Historiker werden Gemälde, Zeichnungen und Drucke im Hinblick auf ihre Auseinandersetzung mit Fragen des Genres, des Formats, des Mediums und des künstlerischen Prozesses untersucht. Wer das Spiel der beiden Autoren verstehen will, muss den Kubismus verstehen und seine Bedeutung für spätere Entwicklungen in der Kunstgeschichte begreifen.